Motezuma de Vivaldi.




De  Tenochtitlan   a  Venecia


Motezuma

  
Antonio Vivaldi

  ¿Extraviada?


Una obra de Vivaldi que se encontraba en esta situación era Motezuma (nombre original que le puso el autor), si bien se conocía su existencia ya que el libreto usado por Vivaldi nunca se extravió, la partitura permaneció perdida por mas de 250 años y encontrada en el año 2002 en archivos que casi fueron destruidos al finalizar la 2da guerra mundial. ¿ Como se extravió ?

Al parecer poco tiempo después que muriera el compositor, fue a dar a la Sing-Akademie de Berlín, Alemania. 
Al terminar la 2da guerra mundial, la biblioteca fue tomada como botín de guerra por el ejercito rojo quienes trasladaron todo su contenido a Kiev, Ucrania.

Afortunadamente en el año 2002 se tuvo acceso a esta antigua colección de Berlín; algunos musicólogos les llamó la atención unos folios que en la portada estaba escrita de puño y letra de un copista Italiano del siglo XVIII, y decía lo siguiente ." La poesía des esta opera es del Ill (ustrisimo) Giusti, la música de D. Ant. Vivaldi".


La Obra

Antonio Vivaldi compone esta obra en 1733 a la edad de 55 años., algo muy interesante y que llama la atención, es la temática de la obra, efectivamente, porque en aquellos tiempos la inspiración generalmente se encontraba en leyendas mitológicas, Reyes o personajes de la Historia Europea.
Tal parece fue Giusti quien influye en Vivaldi para componer Moctezuma, fue precisamente Girolamo Giusti quien basándose en un cronista español de la conquista de México, Don Antonio de Solis Rivadeneira quien se inspira en la trágica historia del último emperador Azteca.


                          Aria "Il cenni d'un sovrano"
                                Agradecimientos a Canal de : whomakemefeel   - youtube


Vivaldi y Giusti no ofrecen una versión moralista de los hechos sangrientos de Tenochtitlán, sino que retratan a estos dos personajes en su plena dimensión humana, es decir con sus defectos y virtudes


Los personajes de esta opera :

- Motezuma Emperador de México
- Mitrena su esposa - Teutile su hija
- Fernando (Hernan Cortés) General de los ejércitos españoles
- Ramiro su hermano Cadete
- Asprano General de los Mexicas


El Argumento

Se presentan los últimos momentos de lucha entre Moctezuma y los invasores; el emperador se ve obligado a confinarse en palacio, donde su mujer Mitrena y su hija Teutile a pedido de éste, piensan en suicidarse.
Luego que el emperador es capturado ,Teutilde que siente un gran amor por Ramiro el cual es recíproco, desiste de hacerlo.
Ocurren varias escaramusas entre Españoles y Mexicas venciendo definitivamente los primeros, no obstante Fernando (Hernan Cortés) es asediado en una torre por Asprano.
Los afligidos mexicas consultan al oráculo que dice, deben sacrificar un español , que de esta manera Teutile protegerá el reino.
Ramiro logra rescatar a su hermano Fernando, como tambien a Teutile. Luego de muchas intrigas, Fernando fija la boda de Ramiro y Teutile.

En ese momento Moctezuma y Mitrena entienden que el oráculo se refería no a un sacrificio humano sino que al sacramento del matrimonio.

Finalmente Moctezuma y Fernando hacen las pases, retornando el hispano a su tierra pleno de gloria y su hermano Ramiro permanece en el nuevo mundo para gobernar en nombre de la corona.


La obra se divide en tres Actos: 

Sinfonía
1.- Allegro
2.- Andante molto
3.- Allegro


ACTO I

Escena 1
Recitativo "Son vinto eterni dei" (Montezuma-Mitrena-Teutile)

Escena 2 - 3
Recitativo accompagnato "Non ha bisogno" (Montezuma)
Aria, "Gl' oltraggi della sorte" (Montezuma)

Escena 4
Recitativo, "Che legge e questa mai!",(Teutile-Fernando-Montezuma
                   Ramiro)
Escena 5
Aria, "Dallo sdegno, che m'accende" (Fernando)

Escena 6
Recitativo, "Mirarti appena ardisco idolo mio" (Ramiro-Teutile)
Aria, "Barbaro piu non sento" (Teutile)

Escena 7
Recitativo, "In fausto di, quante sciagure" (Ramiro)
Aria, "Tace il labro, ed il mio affetto (Ramiro)

Escena 8
Recitativo accompagnato, "Numi, se ancor pietosi volgiete" 

                 (Montezuma)
Escena 9 - 13
Recitativo, "Seguime - Che ricerchi?" (Todos)

Escena 14
Recitativo accompagnato "Ah no...Ferma...t'arresta....
                 (Mitrena-Fernando)
Aria, "I cenni d'un sovrano" (Fernando)

Escena 15
recitativo accompagnato "Confesso non discerno, ove son"
                  (Montezuma)

Escena 16
recitativo accompagnato, "Parte L'afflitto sposo" (Mitrena)
Aria, "S'impugni la spada" (Mitrena)

ACTO II

Escena 1
Recitativo, "Di questo a me lascia la cura"
Aria, "Brilleran per noi piu belle"

Escena 4
Recitativo, "Fernando il gran momento"
Recitativo accompagnato, Di che tu lagni?"

Escena 5
Recitativo, "E gurerra avrai"
Aria (Trío), "A battaglia"

Escena 7
Aria, "Sei troppo, troppo facile"

Escena 10
Recitativo, "Fuggi Raniro"
Aria, "In mezzo alla procella"

Escena 11-13
Recitativo accompagnato, "Vane crudel, distruggi"

Escena 13
Aria, "Un guardo, oh Dio"

Escena 14
Recitativo,Vanne, che venticata"
Aria, "La figlia, lo sposo"

ACTO III

Escena 1
Recitativo, "Esci german, pria che peggior destino"
Aria, "L'aquila generosa"

Escena 2
Recitativo e Aria, "Or que salvo il german" , "Anche in mezzo
                  del contenti"

Escena 3
Aria, "Dal timor, dallo spavento"

Escena 4
Recitativo e Aria, "Ecco fideli miei, Nalla stagione ardente"


Escena 5 
Sinfonía  Fúnebre
Aria, "L'agione dell'alma afflitta"

Escena 6
Recitativo, "Figlia una volta ancora"

Escena 9
Recitativo, "Senza cor, senza nume"

Escena 10
Recitativo e Aria, "Stelle vinceste, Dov'e la figlia"

Escena 11
Coro y Recitativo, "Al gran genio guerrero"

Última escena
Recitativo, "Seguimi, e non temer"

Final, "Imeneo che sei d'amori"

Info:Wikipedia



                               Aria " Gl'oltraggi delle sorte"
                                   Agradecimientos a canal de :Peteconomics - youtube



La obra se estrenó por primera vez en el Teatro de Sant ´Angelo el 14 de noviembre de 1733.
Después de esos largos años que permaneció extraviada, en los años 90 Jean Claude Malgorie experto francés de música antigua recrea una aproximación a la música de Moctezuma a partir de otras obras de Vivaldi.
Posteriormente Alan Curtis un experto en música barroca inicia un proyecto de edición y reconstrucción que concluye con la edición de un CD y la primera puesta en escena en tiempos modernos en el Teatro Sao Carlos de Lisbona en abril de 2007.
Al día de hoy la obra ya ha sido presentada en Escenarios Europeos como Americanos.

Consideraciones Técnicas

A diferencia de sus demás óperas, en “Montezuma” se aprecian particularidades que elevan tanto la trama como la música por encima de los estándares de la ópera seria barroca y tal es el caso de los personajes centrales “Montezuma” y su esposa “Mitrena”, quienes son el registro vocal bajo. En tanto, las voces de sopranos y de castrados pertenecen a los españoles y personajes secundarios, por lo cual la pareja mexicana adquiere el peso mayor en escena y Vivaldi logra pintar un sicograma diferenciado y sublime de la progresiva pérdida del sentido de la realidad del binomio azteca. Asimismo, en el caso de “Mitrena”, Vivaldi acompaña una gran cantidad de sus recitativos con la orquesta en lugar del clavecín, con lo que se adapta por una parte al nuevo estilo napolitano, pero también logra subrayar los diferentes estados de ánimo de la protagonista con una amplia gama de sonoridades.
Notimex



Agradecimientos a Canal de :DynamicOperaClassic - youtube


Página de Interés







KIND of BLUE ...50 años......SO WHAT





KIND of BLUE .......50 años

SO WHAT

Parece increíble, pero ya han pasado 50 años de ese 2 de marzo de 1959, cuando Miles Davis entraba con paso cansino a la Columbia Records para iniciar la grabación de un disco. , Uno que haría historia no solamente como jazz, sino que se inscribiría entre los anales de la música como uno de los mas brillantes y cuya influencia se mantiene hasta el día de hoy.

Del Kind of Blue, solo tenia un proyecto, porque solo eso le bastaba; Miles era de esos músicos que pensaba que para hacer música bastaba tener las ganas y sacarla desde la intimidad lo mas auténticamente posible; en realidad poco le interesaba ceñirse a los códigos vigentes, pues ello coartaba su autenticidad.

Llegó el momento de la grabación y se fue juntando el grupo, verdaderamente muy especial, porque todos los que harían esta obra maestra de la música de jazz eran muy reconocidos.

Miles Davis en la trompeta/John Coltrane al saxo tenor/ Julian Cannonball Adderley al saxo alto/ Bill Evans en el piano/ Paul Chambers con el bajo/ Jimmy Cobb a la batería / y Wynton Kelly al piano tocando 1 tema "Freddie freeloads". Estos son los que le dieron vida a esa magna Obra de Arte y seguramente aquel que la escucha no queda indiferente.

Sabemos que generalmente un disco de estudio debe ser perfecto, apoyado en la tecnología y por supuesto hacer las correcciones para dejarlo a punto .

Pero en este caso excepcional por decir algo, solo les tomó diez horas para terminarlo; claro que en dos sesiones , la primera fue el 2 de marzo y la segunda el 22 de abril ,realizado en aquel estudio de grabación en la calle 30 en la ciudad de New York, estudio de grabación que se prestaba por su magnifica acústica puesto que antiguamente había sido una iglesia ortodoxa.


En plena sesión



Bill Evans que era un excelente pianista con formación clásica además de ser una persona intelectual, a diferencia de los músicos de jazz de la época, tenía una concepción muy clara del trabajo del jazzista y haciendo una comparación con el arte de la pintura japonesa, expresó:



" Existe un arte visual japonés en que el artista esta obligado a ser espontáneo. Tiene que pintar en un pergamino delgado extendido con un pincel especial y pintura negra de acuarela, de tal manera que un brochazo forzado o interrumpido destruíra la linea o atravezará el pergamino. No son posibles los borrones ni los cambios. Estos artistas deben practicar una disciplina específica la de permitir que la idea se exprese a si misma en comunicación con sus manos de forma tan directa que no puede interferir la deliberación. Las pinturas resultantes carecen de la composición compleja y las texturas de la pintura convencional, pero se dice que aquellos que saben ver encontrarán algo capturado que escapa a cualquier explicación. Esta convicción de que la acción directa es la reflexión mas llena de significado; en mi opinión, ha inducido a la evolución de disciplinas extremadamente severas y especiales como son las del músico de jazz o el improvisador."
Bill Evans









" Cuando hicimos Kind of Blue supe que era especial, pero no imaginaba cuanto "

Jimmy Cobb


Ciertamente que esta obra trasciende a muchas otras que él tiene como "In a silent way" o "Bitches Brew" ; la inspiración puede venir de cualquier parte o quizas Miles recordó ese espiritual encuentro con esa viejita que cantando gospel con su cascada voz, estraía desde el fondo de su alma el producto de años de pena y dolor.
Según Davis la experiencia de esa mujer anciana era la de la mayoría de la gente negra de su país....era una experiencia de Kind of Blue.




Tracks




- So what
- Freddie freeloader
- Blue in green
- All blue- Flamenco sketcher
- Flamenco sketcher (alternate take)




       Blue in green                                                            Freddie  fre 

VENID, venid, Deidades


VENID, venid, Deidades

Cuando se habla de Opera en la América colonial, surge el nombre de la primera que fue compuesta en estas tierras, llamada " La púrpura de la rosa " cuyo autor fue Dn. Tomás de Torrejón y Velasco (1644-1728). Español y maestro de capilla de la Catedral de Lima, quien escribió la música agregando versos de Don Pedro Calderón de la Barca.

Esta opera se compuso con ocasión del décimo octavo cumpleaños del Rey Felipe V, Phillipe d´Anjou.


Catedral de Cusco

Pero mas mérito tiene aún una segunda opera que fue compuesta totalmente en América, con esto quiero decir, música y letra. Su nombre " Venid, venid, deidades " de Fray Esteban Ponce de León , un fraile Benedictino nacido en Lima.
Ya formado eclesialmente, fue profesor de Teología moral en la Real Universidad de San Marcos de Lima. Con el paso de los años siendo un hombre maduro se traslada al Cusco.
En 1730 llegó a ser Maestro de capilla de la Catedral de Cusco permaneciendo allí hasta el día de su muerte.

Claro que esta no es una opera tal como las que conocemos actualmente; su autor la ha clasificado en el género opera serenata.
Esta viene a ser una composición breve, escénica vocal e instrumental y ligera con pocos personajes y que fue muy común en Europa del siglo XVII.

Venid. venid deidades, forma parte del histórico repertorio del Seminario de San Antonio Abad del Cusco; según dicen los expertos musicólogos que este (el Seminario de San Antonio Abad) contiene el repertorio musical mas grande de América del Sur.

Como toda composición musical esta también tuvo un motivo mas que justificado para ser escrita pues con ella se celebraba la ascensión como Obispo del Paraguay a Don Fernando Joseph Perez de Oblitas que había sido Tesorero de la Catedral y Rector del seminario de San Antonio Abad en el Cusco

La obra narra una disputa imaginaria entre las ciudades de Cusco y Arequipa compitiendo cual de las dos aportó mas al Obispo; finalmente esta diferencia es resuelta por las Deidades del cielo.
Tal parece que Arequipa es el lugar de nacimiento del Obispo, pues la letra dice:

“Yo que Arequipa soy, madre primera, / en clara y lustre esfera, /con dichosa fortuna / augusto ser le di de noble cuna, / como el nombre lo indica / y el real blasón de Pérez lo publica”.

Pero referente al Cuzco, fray Esteban describe los méritos que esa ciudad ha aportado al prestigio del obispo:

“Yo, su madre segunda, / la ciudad del Cuzco soy, / que, más fecunda, / le di vida mejor como lo abona / ver que naturaleza / solo al labrar empresa / lo que por mí perfecciona”.

Finalmente esta ficticia controversia entre Arequipa y el Cuzco se resolverá con la intervención de las deidades del cielo; y así, la letra expresa:


“Venid, venid, deidades, / al juicio más prudente / que a dos partes discordes / pacificar pretende”.

Al bajar, las deidades, exclaman:

“¿Quién nos llama, quién nos llama? / El Cuzco y noble Arequipa, / que del sabio Salomón / las decisiones acuerdan. / Pues comience ya el juicio / y todos atiendan / lo que cada madre / por su parte alega”.


De esta manera con fundadas razones y algunas por diversión se fue construyendo poco a poco todo este bellisimo patrimonio musical que ya forma parte de la identidad de todo el continente Americano.El repertorio musical del Seminario de San Antonio Abad aún sigue en investigación pues muchos documentos allí encontrados aun deben ser clasificados.



Páginas de Interés:

- Manuscritos Cusqueños de música barroca





AUTO SACRAMENTAL y DIABLADAS



Auto Sacramental y Diabladas

arecería extraño que en estos tiempos se hable aún de Autos
Sacramentales, considerando que son de épocas medievales. , mas extraño aún que se representen hasta el día de hoy con el mismo espíritu para el cual fueron concebidos.
Pero un poco de memoria nos hará recordar aquellos antiguos maestros que nos enseñaron literatura española en el colegio con esos nombres que a pesar del tiempo siguen en algún literario rincón de nuestra cabeza y que se mantiene siempre atento por si son recordados.

Saltan rápidamente a la palabra - “ Autos Sacramentales “ – los nombres de los grandes maestros de la literatura…….Lope de Vega, Calderón de la Barca o Sor Juana Inés de la Cruz, todos ellos como decía antes fuertemente ligados a los autos sacramentales religiosos o profanos , porque también los había.


Llegaba la fiesta de Corpus Cristi y era el tiempo esperado para representarlos, Por supuesto que encontramos entre los autores una monja, La conocidísima Sor Juana Inés de la Cruz que escribió varios Autos sacramentales como “ El Divino Narciso “.

Un auto sacramental es una representación teatral , usualmente de 1 acto y podía ser profano o religioso, si se trataba de este último también se le podía llamar “ Misterios o Moralidades, pero una descripción hecha por sus propios autores es mucho mas interesante y mas auténtica, sobre todo si proviene de ellos : Don Lope de Vega, que en una Loa entre un villano y un labrador, introductoria del Auto “ El dulce nombre de Jesús “ lo describe así :

¿ Y que son Autos ?
comedias
a honor y gloria del Pan
que tan devota celebra
esta coronada villa,
porque su alabanza sea
confusión de la herejía
y gloria de la fe nuestra,
todas de historias divinas

O bien, Calderón de la Barca en “ Loa de la segunda esposa “ que se refiere de esta manera:

Sermones
puestos en verso, en idea
representables, cuestiones
de la Sacra Teología,
que no alcanzan mis razones
a explicar ni comprender,
y al regocijo dispone
con aplauso de este día.

Cuanta agua ha pasado bajo el puente, desde épocas de conquista blandiendo la espada y la cruz, llegando a ignotas tierras, los unos para comerciar, los otros para adoctrinar.

Cuando se trata de conquista es relativamente fácil el sometimiento si se posee la fuerza y las armas necesarias para ello, pero mas difícil es conquistar almas y pensamiento para Dios.

Surgen entonces variadas estrategias para llevar a cabo la misión, se recurre entre otros a los Autos Sacramentales para adoctrinar a los pobres indios quienes no conociendo al Dios verdadero deben conocerlo simple y fácilmente .

Aprovechando antiguos mitos indianos precolombinos, como la Leyenda del Dios Huari, al que el pueblo le rendía culto, mas al percatarse este diabólico espíritu que ya no es venerado por aquellos que siempre le fueron fieles y agregando a esto el desprecio de Aurora, la hija del Dios del Sol; manda para castigar a los infieles con grandes plagas de sapos, víboras, lagartos y hormigas.

Aparece entonces en defensa de estos pobres, Aurora , la Ñusta (princesa) quien blandiendo una espada de fuego en una mano y una honda en la otra convierte a estos monstruos en piedra.

Es así, como poco a poco se va asentando este sincretismo que da origen a varias manifestaciones de índole religiosa que los pueblos originarios practican hasta el día de hoy en estas tierras americanas.

La danza de la Diablada que es en honor a la Virgen, se baila en la región que fue en el período colonial El virreinato del Perú y La plata, entendiéndose particularmente a los pueblos aymaraes que se ubicaban geográficamente en lo que hoy es sur del Perú , oeste de Bolivia, norte de Argentina y norte de Chile.


Diferentes tipos de Máscaras de diablo y diableza





En Perú a la ciudad de Puno que pertenecía al Obispado de la Paz llegaron los Jesuitas , y se asentaron allí para adoctrinar a los Lupacas.

Estuvieron por casi dos siglos para difundir la cultura, pero sobre todo la religión; para facilitar este conocimiento mutuo y asi conseguir su objetivo el cura Ludovico Vertonio crea el primer diccionario Aymará – Castellano editado en la ciudad de Juli en 1602.

Esta ciudad es famosa por sus templos, llamada también La Roma Aymará y es precisamente en Juli donde la Iglesia hace la representación de los 7 pecados capitales con el propósito de cristianizar a los difíciles Lupacas.

Otra fuente importante de mitos o leyendas precursoras de la diablada ocurre en la ciudad de Oruro, Bolivia.

La tradición nos cuenta que se inicia con el descubrimiento de la Virgen de la Candelaria en el refugio de un famoso ladrón, quien ayudaba a los pobres, probablemente en el siglo XVIII. Las mineras de Oruro resuelven declarar a esta Virgen como protectora del pueblo trabajador , y con el objeto de honrarla, le bailan disfrazados de diablos para no causar el enojo del Tio de la mina. (el Tio de la mina, nombre que se le da al diablo, y que es motivo de culto en el ambiente minero de Bolivia)

Como antecedentes se puede decir que en épocas pre-hispánicas, los indios Uros, de cuyo nombre proviene el nombre de Oruro, creían ya, en la existencia de demonios destructores.

Cuando se juntan todos estos elementos, se ve la mutación que sufre el acto sacramental originario a las danzas llamadas Diabladas que actualmente se efectúan y son en esencia realmente la misma cosa.


El verdadero sentido de la danza




Las organizaciones de bailes muy bien organizados que en el día de hoy existen en los países ya mencionados, acuden a todas las manifestaciones religiosas marianas que se celebran manteniendo ese primigenio espíritu de honesto acercamiento a la deidad a través de La Virgen María .

En estas agrupaciones de Danzas o bailes religiosos hay toda una estructura que cumplir a fin de mantener esa inicial representación de la lucha entre el Bien y el mal.

De esta manera el grupo en si esta constituida por los siguientes personajes.

- Caporal : 1 o 2 generalmente es hombre vestido de diablo
- Diablo mayor: Encabeza la fila de baile, es el primer bailarín, tiene mayor poder y da la orden para el cambio de pasos (de baile)
- Cholas o chinas supay: representan las esposas el diablo, el mal y la sensualidad; se ubican al centro en dos filas
- Angelitos:1 o 2 niños de cortos años
- Figurín (a): que simboliza el bien la esperanza y representa al esclavo de la época colonial
- Rey Moreno: derivado de las antiguas morenadas
- Cóndor :precede la entrada del baile
- Osos : representa la fuerza y el vuelo del mal.

Ya no es Corpus Cristi, pero estamos en la festividad de la Virgen de la Candelaria o de la Virgen de la Tirana y la lucha sigue; Primero el dialogo entre los poderosos Ángeles, Miguel presenta la armonía, el otro, Lucifer el descontento la amargura.
La entrevista se lleva a cabo justo en el límite del infierno donde la diablada irrumpe en son de guerra.
Al llamado del Arcángel San Miguel acuden las legiones celestiales , se produce entonces la primera batalla ganada por los demonios, los que invaden la tierra para exterminar el cristianismo. Luego se realiza otra gran batalla que los mortales esperan con mucha incertidumbre y temor frente a esta angélica pugna.
Finalmente los diablos derrotados y deben sufrir la ignominia de confesar sus pecados “ Los siete pecados capitales.
Y como siempre sucede, ha triunfado una vez mas el bien sobre el mal.




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SONRIE, cara GIOCONDA

Gioconda






Las especulaciones en torno a la existencia o no de la famosa Gioconda o Mona Lisa, ha sido un tema recurrente durante siglos. Se dijo que no era real, que era un princesa, una cortesana como también que era el rostro mismo de Leonardo.

Finalmente se ha venido a confirmar lo que ya planteara en su libro " Vita " , Giorgio Vasari famoso pintor y escritor , quien la llamara por vez como " Monna Lisa ", en el año 1550.

Según el historiador italiano Giuseppe Pallanti en su libro " Mona Lisa, mujer ingenua " , se trata de Mona Lisa Gherardini, hija de Antonio María di Noldo Gherardini y segunda esposa de Bartholommeo di Zanobi del Giocondo, casado en segundas nupcias con ella, con quién tuvo 5 hijos.
Mona Lisa nació el 15 de junio de 1479, y se casó a la edad de 16 años (1495) con Del Giocondo (1465 - 1538) viudo con 1 hijo, Sus relaciones sociales y financieras le ubican entre la clase dominante. Del Giocondo fue probablemente el mayor importador y vendedor de seda de la ciudad y mantenía negocios con Lorenzo de Médicis " El Magnifico ". En sus transacciones financieras utilizaba el Banco en Roma de la familia Medicis y mantenía contactos con el notario Piero da Vinci, padre de Leonardo.

Pallanti, quién se dedico a la búsqueda exhaustiva de documentos, encontró el registro de muertos en el antiguo convento de Santa Orsola donde se indica su muerte el 15 de julio de 1542 a la edad de 63 años. Además nos cuenta Pallani que Mona Lisa pasó sus últimos años de vida en el Monasterio de Santa Orsola, asistida por su hija menor llamada Lucía, quien era monja.

La pintura

Se trata de un cuadro pintado al oleo sobre madera de álamo de 77 por 53 centímetros, pintado por Leonardo entre los años 1503 y 1506 por encargo de Del Giocondo con el objeto de conmemorar el nacimiento de su segundo hijo.

En el emplea la famosa técnica del esfumato que consiste en difuminar suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos.

Esta pintura nunca fue entregada a Del Giocondo; la razón, se desconoce hasta el momento, sin embargo tuvo un singular recorrido; después de la muerte de leonardo la deja como herencia a su asistente Giacomo Caprotti " Saladino "

De allí pasa por diferentes partes: desde el Palacio real de Fontainebleau , específicamente el baño de Francisco I(Francia), la ciudad de París, el palacio de Versailles.
Permaneció entre las Cortes reales Francesas y en el siglo XIX fue obtenido por Napoleón Bonaparte, luego al museo del Louvre, Napoleón la recupera y la ubica en su cámara personal, despues es regresada nuevamente al Louvre con un breve lapso en que fue robado, recuperado y devuelto al Louvre.

Los Análisis






Según Pascal Cotte, un ingeniero parisino que ha escaneado el cuadro con un escaner digital de 240 magapixeles ha descubierto que el cuadro original si incluía cejas y pestañas,, pues se rebelan rastros de la ceja izquierda, borrada hace años seguramente por restauraciones.

Al parecer Leonardo cambió de idea sobre la posición de dos dedos de la mano izquierda; o como su rostro iba a ser mas ancho y su sonrisa mas expresiva.
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La Sonrisa

Esta enigmática sonrisa que desaparece cuando se la mira directamente

Según Margaret Livinstong, neuróloga de la Universidad de Harvard, esta enigmática sonrisa solo es una ilusión que aparece , solo cuando la vista se fija en otras partes del cuerpo y desaparece al mirarlo directamente.

Esto se debe a la particular manera en que el ojo humano procesa las imagenes. Livinstong afirma que Da Vinci pintó la Gioconda usando sombras que vemos mucho mejor con la visión periférica. Por eso, para verla sonreir hay que mirar sus ojos o cualquier parte del cuadro, de manera tal que sus labios queden en el campo de la perspectiva periférica.

El ojo usa dos tipos de visión. La fotópica o directa y la escotópica o periférica., la primera funciona perfectamente cuando se trata de captar detalles, pero no las sombras, cuanto mas centrado estemos en una persona observando cada detalle, menos útil será la visión periférica , es decir el entorno.
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Al parecer Leonardo estaba perfectamente conciente de su técnica, puesto que entre 1478 y 1518 escribió una serie de ensayos para su " Tratado sobre pintura " en el que se refirió a la perspectiva lineal que llamó : " Pinturas que engañan el ojo ".





Diferentes versiones de La Gioconda


Algunas pinturas de famosos


Salvador Dalí - Marcel du Champ - Andy Warhol


Otras digitales interesantes
















Sitios de interés.

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" La Belleza perece en la vida, pero es inmortal en el arte "
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Leonardo da Vinci




MUSICA ANDALUSÍ



Música Andalusi

Es indiscutible el aporte que hicieron los árabes , específicamente en la península ibérica, en agricultura, arquitectura, las ciencias en general; y por supuesto las artes; entre ellas la música., destacándose por ello los Andalusies. Ya que aún se pueden encontrar rastros de este legado dejado por la civilización Arábico-andaluza.
La música Andalusí o árabe andaluza, es un tipo de música árabe del norte de África y también de Andalucía entre los siglos IX y XV; durante el Al - Andalus que conformaba la península ibérica que estaba bajo el poder musulmán en período de la Edad Media , años 711 al 1492.
Se dice que la música andalusí nació durante el Califato de Córdoba, siglo IX y fue precisamente el músico Iraquí Abu al Hassan Ali Nafeh, llamado usualmente Ziryab (el mirlo), quién procedía de Bagdag, quien llega a la corte de Abd al - Rahman II (fundador del primer Conservatorio Musical).

Es Ziryab quién le da un fuerte impulso al arte andalusí. Para situarnos en la época , en materia de música se escuchaba en ese instante la Mawba, mas conocida como Nuba, y su forma musicales era como una sinfonía o suite.


" Mientras que en occidente triunfaba la música gregoriana, adaptada a la liturgia católica y calcada de la lengua latina, Ziryab se había convertido en occidente en el pionero de la música profana. En Al - Andalus el arte musical gozaba de una autonomía muy grande y se humaniza, distanciandose a la vez del canto gregoriano y de la música árabe."


(GARAUDY, 1987)





Agradecimientos a : Canal de - youtube



La Nuba, es un resumen de canciones y pasajes instrumentales, las canciones están compuestas de varias formas poéticas.
La temática de estas nuba suele ser de amor, loas a la naturaleza o a Ala.
Esta manifestación de amor divino y profano le permite ser presentado en el ámbito religioso como en profano.


Las Formas Poéticas:

-La Muwassaha: comprende un preludio y uno o dos versos, una estrofa de cuatro o cinco y un a vuelta de uno o dos versos, escrito en un lenguaje semiculto.

-El Zejel: igual en la medida, escrito en dialecto andalusí, este y el anterior se usan en las canciones corales.

-La Qaside: es un breve poema de dos a cuatro versos.

-El Mawwal: es construída con juegos de palabras lo que le da un marcado caracter rítmico y son usalmente cortos.


Durante el siglo XI, España y Portugal que eran territorios moros, se habían convertido en un importante centro en donde se construía instrumentos musicales que se fueron introduciendo paulatinamente en Francia, a través de los trovadores quienes lo difundieron al resto de Europa.

Algunos de estos instrumentos como por ejemplo: El laúd , rabel, guitarra y órgano derivan del árabe : oud, rabab, qitara y urghun.

Actualmente podemos apreciar que la música española si ha sido influenciada por la música andalusí, como en el caso del flamenco, en que se pueden ver claras similitudes entre el Mawwal Sike(improvisación sobre el modo sika) y la solea. entre el Mawwal sahli y la milonga, además existen varias otras denominaciones como : zambra, jota, fandango que derivan de palabras árabes.

Música arabo-andalusí




Páginas de interés:


- Música Árabe - Andalusa (blog en Francés)

- Sitios de algunos músicos

* Tarik Banzi

* Eduardo Paniagua

Descargas liberadas

- Varios Cd. música árabe - andaluza











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