Orfeo y Eurídice.




Christoph Willibald von Gluck


Orfeo y Eurídice es una ópera en tres actos compuesta por el músico alemán Christoph Willibald Gluck, (2 julio 1714 – 15 noviembre 1787) el libreto corresponde a Raniero de Calzabigi. Y, está inspirada en el héroe mitológico Orfeo.


La Obra se estrenó en Viena en 1762, y tiene como particularidad que es una de las primeras obras en que Gluck pone de manifiesto hacer una reforma a la ópera, de manera que la poesía, el lenguaje y la acción de la obra reflejara la sencillez y la fuerza característica de la tragedia griega.
Selección
Agradecimientos a canal de :  La Casa di Davide - youtube


El libreto de Orfeo y Eurídice fue pensado en el esquema de la ópera Italiana, sin embargo tiene mucho del género de la ópera francesa;los recitativos con acompañamiento y en lo vocal la desaparición total del virtuosismo.


Doce años después Gluck adaptó la ópera para el gusto del público francés, llamándola Orphèe et Eurydice, a la que hizo cambios múltiples; en el reparto vocal y la orquestación.
Pero en realidad son tres las versiones de la ópera realizadas por el propio Gluck.
La primera; para el estreno en Viena año 1762, escrita para Gaetano Guadagni, un castrato con tesitura de contralto.
La segunda; para las presentaciones en Parma en 1769 en la que Gluck ya inicia los primeros cambios, puesto que adapta la parte del protagonista para otro castrato, Giuseppe Millico, que poseía la tesitura de soprano.
Y, finalmente la tercera , para su adaptación en París en 1774, traduciendo la obra al francés y el protagonista es ahora a un tenor, pero de tesitura muy aguda.



Orfeo y Eurídice
Ópera en tres actos

Personajes

Orfeo - mezzosoprano, contralto o tenor (según la versión)
Eurídice - soprano
Amor - soprano

Pastores y ninfas, furias y espectros del infierno, héroes y heroínas de los Campos Elíseos, seguidores de Orfeo — Coro


Argumento
La acción se desarrolla en la Grecia mitológica.

Acto I

Montículo de la costa helénica en el cual está emplazado un túmulo funerario. El afligido Orfeo llora con desconsuelo sobre la marmórea losa que cubre los restos mortales de su amada Eurídice, fallecida recientemente. Coreado por los amigos que le han acompañado hasta el fúnebre lugar, canta una conmovedora aria (Chiamo il mio ben). Orfeo está dispuesto a realizar cualquier sacrificio, por enorme que sea, a afrontar el más espantoso peligro, con tal de rescatar de su tumba a su hermosa prometida. Así lo ofrece a los dioses en un heroico recitado en el cual les invoca suplicante y les increpa al mismo tiempo, por lo crueles que con él han sido. Como respuesta a sus palabras, se le aparece el dios Amor, que acude a su conjuro.
Éste informa al desesperado mancebo que el omnipotente Zeus ha oído sus lamentos e imprecaciones y enternecido por su dolor le permite llegar hasta el mundo lejano e invisible de los dioses y las furias, en donde podrá luchar para recobrar a su amada. Primeramente deberá vencer la resistencia de Plutón y los espíritus malvados que le rodean, quienes tratarán de impedirle la entrada a la mágica región; para luchar con ellos no debe emplear otra arma que el encanto de su voz y la seducción de sus canciones. Otra advertencia importante es la de que, una vez encuentre a Eurídice, debe tener en cuenta que para efectuar felizmente su rescate no puede en ningún caso volver la vista atrás para contemplarla, hasta que hayan atravesado las aguas pestilentes de la laguna Estigia; de no hacerlo así, su prometida moriría irremisiblemente. Orfeo acoge con gran júbilo el mensaje de los dioses, dándoles las gracias por haber atendido su ruego e implorando su ayuda para la arriesgada empresa que va a iniciar.


Acto II

Cueva sombría que sirve de entrada al averno. Aparece Orfeo, el cual es amenazadoramente recibido por las Furias que habitan en la lobreguez del antro, condenadas a montar guardia eternamente. Ellas le insultan por su osadía de haber llegado hasta allí y tratado de penetrar en aquel infernal paraje cuyo paso está vedado a los mortales. Las amenazas son cada vez más inquietantes con repetidos gritos de ¡No!, el atemorizado Orfeo trata de calmarlas, y recordando las palabras del dios Amor, recurre a su arma como cantante entonando una dulce canción en la que expresa su infinita pasión por Eurídice y la honda pena que le ha causado su muerte. Amansadas por el hechizo de la música y el son cristalino de la voz del cantante, las Furias se apiadan de sus pesares y finalmente ellos dejan paso a la nueva emoción que ahora sienten (Ah!, quale icognito affetto), y para que pueda encontrar a su amada, le permiten entrar en el terrible reino cuyo única puerta de acceso custodian. Se abren las puertas de los Campos Elíseos, valle paradisíaco, en donde los espíritus bienaventurados vagan libremente gozando por una eternidad de la paz y dicha que han merecido sus vidas ejemplares. Se escucha la Danza de los Espíritus Benditos, quienes, conducidos por uno de ellos, cantan su alegre existencia en este bello lugar(Questo asilo).
Aparece Orfeo, prosiguiendo su peregrinaje en busca de Eurídice. El coro de seres angelicales, le saludan dándole la bienvenida. Informados del deseo que le ha traído hasta allí, van en busca de su amada y se la presentan. Orfeo, al percibir la sombra adorada intenta abrazarla, loco de dicha, pero recordando la severa advertencia del dios Amor, se abstiene de ello y tomando a Eurídice de la mano se la lleva del grupo de espíritus, mirando en dirección opuesta y conduciéndola hacia los confines del valle en donde se encuentran la laguna Estigia y la salida del reino de las sombras, mientras los Espíritus Benditos los contemplan y animan a Eurídice a volver (Torna, o bella). Ella le sigue dócilmente, aunque muy extrañada de la inexplicable actitud de su amado, que en vez de demostrar su contento por el encuentro, la arrastra brutalmente sin prodigarle ni una sola mirada de afecto.

Acto III

Interior de un espeso bosque. Orfeo, que ha soltado por un instante la mano de su prometida, continúa avanzando en su camino sin detenerse y llamando a Eurídice para que le siga, pues sabe que las pantanosas aguas de la fatídica laguna no están lejos y no quiere perder tiempo en atravesarlas y alejarse de una vez de aquellos parajes de maldición. Mas la intrigada doncella, que continúa sin comprender el porqué de aquel extraño comportamiento, está celosa por lo que juzga desdén en la aparente indiferencia de su amado (Che fiero momento).Deteniéndose de pronto, se niega a dar un paso más si éste no la mira y le jura que la quiere, pues es preferible regresar a donde estaba que retornar al mundo de los vivos sin poseer su cariño. Orfeo trata en vano de resistir a este amoroso llamamiento. Olvidando la prohibición de los dioses y no obedeciendo más que al impulso de su corazón de enamorado, se vuelve repentinamente y estrecha a Eurídice entre sus brazos. Inmediatamente la bella muchacha desfallece sin vida.


Resumen de los 3 actos : Fiorellaspadone.com





"Orfeo" ejemplifica la mayoría de los principios reformistas, combinando una encauzada energía y una sublime serenidad. Pero, y pese a su intento de eliminar a los cantantes "de exhibición" (no muy bien vistos en Francia), Gluck se vio obligado a utilizar al castrato del teatro imperial vienés, Gaetano Guadagni, para el papel principal. Años más tarde, al presentar esta ópera en París, con libreto francés de Pierre-Louis Moline basado en el de Calzabigi, completó la reforma, cambiando el castrato protagonista por un tenor. El exitoso estreno de esta revitalizante versión, con libreto francés, tuvo lugar en París el 2 de agosto de 1774.


Las reformas de Gluck hiciera tuvieron mucha importancia a través de toda la historia operística.
Insignes músicos como: Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por él.


Considero a la música no solo como un arte para divertir el oído, sino incluso como uno de los mayores medios para mover el corazón y encender los sentimientos”.

Christoph Gluck

OPERA Completa Classicaltv.com

Christopher Willibald Gluck
Orfeo y Eurídice

Coreografía y puesta en escena : Pina Bausch

Roles en el ballet

Orfeo : Kader Belarbi/ José Martínez/ Yann Bridard
Eurídice : Marie-Agnès Guillot/ Eleonora Abbagnato o Alice Renevand
Cupido : Miteki Kudo o Muriel Zusperreguy o Charlotte Ranson

Cantantes

Orfeo : Elisabeth Kulmann/ Maria Riccarda Wesseling
Eurídice : Svetlana Doneva/ Julia Kleiter
Cupido : Héléne Guilmette/ Sunhae Im

Las estrellas, los primeros bailarines y el cuerpo de ballet

Balthasar-Neumann grupo y coro
Dirección Musical : Thomas Hengelbrock



Páginas de Interés

- Biografía y Obras de Christoph Gluck
- Libreto "Orfeo y Eurídice"
- Análisis "Orfeo y Eurídice"
- Partitura para piano (4 manos)




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Orchestrion - Pat Metheny



ORCHESTRION
Metheny
el hombre orquesta




Indudablemente Pat Metheny es uno de los pocos músicos que le gusta experimentar con los instrumentos musicales, una demostración de ello es su guitarra Picasso en la cual reune cuatro instrumentos en uno.

Metheny, había quedado muy impresionado desde su niñez con los instrumentos musicales mecánicos. Cada vez que iba a la casa de su abuelo, se dirigía al sótano en donde había un piano mecánico y en el, se entretenía muchísimo.

“Mi abuelo tenía una pianola en su sótano que siempre me fascinó, y conforme pasaban los años me di cuenta de que aplicar esa idea a un nivel orquestal era un área inexplorada”

De allí su interés en estos instrumentos mecánicos, cosa que llevó a la práctica por medio de investigación durante mucho tiempo.

“He estado trabajando durante años con un grupo de técnicos e inventores de todo el país (EUA), todos muy talentoso e innovadores, para construir una gran paleta de sonidos acústicos, utilizando dispositivos reproductores de sonido que puedo organizar como un nuevo tipo de orchestrión".

"Los principales instrumentos, nueve, han sido diseñados y construídos para mí por el increíblemente talentoso Eric Singer, que es un gran innovador en este ámbito de la ingeniería”.

Rescatando de alguna forma ese viejo “Orchestrión”, ese gran instrumento mecánico, construído por F.T. Kaufmann en Dresde entre 1846 y 1851, y cuya peculiaridad es que puede sonar como una orquesta de viento completa, con percusión de tambores, címbalos o triángulo, pudiendo hacer oir cada instrumento por separado.

Años antes otros de los intrumentos que fueron llamados “Orquestrion”, era un órgano de cámara, inventado por Abt Vogler a finales del siglo XVIII, y un piano forte con tubos de órgano, fabricado en Praga por Thomas Anton Kunz.

Pero el “Orchestrión” de Pat, funciona realmente como una orquesta bajo el control total de Metheny, quien mediante su guitarra acciona - ayudado por la tecnología – absolutamente todos y cada uno de los instrumentos que se encuentran sobre el escenario. Ver esta imagen sobre el proscenio es tener una visión de algún mago en su laboratorio musical.


Agradecimientos a : Canal de nonesuchrecords - youtube

En realidad no hay nada pregrabado, los sonidos que se escuchan son todos acústicos que vienen de platillos, bombos, cuerdas, vientos o teclados que pueden verse en el escenario.

Pero, ¿Cómo funciona el orchestrión de Metheny?.

Bueno, en palabras sencillas; gracias a la colaboración del técnico en guitarras Mark Herbert, que por medio de un pedal para una segunda guitarra con cuyas cuerdas activan diferentes selenoides (mecanismos tecnológicos que permiten accionarlos ) que controlan el ritmo, la intensidad y la duración de cada nota.

Tras el proyecto hay una larga lista de inventores encargados de construir cada artilugio musical. Pero el proyecto no esta exento de problemas, ya que el ruido que generan los aparatos robóticos al accionarse debe ser controlado mediante micrófonos direccionales y otros artilugios.



Agradecimientos a : Canal de kenquien - youtube

Es innegable todo el aporte de metheny a la escena jazzistica musical, pero también se debe considerar que un mecanismo, por muy perfecto que sea, como el "orquestrión," (que suena bastante bien) no reemplazará jamas a la creatividad e inspiración vertida a un instrumento musical por un ser humano.





Tracklist

01. Orchestrion (15:48)
02. Entry Point (10:28)
03. Expansion (8:35)
04. Soul Search (9:19)
05. Spirit of the Air (7:45)




01 - Orchestrion by MarioEnriqueL


Páginas de interés

- Descarga " Orchestrión " (password: avax) de http://avaxhome.ws









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Appassionata - Beethoven



Appassionata





Ludwig
van Beethoven



La sonata para piano N° 23 en Fa menor opus 57 de Ludwig van beethoven, mas conocida como "Appassionata", es considerada como una de las tres grandes sonatas de su período medio, las otras son: la Sonata Waldstein opus 53 y la Sonata les Adieux opus 81.


La Appassionata o apasionada fue compuesta en Döbling un pueblo cerca a Viena en 1804, dedicada al Conde Franz von Brunswick y publicada por el “Bureau des Arts et d´Industrie.


Consta de 3 movimientos
- Allegro Assai
- Andante con motto-attaca
- Allegro, ma non tropo-presto.




Primer Movimiento - Allegro Assai

Agradecimientos a : Canal de ValentinaLisitsa - youtube

Es un allegro de sonata sin repeticiones en compás 12/8 y dura cerca de 10 minutos. Pese a su duración, esta pieza se va moviendo entre rápidos cambios de tonalidad y súbitos cambios de dinámica. El tema principal tiene un ritmo característico, como un ritmo punteado, pero con una proporción de 5:6, en lugar de una de 3:4, que es difícil de tocar. El escoger la tonalidad de Fa menor se hace obvio cuando se nota que el movimiento hace uso frecuente del ámbito grave y oscuro del fa más bajo del piano, que era la nota más grave del instrumento en aquella época. El movimiento es tranquilo y algo lento al inicio, interrumpido por grupos de acordes tocados rápidamente.




Segundo Movimiento - Andante con moto - attacca

Agradecimientos a : Canal de supersmashmike45

El segundo movimiento es un tema y variaciones con una melodía lenta, quieta, casi como un himno en Re bemol mayor, de dos secciones de 8 compases, que se repiten. Las variaciones son, una por una:
• similar al tema original, con la mano izquierda tocando síncopas,
• una ornamentación del tema en semicorcheas,
• una rápida ornamentación en fusas. En lugar de repetir, tanto la mano izquierda como la derecha toman secciones del tema cada una,
• una repetición del tema original, con pequeños cambios. En lugar de acabar quietamente, suena un concluyente acorde de séptima disminuida fortissimo como un trueno y nos lleva sin pausa al tercer movimiento.




Tercer movimiento - Allegro, ma non troppo - Presto

Agradecimientos a : Canal de conception3 - youtube

El tercer movimiento es un allegro de sonata en el cual, muy inusualmente, sólo la segunda parte habrá de repetirse, según las indicaciones. El movimiento es un perpetuum mobile, con rápidas semicorcheas que sólo son interrumpidas en el desarrollo y en la coda. El movimiento es de naturaleza compleja, rápida y agitada, con rápidas semichorcheas interrumpidas sólo en el desarrollo y coda. Ha recibido varios adjetivos de parte de los críticos: "apasionada", "desesperada" y "que quita el aliento".

Analisis de los 3 movimientos - Wikipedia


Intérpretes de:


1er Mov.- Valentina Lisitsa (Ucrania)
2do Mov.-
Miguel A.Rivera B. (México)
3er Mov.-
Claudio Arrau (Chile)


Imágen Beethoven:
- Rawtype

Páginas de Interés:

- Descarga partitura
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Mas detalles sobre "Appassionata"
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Análisis de la "Appassionata"










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"Samba de una sola nota" Jobim y Mendonca



Samba de una sola nota

Y, su compositor casi desconocido



Esta conocidísma melodía clasificada como Bossa Nova es la creación de un famoso dúo de músicos, quizás el mas relevante para los incios del género de la Bossa Nova.

Antonio Carlos Jobim y Newton Mendonca, juntos compusieron: Desafinado, Meditacao, Discussao, entre muchas otras.

Antonio Carlos Jobim, es actualmente un reconocido y consolidado músico; pero, Newton Ferreira de Mendonca, compositor y pianista fue y es aún un poco conocido músico., nació en de Rio Janeiro el 14 de febrero de 1927, pero desde 1933 a 1939, vivió en Porto Alegre, San Luis, lugar en donde estudió violín; después de un tiempo y de regreso a Rio ingresó al colegio militar, cuando cumplía sus 13 años inició sus estudios de piano clásico.

En 1942 viviendo ya en Ipanema, conoció a Antonio Carlos Jobim de quién se hizo muy amigo, pero solo en 1953 se asociaron para producir estos hermosos temas.

Newton Mendonca falleció tempranamente el 22 de noviembre de 1960, lamentablemente este malogrado músico no conoció el gran éxito de sus composiciones.
No obstante nos ha legado este hermoso tema: “Samba de uma nota só”, que cautiva por su sencillez y hermosa melodía traspasando todas las fronteras, considerandola como la canción emblema de la bossa nova, junto a desafinado, Chega de saudade o la conocidisima Garota de Ipanema.

Newton Mendonca, merece ser reconocido por la genialidad de su obra.



Agradecimientos a : Canal de scofak - youtube



Mas detalles sobre la vida de este introvertido compositor en el blog de Carlos Sanchez Viamonte - Centro Cultural y Bibliote
ca Popular - del cual se ha tomado este texto


Newton Mendonça (El compositor en las sombras)

El de Newton Mendonça es otro ejemplo de personalidades de la Bossa que fueron insólitamente obviadas en las historias del movimiento. Dice Ruy Castro que el mayor misterio de la Bossa Nova se llama Newton Mendonça.
Cuando murió, a los 33 años el 11 de noviembre de 1960, muchos de los propios integrantes del movimiento advirtieron lo poco
que lo conocían. Para la mayoría del público era apenas un nombre asociado al de Tom Jobim en canciones que figuraban en discos de Joao Gilberto o Silvinha Telles.
Su fallecimiento mereció apenas una columna en páginas interiores de algunos diarios. Su historia musical comenzó (como la de Jobim) en los locales nocturnos de Río como pianista. Como compositor, su primer tema relevante, Foi a noite parceria con Tom, resultó un éxito en la voz de Sylvinha Telles.
Después del 58, siguieron piezas esenciales para el movimiento: Desafinado,Samba de una nota só, y Discussao, todas con Jobim.
El método de tra
bajo de ambos era, por lo general, elaborar en forma conjunta tanto la música como la letra: eran un pequeño equipo.
Muchos pensaron en ese momento (y también después) que Mendonça sólo aportaba las letras, lo cual es inexacto.
Es probable que su carácter (introvertido, de permanente bajo perfil) haya incidido negativamente.

La vida bohemia de Newton (trabajo nocturno, alcohol, cuatro paquetes de cigarrillos diarios) lo llevaron a una temprana muerte como consecuencia de un ataque cardíaco.


Páginas de Interés

- Biografía de Antonio Carlos Jobim

- Tablatura de "Samba de uma sola nota só"









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Händel - Water Music



Händel

Water Music


Parte de una recreación del concierto hecho por la BBC
y cargado por : johnt_gr - Dailymotion




En relación al magno acontecimiento el día 17 de abril de 1717, El Daily Courant, informó:

A las 8 el Rey subió a la barcaza en Whitehall y ascendió el rio Támesis hacia Chelsea. Como también muchas otras barcazas con sus nobles amigos que asistieron a tal evento., había tal cantidad de barcos que de alguna forma el rio pareció cubierto por ellos.

Una compañía de la ciudad fue contratada para la orquesta, que tenía instrumentos de todo tipo, los que tocarían durante todo el trayecto; desde Lambeth, ofreciendo las mejores sinfonías compuestas especialmente para esta ocasión por el Sr. Händel, y que su majestad disfrutó muchísimo; hecho que causó la interpretación de esa hermosa música mas de tres veces de ida y vuelta.

A las once su majestad bajó a tierra, donde fue preparada una cena y luego hubo otra presentación que duró hasta las dos, después de lo cual su majestad volvió a la barcaza escuchando a “Musick”, quienes siguieron tocando hasta que llegó a tierra nuevamente.



Water Music es una colección de movimientos orquestales., usualmente se consideran tres Suites compuestas por Händel.

Esta se estrenó el 17 de julio de 1717, ante el Rey Jorge I quién había pedido un concierto en el rio Támesis. El concierto fue presentado por 50 musicos quienes tocaban cerca de la barcaza real, lugar donde el Rey escuchaba junto a sus amigos íntimos como: la Duquesa de Bolton, la Duquesa de Newcastle, la Condesa de Codolphin, Madam Kirmandola y el Conde de Orkney.

Jorge I dijo haber disfrutado tanto las Suites que les pidió a los exhaustos músicos que tocaran tres veces en el transcurso del paseo.

La instrumentación depende del movimiento, pero los instrumentos requeridos para la presentación son: 2 cornos, 2 trompetas, cuerdas y continuo. Esta instrumentación es apropiada para una presentación al aire libre.

Water music abre con una obertura francesa, e incluye Minuets, bourrées y hornpipes (danzas).


Está dividida en tres partes:
  • Suite en Fa Mayor (HWV 348
  • Suite en Re Mayor (HWV 349)
  • Suite en Sol Mayor (HWV 350)



Suite en fa Mayor (HWV 348)

1.- Ouverture (Largo-Allegro)
2.- Adagio e staccato
3.- Allegrpo – Andante – Allegro da capo
4.- Minuet
5. - Air
6. - Minuet
7. - Bourreé
8. - Hornpipe
9. - Allegro (no actual tempo marking)
10.-Allegro (variant)
11. - Allegro hornpipe (variant)




Suite en Re Mayor (HWV 349)

1. - Ouverture (Allegro)
2. - Alla Hornpipe
3. - Minuet
4. - Lentement
5. - Bourreé


Suite en Sol Mayor (HWV 350)

1.- Allegro
2.- Rigaudon
3.- Allegro
4.- Minuet
5.- Allegro


Hay evidencia de una disposición diferente - en el orden encontrado en la edición de las obras completas de Friedrich Chrysander - , donde las suites en Re Mayor y Sol Mayor tienen sus movimientos mezclados.

Esta secuencia proviene de la primera edición de las partituras completas, de Samuel Arnold, copias manuscritas en 1788 de Händel.

La edición de Chrysander, ya incluye una versión de los dos primeros movimientos de HWV 349 en llave de Fa Mayor compuesta en 1715, partitura originalmente para dos cornos, dos oboes, fagot, cuerdas y continuo, sumando a las fanfarrias de los cornos las respuestas de la orquesta.

La versión original contiene un elaborado concierto para la primera parte del violín, descartada en la versión posterior.

La música en cada una de las suites, hoy, no tienen ningún orden establecido.

La leyenda dice que Händel compuso Water Music para recuperar el favor del Rey Jorge I. Händel habia sido empleado por el que sería el Rey Jorge I, antes de acceder al trono Británico, cuando solo era Elector de Hanover. El compositor cayó en desgracia por trasladarse a Londres a la corte de la Reina Ana.

Esta historia fue relatada por el primer biógrafo de Händel: John Mainwaring. Aunque de hecho puede tener algún fundamento la historia contada por Mainwaring, ha sido puesta en duda por algunos estudiosos de Händel.

Otro mito ha sido que el Elector de Hanover aprobó el traslado de Händel, sabiendo que solo sería temporal. Porque ambos estaban concientes que, de Elector de Hanover podría ascender eventualmente al trono Británico después de la muerte de la Reina Ana.

Sean ciertos la leyenda o mito entorno a esta magnífica obra como también lo es "Music for the Royal Fireworks" , que son usualmente presentados y grabados juntos, muestran en todo su explendor el genio musical de Georg Friederick Händel.


Agradecimientos a : Canal de bishfan - youtube




Páginas de interés:

- Biografía de Händel

- Acerca de la fecha de la composición y estilo
- Bajar CD "Water Music"




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Info:
  • Wikipedia.org
  • Icsproductions.net
  • classicalnotes.net

Sinfonía N°1. op.21 - Beethoven





BEETHOVEN



BEETHOVEN SINFONÍA N° 1 en Do Mayor opus 21

La sinfonía N° 1 en do mayor op 21 de Ludwig van Beethoven fue compuesta en Viena, entre los años 1799-1800 y dedicada al Barón Gottfried van Swieten.

Escrita para orquesta de cuerdas; 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagots, 2 trompas y percusión.

Se estrenó el 2 de abril de 1800 en Viena en el Burgtheater. La obra fue criticada por su innovador contenido: como por ejemplo, La obertura no comenzaba con la tonalidad principal y nuevas modulaciones, como el tercer movimiento (falsamente llamado minuetto que es demasiado rápido. Pero a pesar que tiene una estructura clásica se le atribuyen demasiadas similitudes con la sinfonía Júpiter de mozart o también con otras sinfonías de Hayden.

Hay que decir que Hayden había sido maestro de Beethoven así como su principal influencia.

Los años próximos a 1800 estuvieron marcados por la lucha que Beethoven sostuvo para superar esta influencia y establecer su propio estilo.


La obra consta de 4 movimientos

  • Adagio molto. Allegro con brio
  • Andante cantabile con moto
  • Minuetto – Allegro molto e vivace
  • Finale –Adagio, allegro molto e vivace

1er Mov.
Adagio-Allegro con brío

El primer movimiento, se inicia con una introducción lento —adagio, cuya inesperada particularidad es comen­zar con un amplio acorde disonante y no prorrumpirá realmente hasta la exposi­ción del tema principal del Allegro. El primer tema es imperioso y de factura rítmica. Lo dan los violines en su registro grave con un martilleo un poco áspero, al que sigue inmediatamente un segundo tema melódico de una elegancia casi mozartiana, el oboe y la flauta se responden en imitación. Este segundo tema variará y con­ducirá a un fortissimo y a una modulación en menor para finalmente repetir da capo, concluyendo la exposición con el primer tema.

El desarrollo es bastante largo. En él destacan, entre ciertas audacias de escritura, las sombras y medias tintas introducidas por grandes acordes de los violines y el diálogo incesante de los grupos instrumentales sobre motivos rítmicos o melódicos nacidos de los temas anteriores. Son elementos del tema inicial los que se repetirán hasta el fin sobre una serie de acordes fortissimo.





2do Mov.

Andante cantabile con moto

El segundo movimiento; El tiene forma de sonata sobre el modelo haydiano, también con dos temas. Esencialmente lírico, evo­luciona de una serenidad casi objetiva —primer tema en los segundos violines re­tomado en una imitación canónica por las violas y los violoncelos y después por los fagotes y los contrabajos— hacia una especie de gracia afectada y después hacia una efusión cuya expresión se convierte en pulsional. Los timbales —pianissimo—, dan un pedal rítmico sobre el que or­namentan en tresillos las flautas y los primeros violines. La pri­mera parte termina con esos timbales, de los que decía Berlioz que eran «el pre­ludio de los efectos conmovedores que Beethoven produjo más tarde con ayuda de este instrumento, poco o mal empleado por sus predecesores». Repetición da capo y después desarrollo con el ritmo de los timbales sos­tenido en fortissimo por la cuerda y los fagotes. Vuelta a los timbales en pianissimo, y, después, del tema inicial, que llevará a la conclusión.


3er Mov.
Menuetto, allegro molto e vivace
El tercer movimiento, seguramen­te es el más original. Es verdad que Beethoven lo ha llamado minueto si­guiendo la más pura tradición de la escuela de Mannheim, pero ahí existe ya un verdadero scherzo beethoveniano reemplazando al antiguo minueto de Haydn o Mozart, en un tiempo más vivo, además. El tema de partida, con su ritmo lleno de impaciencia, su progresión dinámica, su poderosa concentración, merece citarse: Allegro molto e vivace, modulación inmediata a Si bemol menor que llevará a la repetición del tema del Menuetto. Trío central sobre bellos acordes de los instrumentos de madera, repi­tiendo el Do mayor, con rasgos rápidos en los violines (ejemplo ya característico de crescendo por la añadidura de sucesivos instrumentos). Repetición del Menuetto que lleva a la conclusión.







4to Mov.
Finale adagio alegro molto e vivace


El cuarto movimiento ;El Finale está marcado como Adagio-allegro molto e vivace. Aquí es la entrada breve del Adagio la que manifiesta cierta originalidad. Se trata de una escala de Do, repetida cinco veces antes de terminar, ganando cada vez un grado; serie de «falsas salidas» de un efecto muy notable. Finalmente, salta el primer tema del Allegro en notas picadas y repetidas, como si estuviera feliz de tener la libertad difícilmente conquistada. El segundo tema, en Sol mayor, es cantado por los bajos antes de llegar a un diálogo sincopado entre las maderas de una parte y los metales de otra. Desarrollo fundado en el primer tema, fragmentado; finalmente, en un pia­no súbito, la reexposición repite casi sin cambio los compases de obertura y acaba con una coda de las trompas y los clarinetes en fanfarria, seguido de réplicas, de la cuerda y las maderas alternando, en fortissimo. Un movi­miento corto que, en resumen, sólo mira la forma de concluir brillantemente, sin desmerecer del espíritu de sencillez franca y luminosa que anima toda la obra.





Texto publicado en: "Audición y apreciación musical" 08/sep/2007


 Sinfonía Completa

Agradecimientos a Canal de : Classical Vault 2 - youtube







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Speak no evil - Wayne Shorter






SPEAK NO EVIL

WAYNE SHORTER




Speak no evil


"Speak no evil", fue uno de los tantos álbumes que shorter grabó para la - Blue Note Records - el 24 de diciembre 1964, y lanzado por la misma Blue Note en 1965; pero hay un detalle a destacar respecto al lanzamiento., porque al mismo tiempo Shorter formaba parte activa tocando el saxo en la Banda de Miles Davis, sacó a la luz su "Speak no evil", por eso es poco probable que "Speak no Evil" haya recibido una atención especial justo en ese momento siempre esperado ansiosamente por los compositores.

Mas, con el paso del tiempo el álbum se fue consolidando como el mejor del afamado músico -saxofonista - y compositor Wayne Shorter; así como también formó parte importante de los destacados del catálogo del Blue Note.

"Speak no evil", es considerado por muchos críticos como el mejor álbum de Shorter y uno de los clásicos dentro del género hard bop (o post-bop, si se quiere).

Este album fue grabado por Wayne Shorter con la intervención de los siguientes músicos : Freddie Hubbard a la trompeta; Herbie Hancock al piano; Ron Carter al bajo y Edwin Jones a la batería.

La portada del disco muestra a Teruka(Irene)Nakagami, La primera mujer de Shorter a quien conoció en 1961 y con quién tuvo una niña llamada Miyako.


Los temas del disco son:

  1. Witch Hunt
  2. Fee-Fi-Fo-Fum
  3. Dance Cadaverous
  4. Speak no Evil
  5. Infant Eyes
  6. Wild Flower
  7. Dance Cadaverous (alternative take)


Este último track no aparece en el LP original


En cuanto a los tracks, hay un análisis de algunos de ellos recogido de la fuente wikipedia.

1.-“Witch Hunt”; la melodía perfecta en su mayoría de tres cuartos que determinan las cuerdas Quartal, la armonía quartal empezará a ganar popularidad en los circulos del jazz “post bop” , bajo la particular influencia del pianista McCoy Tyner.

3.-“Dance cadaverous” el vals Dance cadaverous fue inspirado de acuerdo a lo que decía Shorter; de una vieja fotografía de estudiantes de medicina a punto de empezar a trabajar en un cuerpo; en lo musical que contiene reminiscencias melódicas del "Vals triste" de Jean. Sibelius.





5.-“Infant Eyes” es una balada escrita para su hija Miyako. Shorter decía acerca de esa balada : “Infant Eyes” fue escrita cuando era una bebe de seis meses. En lo técnico, tiene repeticiones a ciertos niveles: una repetición, una secuencia y muchos pasos arriba, otra repetición de la melodía, y otra de la misma forma





6.-“Wild Flower” Es una pieza estándar de Jazz en tiempo de Vals. La composición es notable como uno de los pocos valores del jazz. Su melodía alegre; como también melancólica, evoca los principios de Coltrane- especialmente en el desarrollo de una linea melódica única sobre un cambio de la base armónica (vis,”Moments Notice” on Blue Train).
El tiempo suspendido se apoya en los extremos de cada frase melódica.

Algunas otras notables características de estas composiciones son la fanfarria del cuerno heráldico que abre “With Hunt” , y la alegria del tema del vals .
Generalmente, el material representa un regreso a cambios basados en el hard bop, después de un periodo predominantemente de música modal (ejemplo. En JuJu).pero el tono de esta música es adecuada para la frecuencia del tema macabro, un lugar oscuro y misterioso.


Todos los temas de este álbum, fueron compuestos por Shorter, quien nos da clara muestra de su capacidad para componer con la exquisita belleza de "Infant eyes" o "Speak no evil", sin menospreciar los otros tracks, tan hermosos como estos.


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- Bajar "Speak No Evil" (fuente http://rappamelo.com)





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Water Babies - Miles Davis



M
ILES DAVIS
Water Babies



No es un album que se destaque entre las mejores obras de Miles Davis, pero si es conocido porque tuvo un nacimiento algo fortuito. Armado por su sello discográfico la “Columbia records” a partir de cuatro temas de Wayne Shorter y dos de Davis.
Autor: Yuriy Shevchuck
Transcurre el año 1976 y Miles se retira de la música después de años de continuas giras y de evidentes excesos. En este momento su sello decide armar un disco con temas que habían quedado fuera de otros discos. Y , esto fue posible debido a la gran cantidad de material inédito que la discográfica tenía en su poder.

A este disco le llamó “Water babies” y estaba compuesto por cuatro temas de Wayne Shorter y dos de Miles Davis. Los tres primeros temas pertenecen a una sesión efectuada en junio de 1967 y los músicos que acompañaron a Miles Davis fueron: Wayne Shorter, al saxo tenor y soprano Herbie Hancok, al piano Ron Carter al bajo y Tony Williams a la batería.
En la primera parte de este album tenemos al quinteto del año 1967, con Wayne Shorter, Herbie Hancok, Ron Carter y Tony Williams) interpretendo tres breves y desconocidas composiciones de Shorter.

En los temas cuya duración es bastante mayor, encontramos a Davis en el año 1968 liderando el mismo grupo aunque con los cambios de Chich Corea por Hancok en el piano y Dave Holland por Carter en el bajo, interpretendo temas de una fusión temprana que nos muestra algo de lo que sería su “Bitches Brew”.
Si bien es cierto no es un disco esencial de la extensa discografía, éste en particular , nos permite llenar algunas lagunas en la transición del jazz acústico al eléctrico que experimentó este genial músico.




DISCO
Miles Davis: Trompeta
Wayne Shorter: saxo tenor
Herbie Hancok: piano, piano electric
Dave Holland: bajo
Ron Carter: bajo
Tony Williams: Batería

PISTAS
1 Water Babies
2 Capricorn
3 Sweet Pea
4 Two Faced
5 Dual. Mr. Anthony Tillman Williams Process6 Splash (bonus track)

Water Babies




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El triunfo del tiempo y del desengaño - Händel



Il trionfo del tempo e del disinganno

Lo mas conocido de Händel es seguramente su magnífica obra “El Mesias”, sin embargo este grandioso maestro del barroco produjo una cantidad increible de obras; sobre 600, divididas en dos: La música vocal (dramática, oratorios, profana y religiosa) y la música instrumental (orquestal, de cámara y para clave) componiendo hábilmente para todos los géneros musicales vigentes de la época.


Dentro de ellos se cuenta su primer oratorio “Il trionfo del tempo e del disinganno” en el año 1707.

Parece una ópera pero no lo es, la sucesión entre recitativos y arias de capo, junto a la extraordinaria calidad dramática de la música de Händel permite que la obra se pueda desarrollar perfectamente sobre un escenario.


Un poco de Historia sobre la obra

Estaba el joven Händel en viaje por la ciudad eterna de Roma en 1707, durante su estadía allí, logró captar la atención y conseguir el reconocimiento de la clase dominante de la ciudad como un gran compositor y excepcional interprete del clave y del órgano, consecuentemente obtiene la protección de los Cardenales Ottoboni y Pamphili y la del marqués Ruspoli; todos ellos célebres mecenas de la música., pero a la vez entabla amistad con dos grandes compositores: Alessandro Scarlatti y Arcangelo Corelli, cuya influencia sobre sus creaciones será determinante.


Encontrándose en esta aventajada situación, el cardenal Pomphili le ofrece un texto para que le ponga música; se trataba de “El triunfo del tiempo y del desengaño”. Hay que decir que La inspiración del libreto el Cardenal Benedetto Pomphili la tomaría de los últimos dos poemas de los seis del Petrarca titulado “I trionfi”.


Pomphili le hace la salvedad a Händel que no puede ser una ópera, pues éstas estaban prohibidas desde principios del siglo XVIII por el papa Clemente XI, quién censuró la ópera en Roma, aunque para ser mas preciso, esta censura ya se remontaba a tiempos de Inocencio XII por considerarla inmoral.




El texto en verdad, es una auténtica alegoría moral sobre la brevedad de la belleza y los placeres mundanos en la que disputan 4 personajes: La belleza (juventud), el placer, el tiempo y el desengaño.


La acción se sitúa dentro de un bullicioso restaurant y/o café contemporáneo y representa una extensa discusión entre estos cuatro personajes alegóricos que enfrenta el disfrute a la virtud.


El personaje central de la misma es la belleza, que encontramos al principio al lado de Placer, aunque la influencia piadosa del tiempo y desengaño lo conducirán a la verdad, es decir a Dios, a través de una elaborada transformación del lujo a la penitencia.


La obra sorprende por el profundo dominio del estilo dieciochesco italiano de un compositor alemán con personalidad propia y de tan solo 20 años.

Hay que indicar que esta obra tuvo dos versiones del mismo Händel. La primera "Il trionfo del tempo e del disinganno"; consistió en dos secciones y fue compuesta en la primavera de 1707 y estrenada en el verano, en Roma., catalogada como HWV 46a, (según el catálogo de la obras de Händel).


La segunda ocurriría en marzo de 1737. Estando ya ciego, y habiendo revisado, aumentado y corregido “Il trionfo del tempo e del disinganno” dictó a su discípulo John Christopher Smith, una nueva versión que tituló: “El triunfo del tiempo y la verdad”, concluyendo en 3 partes que fue estrenada el 23 de marzo de 1737; posteriormente catalogada como HWV 46b.

En la obra hay un aria bastante conocida porque se destaca por su belleza, es el aria “Lacscia la spina”, que fue adaptada de una zarabanda instrumental ya existente en su ópera “Almira”, mas tarde se convertiría en una de las arias mas famosas de Händel: “ Lascia ch’ io pianga” de la ópera “Rinaldo” en el año 1711.

Esta obra particularmente no es muy difundida, sin embargo es una de las mas hermosas de su repertorio además tiene un significado muy especial para todos los que gustamos de Händel, pues fue su primer oratorio y el último.

ARGUMENTO DE LA OBRA
En esta obra, inspirada en el solemne juicio que el Tiempo y la Verdad tienen sobre cada uno de los mortales, placeres y vicios quedan reducidos a su vacía esencia a través de un Tiempo que afecta físicamente al cuerpo humano, y de una Verdad que siempre sale a flote, revelando a cada mortal, la absurda ilusión que el vicio y el placer le proporciona en su época más jovial y floreciente.
Como implacables jueces, el Tiempo y la Verdad (transformada en un Desengaño que va apoderándose de la mente) dictaminan la dura sentencia inmisericorde a ese hombre que desperdició su vida y su juventud en vicios, excesos y placeres.
La tentación propia de la Belleza, el hipnotismo de los Placeres (siempre sonriéndonos e invitándonos a entrar en su mundo de sueños y sensaciones carnales hechas realidad), convierten a “El Triunfo del Tiempo y del Desengaño” en una obra musical sobre la moral y la ética en donde el hombre acaba condenado por sus actos. Y es que nada es más barroco que el culto y la entrega a los placeres, y la posterior decadencia física y psíquica cuando el envejecimiento se hace presente conquistando el cuerpo humano.
En ese contraste de blancos y negros, donde el gris es difícilmente comprendido, Haendel compone un oratorio que nos lleva a pensar sobre el sentido de nuestra existencia.


De: Lux_Atman - Artículo N° 539


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- Le triomphe du temps et de la verité VER OBRA COMPLETA 2 hrs.41 min
- Biografia Händel
- Obra de Händel
- Libreto "The triumph of time an truth" (versión 3 partes-inglés)
- Partitura








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