Schoof y Brüninghaus, Jazz contemporáneo alemán. "Shadows & Smiles.




Shadows  &  Smiles
 Rainer Brüninghaus y Manfred Schoof




Se trata de un disco grabado entre octubre 1987 y mayo de1988, en Tonstudio Cornet, Cologne.

Esta obra “Shadows & Smiles” se puede clasificar dentro del jazz contemporáneo

Agradecimientos a Canal de: Cosmic Pickle - youtube



Tracks:

1.- Smiles : (Brüninghaus)
2.- Shadows : (Schoof)
3.- Sequence : (Brüninghaus)
4.- Fire Side : (Brüninghaus)
5.- Ingredience of the blues : ( Schoof)
6.- Suggestion : (Schoof)

.

Biografía de Brüninghaus

Rainer Brüninghaus fue educado en piano clásico, tocando desde la edad de 9 años, fundó su primer trío de jazz cuando tenía 16 años.
De 1968 a 1972 estudió sociología en la universidad de Colonia
1970 fundó el grupo experimental de jazz rock “Eiliff” que grabó dos discos y un single.
De 1971 a 1975 estudió música.
De 1073 a 1975 fue invitado frecuente en el conjunto de jazz de Hessian Broadcasting Corporation, así como en la Big Band.
En 1975 formó la banda “Colors” con el bajista Eberhard Weber y Charlie Mariano.
En 1976. Bruninghaus tocó por primera vez un concierto de piano solo, en el festival de los días de jazz de Heidelberg.
 A partir de 1977 tocó en conciertos de dúo con Manfred Schoof y en su quinteto y Big Band.
En 1978 en el festival de Jazz alemán de Frankfurt realizó una serie de piezas de 50 minutos de duración que compuso como una obra encargada para el festival.
El crítico de jazz Joachim-Ernst Berendt, escribió después, que consideraba a Brüninghaus como uno de los tres pianistas alemanes más importantes del jazz.
En la década de 1980, Brüninghaus trabajó principalmente como líder de una banda, esforzándose en sus propios proyectos, por ejemplo Freigeweht con Kenny Wheeler y Jon Christensen (ECM).
En 1981 fundó su propio trío en el que Markus Stockhausen y Fredy Struder tocaron hasta finales de  1984.
Este grupo realizó giras por todo el mundo, a menudo por el instituto Goethe. John Abercrombie y Trilok Gurtu se unieron a la banda en 1985, y para algunas actuaciones, Charlie Mariano, Hugo Read y Jo Thönes tocaron en la banda.
En 1988 comenzó una larga asociación con Jan Garbarek. También ha trabajado con Carla Bley, Bob Brookmeyer, Gary Burton, Bobby McFerrin, y otros. Brüninghaus ha escrito música para orquesta sinfónica, Big Band, pequeños conjuntos y piano solo, así como para cine y televisión.
De 1984 a 1992. Enseñó piano en la Universidad de Colonia (Musikhochschule)
En 1993 se unió a la banda del guitarrista de jazz alemán  Volker Kriegel.
Desde 2011 ha publicado ensayos sobre teoría musical y fue miembro asesor artístico de la Unión de músicos de jazz de Alemania (unión Deutscher jazzmusiker) ha tocado frecuentemente en conciertos de piano de cola.

Crítica:
El músico que se hizo conocido en el campo de la fusión con el jazz, favorece la acorde sutil de acordes y los cambios melódicos que varían ampliamente, pero sin descuidar el flujo rítmico. En el jazz, Brüninghaus es el exponente más imaginativo del arte minimalista, y conecta en sus improvisaciones y composiciones patrones minimalistas repetitivos, con un fraseo del jazz que recuerda a Bill Evans.

Fuente: Wikipedia


Biografía de Schoof

Manfred Schoff, es un trompetista, pianista y compositor alemán, nacido en Magdeburgo el 6 de abril de 1936
Comienza sus estudios musicales en Kassel y Colonia, a la vez que forma parte de diversos grupos de jazz estudiantil, en los que coincidió con Alexander Schlippenbach y forma su propio quinteto de free jazz. Forma parte  a partir de 1966 de la Globe Unity orchestra y, en 1968, de la Kenny Clarke-France Boland Big Band, donde permanece hasta 1972.
En ese mismo período escribe un concierto para trompeta que estrena con George Russel (1969), y compone varias obras para la  Globe Unity Orchestra (1970). Toca también junto a Albert Mangelsdorff y Mal Waldron. Después de varios grupos, entre ellos uno especialmente formado para una gira por Asia, monta su propia banda, la manfred Schoof Orchestra (1980)

Fuente: Wikipedia


Comentario de: 
Schott

“La calma y la libertad son los bienes más grandes”
Al famoso músico de Jazz Manfred Schoof (trompeta) y Rainer Bruninghaus (piano y teclados) les gusta interactuar con Beethoven. La música de este CD podría describirse como dibujos en colores pastel con líneas poligonales extrañas y disonantes, cuya corriente de sonido pulsante parece reflejar la tranquila belleza de paisajes vírgenes al anochecer.


Página de Interés

Página de Rainer Brüninghaus


Gary Peacock trío - "Now This"





NOW THIS
Gary Peacock trio


Gary Peacock - Joey Baron - Marc Copland

Es un álbum del jazzista norteamericano Gary Peacock. Grabado en el 2014 y lanzado por el sello ECM. en un formato de CD, álbum; en mayo de 2015. con el estilo propio del Jazz contemporáneo.


Agradecimientos a Canal de: Gary Peacock Trio : Tema - youtube

El trío está compuesto por Gary Peacock al bajo, Joey Baron a la batería y Marc Copland al piano.
El productor es Manfred Eicher destacado conocedor de músicos y grupos que han resultado en excelentes álbumes, 
El diseño es de Sascha Kleis, el ingeniero jan Erick Kongshaug y la fotografía de Elliot Peacock.

PISTAS

1. Gaia Gary Peacock
2. Shadows : Gary Peacock                    (Link)
3. This : Gary Peacock
4. And now : Marc Copland                   (Link) 
5. Esprit De Muse : Joey Baron
6. Moor : Gary Peacock                            (Link)
7. Noh Blues : Marc Copland
8. Christa : Gary Peacock                         (Link)
9. Vignette : Gary Peacock
10. Gloria’s step : Scott Lafaro
11. Requiem : Gary Peacock


COMENTARIO 
de Karl Akermann - All about jazz.

“Gaia” y “Shadows” son las primeras piezas de Now This, que son meditabundas y sin apuro, pero son seguidas por “This”, donde un poco más de disonancia es impulsada por la refinada pero enérgica ejecución de Baron. 
Coplan proyecta esa particularidad de vanguardia mientras guía al trío a través de “And Now”, “Esprit de muse” y “Moor”, los dos últimos son más rápidos y más complejos. 
La fascinante composición de Copland, “Noh Blues”, solo insinúa el blues a la vez que proporciona un fondo perfecto para solos e interesantes intercambios de grupos. 
A lo largo de las piezas, Peacock explora toda la gama de bajos. que empuja y arrastra la música con él a través de inesperados giros.
No se puede encontrar una sola nota desaprovechada en Now This, donde las composiciones, algunas reelaboradas, otras nuevas, sugieren fuertemente un asombroso aire. 
Peacock, Copland y Baron desarrollan las piezas bajo esa luz de manera experta, de modo que, a pesar de la consideración primordial, nunca es seguro en qué dirección se estan moviendo en este particular viaje. 
Now This es una colección que invita a la reflexión, interpretada por artistas brillantes.



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Cantata BWV 66 - BACH




J.S.BACH 

BWV 66

Erfreut euch, ihr Herzen



Esta es una Cantata compuesta  para el 2do día de Pascua (de resurrección) basada en la cantata profana “ Der himmel dacht auf Anhalts ruhm und Glück” (El cielo piensa en la forma y fortuna de Anhalt) cuya clasificación es BWV 66ª, compuesta por J.S. Bach en 1718 para celebrar el cumpleaños del príncipe leopold de Anhalt-Cothen.

Stephen  B. Whatley
La obra, BWV 66, está escrita para tres voces solistas: Alto, Tenor y Bajo, además un coro a cuatro voces, trompeta dos oboes, dos violines, viola, bajo continuo y un fagot.

En cuanto al texto, por ser destinada a un día específico, en este caso segundo día  después de Pascua, la lectura correspondía  a los “Hechos de los apóstoles”, el sermón de Pedro  (Hechos 10:34-43), y del evangelio según San Lucas ; En el camino a Emaús ; (Lucas 24:13-35).

El desconocido autor del texto se encontró frente a un problema, puesto que esta parodia “parodia musical”  se escribió como un dialogo entre tenor y alto, sin embargo  resolvió esto manteniendo el dialogo en tres movimientos., en la sección central del coro inicial y los dos dúos, asignando a las voces  los roles de la esperanza “Zuversicht”, más tarde “Hoffnung”) y al tenor (Schwachheit”, más tarde “Furcht”).

El texto nos muestra tres diferentes reacciones a la noticia de la resurrección de Jesús, que podría atribuirse tanto a los dos discípulos discutiendo los acontecimientos en su paseo, como al oyente de la cantata.


En cuanto a su estructura:

Consta de seis movimientos:

1.- Coro (alto,tenor): Erfreut euch, ihr Herzen
2.- Recitativo (bajo):  Es bricht das Grab und damit unsre Not
3.- Aria (bajo): Lasset dem Höchsten ein Danklied erschallen
4.- Recitativo dúo (alto, tenor): Bei Jesu Leben freudig sein
5.- Aria (alto, tenor): Ich furchte zwar/nicht des Grabes Firsternissen
6.- Coral: Alleluja


Agradecimientos a Canal de: protestant7 - youtube



El exuberante primer movimiento se derivó del movimiento final de una cantata secular. Se abre con una introducción orquestal de 24 compases, representando la alegría virtual.

En primer lugar la voz del alto grita: “Erfreut, ihr Herzen” (regocijaos, corazones), el tenor continúa “Entweichet, ihr Schmerzen” (huid, penas), y todas las voces proclaman en homofonía: “Es lebet der Heiland und herschet in euch” (el salvador vive y reina sobre vosotros).

La sección central se le asigna en su mayor parte al alto y tenor, que ilustran la lamentación y el temor de una dolorosa serie de conmovedores pasajes descendentes y suspensiones cromáticos, aunque el texto habla de ahuyentar estos estados de ánimo: Ihr könnet verjagen das Trauren, das Fürchten, das ängstliche Zagen” (ahora podéis ahuyentar las penas, los temores, la trémula angustia). 
El continuo toca “trémulas” notas repetidas, una “pulsación”  como Bach utilizó más tarde en el recitativo de tenor en su  “pasión según San Mateo, BWV 244,  “O Schmerz! Hier zittert das gequälte Herz” (¡Oh dolor! Aquí se estremece el corazón atormentado).

Finalmente entra el coro, una voz tras otra construyendo el acorde, añadiendo apaciblemente palabras de consuelo: “Der Heiland erquicket sein geistliches Reich” (el salvador restaura su reino sobre las almas). Los instrumentos lanzan motivos de la introducción,  que conduce a la recapitulación de la primera sección. 

El movimiento ha sido denominado  uno de los más largos y estimulantes de la producción temprana de Bach”.

Tras un breve recitativo el bajo continúa con una petición general para agradecer a Dios en el canto, en un aria en un movimiento danzable. La sección intermedia yuxtapone una larga nota durante más de seis compases en la palabra “Frieden” (paz) y coloraturas en “leben” (vida).

El cuarto movimiento se inicia con el tenor (esperanza),  que también quiere cantar la victoria y el agradecimiento (“ein Sieg- und Dankleid”). Comienza con “Mein Auge sieht den Heiland auferweckt” (mis ojos ven elevarse al salvador), con un amplio melisma se muestra el nuevo despertar. Pero ya después de un compás la voz de alto (temor) imita la frase en las palabras “ Kein Auge sieht…” (ningún ojo ve…). 
Después de cantar juntos prolongadamente, los dos puntos de vista diferentes son presentados en un debate, denominado “un discurso lineal, como una conversación convencional”, concluida por el alto tratando de creer: “Ich glaube, aber hilf mir Schwachen” (creo en ti, pero ayúdame, débil de mi).

En el siguiente dúo las voces homofónicas en la mayor parte del tiempo, aunque con pequeñas diferencias rítmicas, que muestran su actitud diferente ante la oscuridad de la tumba (“des Grabes Finsternissen). 
El alto afirma “ich furchte zwar” (sin duda temo) en notas largas constantes, mientras que el tenor dice en figuración ornamentada “ich furchte nicht (ya no temo). 
En la continuación también se separan únicamente en una palabra “Klagete” (siento pavor)  el alto y “hoffete” (tengo la esperanza)  el tenor.

El fluir del compás de 12/8 del dúo y un violín solista virtuosísimo son una reminiscencia  del propósito original de la música de la cantata congratulatoria (BWV 66a). 
Es más apropiado para la sección central de la forma da capo, cuando ambas voces coinciden: “Nun ist mein Herze voller Trost” (ahora mi corazón esta plenamente consolado).
La cantata se cierra con la segunda parte del himno “Christ ist erstanden”, empezando con un triple Aleluya. Procede del siglo XII de la secuencia de Pascua Victimae paschali laudes, originalmente codificada por wipo de Borgoña hacia 1040. 

Fuente: Wikipedia




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Lyle Mays un refinado tecladista y compositor de Jazz





Lyle Mays

Lyle Mays (el álbum)

Lyle Mays, es actualmente uno de los mejores y más destacados tecladistas y compositores en la escena del jazz.

Su primer disco como titular del álbum demuestra ya lo prolijo de sus composiciones, imprimiéndoles un carácter muy propio que nos hace recordar en algún momento que es el compositor de los temas en el grupo de Pat Metheny, no obstante  ello, consigue diferenciar y terminar cada tema  con un exquisito refinamiento que  se percibe claramente.

En definitiva, solo basta escucharlo para darse cuenta de su valor como compositor y avezado ejecutante que merece ampliamente el lugar de privilegio que tiene.


Nacido el 27 de noviembre de 1953,  pianista y compositor norteamericano, de Wausaukee, Wisconsin. El,  es más conocido por su trabajo con el guitarrista Pat metheny, como miembro del pat metheny group.
Con metheny, Mays ha compuesto y arreglado casi toda la música del grupo, y además ha ganado 11 premios Grammy.



2. Teiko
Agradecimientos a canal de: Boropolis - youtube



Lyle Mays  (álbum del mismo nombre)

Lado 1

1.  Highland aire    - (link)
2.  Teiko   
3.  Slink    - (link)



4.  Alaskan Suite: Ascent
Agradecimientos a canal de: trobert700 - youtube


Lado 2

1.  Miror of the heart    - (Link)
2.  Alaskan Suite: Northern Lights    - (Link)
3.  Alaskan Suite: Invocation    - (Link)
4.  Alaskan Suite: Ascent    
5.  Close to home    - (Link)



Músicos:

- Lyle Mays - piano, sintetizador, Autoharp
- Marc Johnson - bajo
- Alex Acuña - bateria
- Bill Frisell - guitarra
- Nana Vasconcelos - percusion
- Billy Drewes - saxo: alto y soprano


Comentario de:
Richard S Ginell - AllMusic

Lyle Mays esperó mucho, mucho tiempo antes de alejarse del grupo de Pat Metheny para publicar su primer álbum en solitario; pero, cuando lo hizo, el resultado reflejó que no estaba ligado totalmente al sonido y al sentimiento de Metheny. Por otro lado, los solos y las texturas del sintetizador de Mays están más cerca del sonido del que estaba haciendo en el grupo de Metheny, pero las vueltas de las frases en sus solos  de piano acústico, reflejan la sombra de Keith Jarrett…Aunque en el minuto 14 la suite Alaskan, forma la pieza central del lado 2 del LP,el lado completo podría considerarse toda, como una suite, con un solo meditativo del piano “Miror of the heart” precediendo a “Alaskan suite” y “Close to home” repitiendo el centelleo y un continuo sonido murmurante del sintetizador en la apertura de “Alaskan suite”.



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- Biografía




La pasión según María, oratorio contemporáneo en arameo de Moultaka.





La Passion selon Marie
Oratorio siríaco contemporáneo


De: Zad Moultaka




Canción íntima

Al pie de la cruz se encontraba la muy pura Virgen
quien mirando al Salvador colgando en el madero;
ella contempló las huellas de los golpes, las uñas,
las marcas de las varillas y el látigo, lo escuchaba gemir,
y, en un profundo sollozo,
ella clama su dolorosa queja...
"inclínate, santísima cruz, doblate,
santa cruz sea bendecida,
para que bese las heridas
de mi hijo y mi Dios,
para que estreche el cuerpo de mi Jesús,
para que cubra de besos su boca tan dulce,
sus ojos, su rostro, sus manos y sus pies,
y que diga adios
a mi único hijo injustamente  sacrificado.

¡ inclínate,  cruz, inclinate !



La particular visión de Zad Moultaka que compuso una obra musical sobre la crucifixión de Cristo desde el punto de vista de una de las principales figuras,  que es María, su madre, nos demuestra que este tema aparentemente muy recurrente durante muchos siglos, ya sea en la pintura o la música, aún no se ha agotado.

Una muestra de aquello es esta bellísima  creación de este músico libanés,  Zad Moultaka  quién le da a su obra, construida con un coro, solista e instrumentos, la percepción de un ambiente casi real, de lo que debió acontecer en ese instante., puesto que, al escuchar esas voces (del texto) en siríaco -arameo-  que es   el idioma de Cristo, impresiona; aunque no se comprenda lo que dicen, pero esta el subtitulado (fr) del video, además    sabemos que son fragmentos de los Evangelios (canónicos y apócrifos) que Moultaka utilizó.

Se debe destacar asimismo, la versatilidad de Moultaka en la búsqueda de instrumentos apropiados para su trabajo, terminando finalmente por   utilizar instrumentos barrocos.

Agradecimientos a Canal de: Catherine peillon - youtube

Esta cualidad de unir elementos al parecer muy distintos   le hace incluir frases de Rainier Maria Rilke o Louis Ferdinand Céline, incluso el Haiku japonés, o una canción de cuna popular italiana del siglo XVII, y poner en  boca de María o el coro mismo de la que surgen las voces solistas  como  de María Magdalena, Judas, Pedro o Juan.

De hecho, para componer este trabajo, Moultaka debió recurrir a su memoria cristiana oriental la cual le dio  un carácter muy especial a su obra, que se creó en septiembre de 2011, y se presentó en la Catedral de Saint-Étienne en Toulouse -  Francia.

Se puede concluir que la figura de María  a los pies de la cruz, como el recorrido de Cristo se retrata fácilmente al escuchar este oratorio que nos sumerge en una auténtica espiritualidad consiguiendo plenamente el objetivo  del autor.


Agradecimientos a Canal de: Association art moderne - youtube






- Nota del compositor

La pasión según María, Hachô dyôldat Alôhô en siríaco, es una obra importante para mí, porque es parte de dos direcciones de trabajo que persigo después de algunos años.

El primero es la relación con el lenguaje cantado y la riqueza de los sonidos dinámicos y los colores que pueden despertar. 

Aquí es el idioma arameo (siríaco) revelará su timbre, brillante y gutural al mismo tiempo, que se pondrá en tensión con los instrumentos barrocos.

El interés por reflexionar sobre la textura de los instrumentos barrocos surgió  con mis preguntas sobre música e instrumentos árabes: como acercarlos  a las técnicas el elnguaje y el espacio de la escritura contemporánea sin perder sus propias características, en cierto modo sus almas.

La segunda dirección de trabajo es la búsqueda de un espacio de emoción, de profundidad y una nueva dimensión espiritual, echando raíz en una energía nueva, incluso arcaica.

El tema de la pasión es un terreno ideal para excavar estos problemas.
Será abordado a través de la mirada de María, como madre, enterrada en sus sufrimientos y dudas.

Los textos provendrán de diversas fuentes y se traducirán al lenguaje de Cristo. Una forma de actitud invertida, un regreso a un primer idioma.



Zad Moultaka

Fuente: Les-elements.fr



- Elementos biográficos

Compositor franco-libanés nacido el 4 de junio de 1967 en Wadi Chahror (líbano).
Pianista de formación, alumno en el conservatorio de Beirut y luego en el conservatorio de París, Zad Moultaka comenzó muy pronto una carrera como solista clásico. Viendo la composición como un espacio de investigación, en 1993, abandonó su carrera internacional como intérprete para dedicarse a la composición.
Entrenado en los rigores de la composición musical occidental, pero intrínsecamente ligado a sus orígenes árabes  y a la música de las tradiciones orales, reconcilió el gesto musical y el signo compositivo, yendo más allá de las contingencias del uno y el otro. A medio camino entre Oriente y Occidente, su música incorpora los datos  fundamentales  de la composición occidental contemporánea (estructuras, tendencias, familias y signos) son características específicas de la música árabe: monodia heterofonía, modalidad, ritmos, vocalidad, memoria colectiva antigua y moderna. Moultaka ha escrito para todas las agrupaciones, especialmente (Baal,2015,  Noujoum, 2017) y conjuntos instrumentales, con un don evidente para la voz, el teatro de muchos experimentos sobre la relación con el lenguaje, el tono-color, la energía y los microintérvalos . Sus obra incluyen Khat, interpretada por primera vez por el coro Les Éléments (2007); Ligèa, de Homer´s Odyssey, estrenada por le Cris de Paris (2009);
L’autre rive, recuerdos auditivos de su infancia en Beirut, interpretados por primera vez por los conjuntos Musicatreize y Mezwej (2009); Zajal, ópera de cámara estrenada por el conjunto Ars Nova  y Fadia Tom Rl-Hage (2010)  La passion selon Maríe , estrenada en el festival de Ambronay  (2011); Um, primero presentado por el conjunto Ars Nova  en el Neue Vocalsoloisten  Stuttgar (2016).
Paralelamente,  desarrolló e intensificó su actividad como artista visual a través de exposiciones e instalaciones como Montée des ombres (2016), Vibrances atonales y Souverains moteurs (2016) y SamaS, para el pabellón del Líbano en la Bienal de arte de Venecia (2017). El mismo cuidado, la misma naturaleza exigente lo inspira en su búsqueda de una expresión árabe contemporánea que no haga concesiones.
En 2004, Zad Moultaka también fundó el conjunto Mezwej, que surgió de un enfoque, un estado mental experimental, de búsqueda creativa a través de un examen de las culturas Oriental y Occidental  de la tensión y fricción específicas entre la escritura y la oralidad.

Del Barroco hispanoamericano: Dn. José de Orejón y Aparicio




Don 

José de Orejón y Aparicio.



Barroco Indígena  
Detalle de la Iglesia de la Compañia - Arequipa 
(Lucus)


La música barroca en Hispanoamerica tuvo varios representantes, la mayoría españoles avecindados algunos por décadas en este lado del mundo  y que desarrollaron su carrera musical lejos de su natal Europa. Sin embargo muchas de estas obras no tenían nada que envidiar aquellas compuestas por renombrados compositores europeos en el viejo continente.

Uno de estos notables exponentes del barroco aquí en América, fue sin duda algúna, José de orejón y Aparicio,  un joven músico mestizo nacido en Huacho (Perú 1706 - Lima 1765). 

Estudió en Lima, primero con Tomás de Torrejón y Velasco, y luego con Roque Ceruti, este último,  compositor milanés  fue traído  a Lima por el Virrey Manuel de Oms y Santa Pau, quién fue  uno de los principales responsables de introducir en el virreinato el estilo musical italiano del Barroco tardío.

José de Orejón  y Aparicio  desarrolló su carrera completamente    en la capilla musical de la Catedral Metropolitana, (por un período de 50 años).

Ingresó en la condición de mozo de coro - Tiple - en 1715 (bajo el cargo de Torrejón y Velasco), en 1724 cambia su voz y entonces  ocupa el puesto de contralto.  Al año siguiente es ya organista primero interino, y sería nombrado organista mayor en 1742.

A partir de la muerte de Ceruti (1760) cumplirá las funciones de maestro de capilla siendo titular pocos meses antes de su deceso acaecido en mayo de 1765).

De su extensa producción nos quedan, (entre los archivos de Lima y Sucre) una veintena de villancicos, una pasión según San Juan, Salmo Dixit Dominus, Letanías, en los más celebrados.


SUS OBRAS
Son de evidente influencia napolitana con un total dominio de la técnica de la composición de la época. Entre sus obras más conocidas puede mencionarse al “villancico” ¡Ah del gozo! Con un rico lenguaje armónico y toques de contrapunto.


También importantes:

- Cantata ¡Ah, del gozo!
- Aria “Mariposa de sus rayos”
- Recitativo “Ya que el sol misterioso”
- Pasión según San Juan


El investigador francés Andrés Sas (París 1900 - Lima 1966), quién ha tenido un importante papel en la recuperación de la obra de Orejón y Aparicio, se refirió de la siguiente manera  sobre el lenguaje musical   de José de Orejón:

“Discípulo a no dudarlo de Tomás de Torrejón y Velasco, de quién adoptó ciertos procedimientos de escritura, Orejón y Aparicio adquirió unas buena base técnica, que resalta en la movilidad de su armonía y en el manejo de la polifonía.
Sus obras donde la melodía, la gracia y la frescura encuentran una expresión distinguida, y sus recitativos llenos de nobleza, hacen de la música del magnífico compositor huachano un arte barroco que, sin ser revolucionario ni apegado a las reglas, merece otra suerte que la que le deparó la emancipación”

Fuente: (1)


Según refiere el mismo Andrés Sas; ...  en el inventario realizado por el maestro de capilla Andrés Bolognesi entre 1809 y 1810, denominado 
“Nómina de los Papeles /de Música servibles que tiene/esta Santa
Yglesia Metropolitana/ de Lima”, se encuentran las siguientes obras de José de Orejón y Aparicio:

1. misa de Quinto Tomo
2. (Y  reformada por Tapia)
3. (Misa) de G"chiguita
4. Un terno de Psalmos de Santo
5. Otro para la Virgen y para Santo
6. Oredidi
7. Defecit
8. Pasión del Domingo
9. (Y renovada por Tapia)
10. ET incarnatus
11. Pasión de Viernes
12. Albricias mortales
13. A la Messa
14. Zagales de estos bosques
15. de aquel globo
16. Despertad
17. Sacris Solemnis
18. En el día festivo
19. A meser
20. Letanía de Nuestra Señora
21. Ha del safir
22. Aliéntese el fervor
23. Buela Palama
24. contra punto
25. Ha del Agua
26. Por bezar
27. Sol, Luna y Estrellas
28. Tres racionales
29. Enimma divina
30. Ha del gozo
31. Ha del q. raya
32. Ha de la Esphera
33. Ha del día
34. Ha del mundo
35. Duo Gilgerillo
36. A la arma
37. Al resien nacido
38. Aria, Mariposa
39. Gozos de San José

Algunas letras de las más conocidas obras:


- Ha del gozo

Introducción:
Ha del gozo Ha del aplauso Ha de la sabia métrica, armonía, Cuya Universidad, Amor Dispone, para darle a los méritos la silla Venid oy victoriosas, doctoras, Siempre invictas, Cuyo acertado voto sacó La mejor cathedra de Prima Venid, que hoy toma Ylustre Para,el aplauso posesión festiva.

Recitado:
Triunfa feliz, Aurora, soberana, Del Aspid cruel, Y la culpa insana,   Ven , donde, Ocupes, sin qe humide, dudes, El solio qe texieron tus Virtudes Pues, quando esquibadamente huir blazon as Es quanto más de triunfos te Coronas


Agradecimientos a Canal de: Enrique Guerrero - youtube






- Aria "Mariposa de sus rayos"

"Mariposa de sus rayos
Ronda el alma fervorosa
Esa esfera prodigiosa
Con las alas de la fe
Y aunque sienta los desmayos
Que el dolor causarle pueda
Del fervor no retroceda
Cuando mas doliente este"


Agradecimientos a Canal de: Belarmo - youtube





Fuentes:




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