Jean Luc Ponty; el violín y el Jazz



JEAN LUC PONTY; un violín y el Jazz


El violinista,Jean-Luc Ponty,hijo de profesores de música, empezó a estudiar seriamente violín, piano y armonía , a los cinco años; y a los diecisiete entró en el conservatorio Superior de Música de Paris del que salió en 1960 con su primer premio en violín.


Entonces entre 1960 y 1962 empezó a tocar en orquestas sinfónicas como por ejemplo la llamada "Conciertos Lamourex".Pero su interés por la música de jazz le surgió como consecuencia de su amistad con el violinista Stephane Grapelli.

En diciembre de 1961 entró a formar parte del primer grupo de jazz, cuando ingresó en la orquesta de Jef Gilson, con la que estuvo regularmente hasta 1964. Ese mismo año consiguió un importante éxito en el festival de Jazz de Antibes, lo que de alguna forma marcó su futuro profesional en el ámbito jazzístico.

En 1966 la revista Down Beat lo situó a la cabeza de los solistas con instrumentos poco habituales para el jazz. Toco en el Blue Note de Paris, en el club Camaleón con el organista Eddy Louiss y el baterista, Daniel Humair.

Tras una breve estancia en los Estados Unidos, tocó también con George Duke, y con el famoso grupo del guitarrista Frank Zappa lider de "Mothers of Invention", y mas adelante con la Mahavishnu Orchestra conducida por el guitarrista, John McLaughin.

Pese a su afición por la música pop, Ponty fue siempre fiel al jazz, encontrando en la música de John Coltrane su particular influencia, pero además de su extensa carrera en solitario, también ha colaborado con famosos músicos como John McLaughlin o Chick Corea.

Agradecimientos a : Canal de Ironclad35 - youtube

Desde 1975, Jean-Luc Ponty, está al frente de su propio grupo, y posee técnicamente un virtuosismo que le permite colocar semicorcheas sobre tempos muy elevados, a lo que hay que agregar un fraseo rebosante de golpes de arcos enormemente ágiles y una capacidad de inventiva y de renovación melódica que le identifican rápidamente.

Ponty, al violín eléctrico se revela como un experto en la mezcla de sonoridades que utiliza la tecnología con gran mesura, descubriendo sonoridades con su instrumento que le permite mantenerse siempre vigente en el tiempo.
Agradecimientos a : Canal de stara struja - youtube

Este violinista, tecladista y compositor francés, se alejó bastante pronto de la gran tradición violinista del jazz francés, para confirmarse en Estados Unidos como uno de los guías del movimiento jazz-rock.
Info: www.apoloybaco.com

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Cayo Marcio Coriolano - Beethoven


Ludwig van Beethoven



 CORIOLANO


Caeius Marcius Coriolanus




Desde un principio me atrajo la energía que presenta esta obra, sobre todo el contraste entre los fortes con esos lapsos de perturbadores silencios y los increíbles disonantes insertados en esta magnifica obertura que compusiera Ludwig van Beethoven por encargo del dramaturgo vienés Heinrich Joseph van Collin.

El drama de Cayo Marcio “Coriolano” (de sobrenombre) fue de inspiración para varios artistas, uno de los mas conocidos fue la de William Shakespeare, obra a la que generalmente se asocia la historia dramática de Cayo Marcio.

En el siglo V antes de Cristo, Cayo Marcio Coriolano (Patricio Romano) combatió en la guerra contra los Volscos, conquistando la ciudad de Corioli en el año 493 a.C.

A causa de su despotismo y por haber prohibido la distribución de trigo al pueblo, fue exiliado de Roma,

En su ostracismo se une a sus antiguos enemigos, los Volscos, con quienes planea su venganza que se va a manifestar en la invasión a Roma.Ha esperado mucho tiempo este día en el que finalmente vengará la humillación sufrida.

Puesto al frente de los ejércitos por los Volscos, marcha sobre Roma.

Sin embargo el pueblo romano hace un último esfuerzo para salvar la ciudad enviando a su madre Veturia y su esposa Volumnia quienes intervienen tratando de convencerlo, Cayo Marcio finalmente es convencido para que se retire.


Coriolano es persuadido por su familia que no invada Roma

Sin embargo esta acción es considerada por los Volscos como una traición y lo condenan a muerte.


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En el aspecto musical la estructura de la obertura Coriolano sigue de una manera muy general la trama de la obra de von Collin.

En esta obertura op. 62, Beethoven presenta 2 temas principales basada en los profundos sentimientos a los que Coriolano se enfrenta. Ese conflicto vital entre orgullo y amor que porta consigo la figura trágica del noble Patricio.

    Beethoven de 13 años
El primero en Do menor, representa la forma en que Coriolano decide invadir Roma. Allí su espíritu impetuoso queda de manifiesto inmediatamente, cuando las cuerdas tocan una nota única seguida por un breve acorde orquestal forte y un silencio dramático. Nótese cuan estridentemente disonante es el acorde breve cuando se repiten este gesto, mientras las trompetas y los timbales reiteran obstinadamente sus notas del acorde anterior, a pesar del cambio de armonía.

La suavidad del tema en mi bemol mayor se asocia al ruego de su madre para que se abstenga de tal invasión.

En conclusión, la música complementaria para la obra Coriolano fue compuesta por Beethoven en 1807 y el estreno fue dirigido por el propio Beethoven en el palacio del príncipe Lobkovitz, en Viena, en marzo de 1807.



Interesante comentario de un contemporáneo de Beethoven acerca de la Obertura Coriolano.

Viena, viernes 10 de diciembre de 1813.
Querida hermana:

Hace algunos años ya, más precisamente el día 8 del mes de marzo de 1807, en un concierto de carácter privado organizado por los Príncipes Lichnowsky y Lobkowitz en el Palacio de este último, al cuál concurrí invitado por el mismo Conde de Waldstein, tuve la oportunidad de conocer a este notable músico sobre el cuál me preguntas: Ludwig van Beethoven.

Yo ya había escuchado comentarios casi legendarios acerca de su carácter colérico e irritable y, por el contrario, me encontré con un hombre más bien tímido y reacio a la conversación. Al parecer, la situación de que aquel concierto fuese en su total beneficio pecuniario no lo hacía sentir del todo bien después de sus constantes comentarios en contra de la alta nobleza de Viena. Recuerdo que el maestro no habló mucho y aún más, parecían no importarle las preguntas protocolares que los asistentes le hacíamos, por el contrario, él permanecía inmutable como mirando el horizonte.

En aquel concierto escuché la obertura Coriolano que el insigne poeta Heinrich-Joseph von Collins encargó al músico para acompañar su versión de la tragedia sobre el general romano, Caeius Marcius Coriolanus. Sin embargo, no hubo ni actores ni representantes para poner en escena la obra de Collins; al parecer, él y Beethoven tuvieron diferencias sobre el carácter que la música debía tener según las pocas palabras que el mismo Beethoven me dedicó en aquella ocasión.

En lo sucesivo traté infructuosamente de volver a escuchar la obertura. Hoy sólo recuerdo el efecto que la obra provocó en mí. Recuerdo que no comenzaba como las oberturas que estábamos acostumbrados a oír en aquella época con un inicio lento que daba paso a una música rápida y virtuosa, por el contrario, iniciaba con unos insistentes golpes fortísimos que daban paso a una melodía tan decidida como desesperada y que finalizaba con una especie de desintegración de la música. Impactante. Fue tanta mi obsesión que necesité averiguar más y conseguí un ejemplar del Coriolano de Collins para enterarme de quién era este general patricio, laureado por su valentía y gallardía en batalla y por su conquista de la ciudad de Coriolis con la cuál el pueblo volsco quedó finalmente rendido al poderío romano. Sin embargo, por razones políticas fue agraviado por sus superiores ante el pueblo y en respuesta Coriolano decidió aliarse con el pueblo volsco y al mando de ellos asedió la ciudad de Roma con fuerza implacable, tal es así que tan sólo los ruegos de su madre y de su esposa le hicieron desistir, cuestión por la cuál fue condenado por traición por los volscos y posteriormente ejecutado. Es así que entendí que había más que sólo encargo en el interés de Beethoven por Coriolano.

El pasado miércoles volví a saber de este impresionante músico. Con mi esposa y amigos concurrimos a un concierto a beneficio de los inválidos de la batalla de Hanau en la guerra contra Napoleón. El concierto se realizó en el hall del nuevo edificio de la Universidad y fue organizado por el señor Mälzel. Nosotros fuimos invitados por el Conde Moritz von Fries a quién Beethoven dedicó su séptima sinfonía y que fue ejecutada aquella noche.

La velada fue sencillamente conmovedora. La sordera del músico es ya un secreto a voces y sin embargo él insistió en dirigir la orquesta. Durante el primer movimiento en los momentos en que la orquesta sonaba fortísimo lo vimos abrir hasta el máximo los brazos que antes tenía cruzados sobre el pecho. Cuando la orquesta debía interpretar un piano, se agachaba todo lo bajo que quería que sonara; luego venía un crescendo y entonces se enderezaba poco a poco hasta que entraba el forte, que subrayaba con un salto en el aire y a veces, hasta daba gritos inconscientemente para reforzar el forte. Al parecer, debido a su sordera, creyó terminar cuando la orquesta aún no lo hacía, quedando en evidencia ante la audiencia. Después vino el segundo. Todo belleza. Fue tanto el éxito que debieron repetirlo para poder continuar con la sinfonía. El tercero, un juego con los dioses. Y por último el cuarto, qué decir? Los aplausos no terminaban. Me atrevo a decirte que con este concierto y con esta sinfonía en particular, Beethoven ha hallado su lugar entre los más grandes de los grandes. Sin duda será un músico del cuál se hablará por mucho tiempo aquí en Viena.

                                                
Saludos afectuosos.

                                                                                                                 J.


Fuente : http://www.salazegers.uchile.cl



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- Partitura para Orquesta "Coriolano"

- Texto completo Tragedia de Coriolano de Shakespeare (inglés)


Les indes galantes - Rameau



Les Indes Galantes - Jean Philippe Rameau






Les Indes Galantes es una ópera-ballet que consta de un prólogo y 4 actos o 4 “entrées” de Jean-Philippe Rameau (1683-1764), esta es la primera opera-ballet del gran compositor, clavecinista y prestigiado teórico musical francés, con el libreto de Louis Fuzelier.


Se estrenó, incluyendo sólo los tres primeros entrées, en París en la Académie Royale de Musique et Danse el 23 de agosto 1735. La recepción a esta primera versión fue algo fría pero al cabo de un año se presentó nuevamente remozada y con una nueva entrée - Les Sauvages – siendo acogida con gran éxito.


Cada una de estas entrée es una historia de amor que tiene lugar en diferentes partes del mundo; apartados lugares desconocidos y exóticos que llamaban mucho la atención de los europeos de esa época, en términos genéricos; "Las Indias", en esta trama se refiere a las Indias occidentales como a las orientales.



LES INDES GALANTES :
Libreto de Louis Fuzelier
Un prólogo y cuatro entradas

PROLOGO http://jp.rameau.free.fr/igprologue.htm

Personajes: Hébé; Bellone; L´amour


Cuatro jóvenes de cuatro naciones europeas aliadas (Francia, España, Italia y Polonia) son arrastrados a la guerra por Belona, hermana de Marte y diosa de la guerra, abandonando el Amor, representado por Eros y Hebe, hija de Zeus. Éstas, desilusionadas del abandono de que son víctimas en Europa, emigran entonces, simbólicamente, a países lejanos.

PRIMERA ENTRADA - “EL TURCO GENEROSO” http://jp.rameau.free.fr/igturc.htm
Personajes: Émile; Osman; Valere
Una isla turca, en el mar de las Indias. Su pashá, llamado Osmán, ama a Emilia, su esclava, arrebatada a su prometido Valere, oficial de marina, quien después de una tempestad también cae esclavo del pashá. Claro está que éste, al recordar que el oficial en una ocasión le salvó la vida, libera a los esclavos amantes, renunciando al amor de Emilia.



SEGUNDA ENTRADA - “LOS INCAS DE PERU” http://jp.rameau.free.fr/igincas.htm
Personajes: Carlos, oficial español; Pani; Huascar
Un paraje montañoso del Perú, a los pies de un volcán. Don Carlos, un oficial español, ama a Fani, una joven princesa nativa que le corresponde, aun cuando ella debe obediencia al celoso inca Huáscar quien la tiene bajo su dominio. Para complicar las cosas el inca provoca la erupción del volcán durante una fiesta, con muy mala suerte, pues perece víctima del cataclismo, mientras que Don Carlos resulta ileso, liberando a Fani con quien se une en matrimonio para siempre.


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TERCERA ENTRADA - “LAS FLORES – FIESTA PERSA” http://jp.rameau.free.fr./igfleurs.htm
Personajes: Alí : príncipe persa
Tacmas, príncipe y rey de las indias
Zaire, esclava de Alí
Fatime, esclava de Tacmas
Persia, en el día en que se celebra la fiesta de las flores. Tacmas, principe persa y Rey de las Indias, llega disfrazado de mercader hasta los jardines de su amigo Alí, ya que ama a la esclava de éste, llamada Zaire. Por otra parte, Fátima, la esclava de Tacmas, ama a Alí. Fátima aparece disfrazada de esclavo polaco, y Tacmas, confundiéndola con un enemigo, la ataca. Finalmente se deshace este enredo y las cosas se arreglan: Tacmas y Alí se intercambian las esclavas y todos juntos asisten a la fiesta de las flores.


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CUARTA ENTRADA - “LOS SALVAJES” http://jp.rameau.free.fr/igsauvages.htm
Personajes: Adario, comandante de los guerreros de la nación salvaje
Damon, oficial francés
Don Alvar, oficial español
Zima,
En un lugar no definido de América, de colonias francesas y españolas, los guerreros americanos vencidos, conducidos por Adario, se preparan para celebrar la paz con los conquistadores europeos. Dos oficiales, el francés Damón y el español Don Alvar, se disputan la mano de la nativa Zima, que no gusta ni del uno ni del otro, sino que escoge la mano de Adario. Después que los conquistadores se calman reciproca y filosóficamente la rabia de cada cual ante el desaire, se celebra la esperada fiesta de las paces.





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Jean Philippe Rameau, en su calidad de teórico musical señalaba:

" La música es una ciencia que debe tener reglas precisas; estas reglas deben ser deducidas de un principio evidente, y ese principio no puede en absoluto ser conocido por nosotros sin la ayuda de las matemáticas."
Traité de L´harmonie

Pero su adhesión a la retórica cartesiana no lo reduce a la razón pura,el no negó el papel del empirismo en la formación de la teoría musical puesto que también lo valoraba este conocimiento.


"La validación de todo principio musical reposa en la experiencia y el oído: podemos juzgar la música exclusivamente por el oído y la razón no tendrá autoridad alguna salvo que esté en acuerdo absoluto con el oído".
Traité de L´harmonie


Páginas de Interés


- Biografía de J.P.Rameau (francés)
- J.P. Rameau (página inglés)
- Historia de Rameau y análisis de su obra
- La obra teórica de Rameau frente a la filosofía Cartesiana (francés)
- Bajar CD Les indes galantes (desde: Meeting in music blogspot.com)


Wayne Shorter




WAYNE SHORTER
La viva leyenda del Jazz




Wayne Shorter nació en Newark el 25 de agosto de 1933, EEUU.Tocó el clarinete, pasándose al saxo tenor hacia el final de su adolescencia. Estudió música en la Universidad de New York a mediados de la década de 1950 antes de prestar servicio durante dos años en el ejercito norteamericano. En sus días de estudiante había tocado con varias bandas, incluyendo la que dirigía; Horace Silver, y al ser dado de baja del ejército conoció a John Coltrane y juntos desarrollaron muchos enfoques teóricos sobre la música.
En 1959 ingresó en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, permaneciendo con esa escuela de jazz hasta 1963. Con Blakey grabó mas de veinte álbumes ganándose un merecido prestigio. 1959 fue también el año en el que grabó su primer disco a su nombre, el espléndido "Blues a la Carte" (Affinity, 1959).

Una etapa esencial de su carrera artística fue cuando en 1964 ingresó en el quinteto de Miles Davis, en el que estuvo hasta 1970. Allí coincidió con músicos de altísimo nivel como Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams. Las contribuciones de Shorter fueron muy importantes para el quinteto de Davis, el cual experimentó una expansión en los parámetros jazzisticos muy innovadores, comparables con los cambios acontecidos por el bebop en los años cuarenta.
La influencia de Shorter a su maestro dio frutos en 1968 con la publicación de "Miles in the Sky" y "Filles de Kilimanjaro", que incorporaban elementos a su banda tan comunes en el rock como el teclado, la guitarra y el bajo eléctrico. Al año siguiente, Shorter participaría en el álbum considerado fundacional del jazz eléctrico, también, como no, liderado por Miles Davis, el extraordinario "In a Silent Way" (Columbia, 1969).

Recordando a Wayne Shorter con Santana




Fruto de esa extraordinaria colaboración con Miles, el selecto sello "Blue Note", le abrió las puertas y comenzó una relación musical entre ambos extraordinariamente fructífera para el jazz.
El debut de Shorter en ese sello fue en 1964, y no pudo ser mas extraordinario. El saxofonista, debutó con toda una obra maestra absoluta del jazz de todos los tiempos. "Speak No Evil" fue el fruto de una logradísima originalidad, de una capacidad creativa magistral y el disco pasó muy pronto a formar parte de la mejor historia de esta música.
A ese disco le siguieron varios mas entre 1965 y 1970 de pareja calidad. En 1970 Wayne Shorter, cubriría otra importantísima etapa en su carrera profesional, cuando formó junto al teclista Joe Zawinul (con el que coincidió en su etapa con Miles) el grupo Weather Report. Este grupo se encargaría de formar un nuevo sonido de jazz-rock, atrayendo a una gran audiencia. Consecuencia de todo esto es la venta en 1978 de más de un millón de copias de su disco "Heavy Weather", que obtuvo cinco nominaciones a los premios Grammy.
Los años con Zawinul ampliaron aun mas el ámbito de Shorter, destacando su apreciación de las formas mas libres y dando rienda suelta a su deleite por el exotismo musical. Si bien el grupo "Weather Report" sentó las bases para muchas bandas de jazz fusión que siguieron, fundamentalmente por el paso de Jaco Pastorius por el mismo, su mayor virtud fue la capacidad del grupo para absorber la calidad individual de sus componentes en beneficio del colectivo. Shorter fue un innovador importante que ejerció gran influencia sobre los músicos de hard bop y de jazz fusión y hoy todavía en activo y con la capacidad creativa intacta, sigue siendo uno de los músicos mas imaginativos dentro del jazz, buscando constantemente nuevos horizontes pero, gracias a sus amplios conocimientos musicales, conservando lazos identificables con el pasado. En este sentido es encomiable la aparición en este tercer milenio de varios y magníficos trabajos que confirman que la fuente creativa de este extraordinario músico no esta todavía agotada.
Info : ApoloyBaco








En el año 2005 durante una visita a Chile, Shorter declaró :


" Estamos tocando sobre lo que refleja lo desconocido y lo inesperado. Es lo que está pasando hoy. Hay tantas sorpresas alrededor del mundo y nuestra música está condicionada por ese factor x de la vida actual. La mayoría de las veces no ensayamos lo que vamos a tocar pues los miembros del grupo viven apartados geográficamente. Alguien está en New York, otro en Massachussets, yo vivo en Florida, y como todos tienen familia, ensayar es un verdadero lujo sin embargo nos hemos dado cuenta de que el hecho de no ensayar nos lleva hacia lugares distintos musicalmente hablando."
El Mercurio:Iñigo Diaz


"Al diablo con las reglas; yo voy a lo desconocido"
Wayne Shorter



Wayne Shorter es indudablemente en estos momentos uno, de los mas prestigiados y reconocido músico de jazz, que habiendo tenido una influencia determinante en la música del jazz, no solo como instrumentista, sino tambien como compositor, aún a la edad de 76 sigue tocando e incursionando un camino musical iniciado por él y cuyo destino el mismo no conoce.


Su música junto a su actual cuarteto compuesto por los destacados músicos: John Patitucci al bajo, Danilo Perez al piano , y Brian Blade a la bateria lo ha llevado a estos inimaginados e increíbles sonidos que solo llegan, para satisfacer la necesidad de conocerlos y encantarse con ellos.
Lucus

Miroslav Vitous



MIROSLAV   LADISLAV     VITOUS 




"Soy un músico eslavo y eso está profundamente arraigado dentro de mi "


Miroslav Vitous,bajista y músico de jazz, nació un 6 de diciembre de 1947 en Praga, República Checa.


Desde muy pequeño comenzó a estudiar instrumentos musicales; primero el violín a la edad de 6 años , luego el piano a los 10 y, a partir de los 14 comenzó a tocar el bajo, el instrumento que le daría mas satisfacciones y el importante reconocimiento mundial en la música de jazz.

Estudió en el Conservatorio de Música de Praga y formó su propio conjunto con su hermano Alan Vitous, quien la tocaba batería., y el amigo de ambos llamado Ian Hammer que tocaba el piano, convirtiéndose este también un célebre músico.

En 1966 ganó el primer premio del concurso para músicos noveles en un encuentro internacional en Viena, tiempo después cruzó el atlántico para estudiar jazz en el Instituto “ Berklee College of Music “ de Boston.



Fue miembro fundador del grupo Weather Report y ha tocado con músicos tan importantes como él, entre los que podemos destacar a: Ian Hammer, Chick Corea, Miles Davis, Wayne Shorter, Joe Zawinul y Jan Garbareck


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En 1988 Vitous, volvió a Europa a centrarse en la composición, pero vuelve periódicamente a reencontrarse con su público tocando magistralmente su bajo.



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- Miroslav Vitous Biography
- Discografía Miroslav Vitous





Buxtehude - impulsor de la fuga



DIETRICH BUXTEHUDE.... impulsor de la Fuga


1705 podría haber sido cualquier otro año , pero éste particularmente era de singular importancia para un joven y talentoso músico y gran admirador de Dietrich Buxtehude; (hay que decir de este notable músico, que era el mas influyente de su época y famoso en esa parte de Alemania, cuyo trabajo ya había trascendido las fronteras nacionales, constituyéndose en el máximo representante de la llamada “Escuela organista del norte”).
Asi pues, con sus 20 años a cuestas Johann Sebastian Bach , tomó la firme decisión de ir a verlo a Lübeck y para ello inició el largo trayecto que significaba caminar aproximadamente 300 kilómetros desde Arnstadt - esa pequeña ciudad en la que se desempeñaba como organista - hasta Lübeck lugar en donde residía el respetado maestro quien en el año 1668 fue nombrado organista de Mariankirche. (La iglesia de Santa María).

Había quedado muy impresionado luego que conociera de lejos el trabajo del viejo maestro Buxtehude, quién adquiriera mayor notoriedad cuando decidió instituir los “ Abenmisuken “ , que eran conciertos vespertinos celebrados los días anteriores a la Navidad




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Johann Sebastian Bach llega justo los días previos a estos conciertos de Adviento, sin imaginar que esas pocas semanas de permiso que pidió se transformarían en 4 meses, que aprovecharía estando al lado de Buxtehude para impregnarse de la técnica organística del compositor., sin poder evitar que en el futuro ésta influyera de manera determinante en él.

El renombre de Dietrich Buxtehude era tal que incluso ya en el año 1703, fue visitado por George Frederic Handel. Quién en esa oportunidad rechazara la oferta del cargo que poseía Dietrich y que le ofertara el maestro ante su inminente retiro. , pues ello obligaba al postulante - como decía la tradición - a casarse con la hija del organista. En este caso no muy agraciada.

Puede concluirse que el papel de Dietrich en el ambiente musical de la época fue de un gran aporte a la música barroca, siendo un organista y compositor Alemán de origen Danés que nació en 1637 y falleció en mayo de 1707.

Sus composiciones mas importantes son para órgano, además de música coral, de cámara e instrumental, algunas de ellas descubiertas recién en el siglo pasado; toccatas, chaconas, passacaglia, preludios y las famosas fugas que influyeran valiosamente en J.S. Bach.
Buxtehude tenia además como parte de sus obligaciones, componer también para actos públicos como: funerales y matrimonios.

En relación a su trabajo., existe actualmente un catálogo de las obras de Buxtehude(Buxtehude- Werke – Verzeichnis) creado por Georg Karstädt y publicado en el año 1970.

Este catálogo – abreviado como “BuxWV” tiene un sistema numerado para identificar sus obras, organizado eso sí temáticamente no cronológicamente y contiene 275 piezas individuales "Thematish Septematischer verzeichnis der musikalischen werke von Dietrich Buxtehude".

Después de conocer algo de la obra de Dietrich Buxtehude no queda otra cosa que pensar que la hermosura de su trabajo para órgano indudablemente se traspasó a Johann Sebastian Bach para gran complacencia de todos los que amamos la música barroca.

Una de sus obras mas conocidas es "Membra Jesu Nostri " (BuxWV 75), que son breves cantatas en latín en que se medita sobre las partes del cuerpo del Cristo Crucificado.


MEMBRA JESU NOSTRI

Consta de siete partes :


I.   Ad Pedes
II.  Ad Genua
III. Ad Manus
IV. Ad latus
V.  Ad Pectus
VI. Ad Cor
VII. Ad Facien





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- Extensa Biografía Dietrich Buxtehude ( Goldbergweb )
- Listado Obras de Buxtehude
- Partituras gratis





Aria para la cuerda Sol



ARIA para la cuerda SOL




La Suite en Re mayor - BWV 1068, es una de las cuatro Suites orquestales llamadas también Oberturas, que junto a las otras: BWV 1066, 1067 y 1069 que Johann Sebastian Bach compuso, pertenecen a las principales formas instrumentales barrocas.


Generalmente escrita para un instrumento solista o para orquesta, tiene su origen en la práctica renacentista de agrupar danzas nacionales de Francia, Italia o Alemania.



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A lo largo del Renacimiento y del barroco estas danzas se van haciendo mas y mas estilizadas, no obstante ello, conservan sus patrones rítmico - métricos, además del carácter de ser danzas originarias de un lugar determinado que muestra su verdadera idiosincracia.
Y, aunque se transforman con el tiempo en música instrumental, no son concebidas para ser bailadas.


Concretamente estas oberturas escritas por Bach indudablemente siguen el patrón de la Overture francesa desarrollada por Jean Baptiste Lully, que basicamente tenía dos partes; la primera lenta y estática y la segunda rápida y con muchos detalles contrapuntísticos.

Pero la Suite N° 3 - BWV 1068; que consta de los movimientos: Ouverture, Air, Gavotte I/II, Bourreé y Giga; es mas conocida por su segundo movimiento; qué pienso, representa lo mas hermoso y profundo que el espíritu de la creatividad de Johann Sebastian Bach le haya revelado.



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Se le conoce también por “Aria para la cuerda sol” puesto que se ejecuta completamente en la cuarta cuerda del violín, y debe su nombre al famoso violinista que hizo una transcripción para violín y piano, August Wilhelmj


La Obertura o suite N° 3 en Re Mayor, BWV 1068, se inicia con un movimiento lento, de una solemnidad tal que obliga una atención total.



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Continua en la forma de fuga, bastante agitada y terminando con la tranquilidad que se inició.


El segundo movimiento de la Obertura como decía antes, es la más hermosa, que se distingue porque es ejecutada solamente por las cuerdas; en la versión original. Aquí los primeros violines llevan la hermosa melodía llegando al punto de entrecruzarse magistralmente con la viola. Donde cada movimiento ejecutado por un instrumento pareciera ser la respuesta del otro, logrando una refinada e insuperable Aria.



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Luego tenemos las gavotas I y II plenas de gracia; continuando con una Bourre con la vivacidad y alegría que es característica de esta antigua danza francesa.


Finalmente esta Suite termina con una antigua y estremecida danza inglesa, la Giga.




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- "Vida y Obra de Bach" de Darío Valencia R. (completísima aproximación)





I  CASTRATI…..¿ peccato mortale?


A mi parecer no hay justificación para semejante acción que al parecer en aquella época era algo que no llamaba mayormente la atención; a pesar del hecho que significaba para los niños la grave mutilación sufrida.

Aparentemente estaba plenamente justificado, porque por un lado la Iglesia católica de esta manera satisfacía los requisitos de su liturgia y por otro lado la necesidad de muchos padres que llegaron a estos extremos con el fin de salir de la pobreza, desgraciadamente solo algunos pocos lo consiguieron, porque la gran mayoría no alcanzó la fama y riqueza que tanto ansiaban .


Doblado por la soprano Ewa Malas-Godlewska

En realidad la tradición de los castrati es de antigua data y se pierde en el tiempo, pudiendo encontrar algunos ejemplos en el siglo XII cuando en el Imperio Bizantino se usaban algunos eunucos para ejecutar algunas composiciones musicales.

Durante el papado de Paulo IV (1555-1559) se expidió una bula que prohibió a las mujeres cantar en los templos católicos, entonces surgió la necesidad de formar coros estrictamente varoniles. Por esta razón se recurrió a la castración de los varones pre -púberes, quienes conservaron la voz atiplada de la niñez. Y de esta forma contar con voces blancas.

Esta prohibición se originaba en la interpretación literal de un texto del Nuevo Testamento, que relegaba a las mujeres a un papel completamente pasivo en la liturgia católica.

“Mulieres in ecclesiis taceant non enim permittitur eis loqui sed súbditas ese sicut et lex dicit”

“Que las mujeres callen en las congregaciones, pues en efecto no les está permitido hablar sino que sean sumisas, tal y como la ley dice.”

Epístola de San Pablo a los Corintios, 14:34

Así es como tiempo después la medida se extendió también a los teatros de los estados pontificios donde se consideró inadmisible la presencia de mujeres en los escenarios y así muchos de estos notables cantantes de voz angelical logran la admiración del público y colosales fortunas personales, interpretando según sea el caso, tanto los roles masculinos como femeninos.



Debido a las particularidades específicas de la voz de los castrati, se introdujeron en las composiciones piezas pensadas únicamente para sus voces.

Perfíl de Algunos Castrati famosos:

Baldassare Ferri : (1610-1680)
Nacidoen Bolonia, ciudad que produjo numerosos cantantes de su tipo, Ferri fue el primero de los grandes castrati del siglo XVIII. Las crónicas tetimonian su poderoso registro de soprano y la pureza y amplitud de su voz.

Giovanni Carestini - Cusanino (1705-1760)
Admirado como expléndido soprano, desde su debut en Roma a la temprana edad de 16 años incorporando la Griselda de Buononcini, Cusanino cambió su registro a medida que maduraba hasta convertirseen uno de los mas extaordinarios contraltos del sigloXVIII.

Carlo Broschi - Farinelli (1705-1782)
El mas célebre de los Castrati, formado por el notable maestro Porpora, Farinelli logró una fama tan extraordinaria debido a su asombroso talento que fue idolatrado por quienes le escucharon. Dotado de cultura, simpatía y distinción, tuvo la amistad y protección de Reyes, Emperadores y hasta del mismo Papa.
De Farinelli se dice que la extensión natural de su voz superaba las tres octavas, además podía sostener un sonido durante ,as de un minuto ampliando y disminuyendo el volumen a voluntad, y en una aria especialmente escrita para él , por su hermano, realizaba vocalizaciones durante 14 compases con una sola toma de aire.

Gaetano Majorano - caffarelli (1710-1783)
Tomó su apodo de su admirado protector Doménico Caffarelli quién le facilitó los estudios de canto con Nicol Porpora, acaso el maestro vocal mas célebre de la primera mitad del siglo XVIII. Desde sus incios en Roma, a los catorce años, la facilidad que demostró para sostener interminablemente las notas agudas y la proezas que realizaba contrinos y otras florituras le granjearon una desmedida admiración.

Alessandro Moresschi (1858-1922)
El último de los castrati en el siglo XX, quien se retiró en 1913 siendo el único que pudo dejar testimonio de su voz para la posteridad en grabaciones realizadas en 1902 y 1904.
En ellas se puede apreciar una tesitura de soprano con unos apuntes muy altos que se convierten en únicos, teniendo en consideración que este ultimo castrato no haya podido contar con las técnicas ni educación vocal con que contaron los otros de épocas anteriores.
Solo existe un registro grabado de un castrado y es precisamente de Alessandro Moreschi, el último castrado del coro Papal.
Moreschi grabó para Gramophone & Typewriter Co.

Agradecimientos a : Canal de othman99 - youtube





Otros castrati conocidos

Antonio María Bernacchi (1685-1756)
Gaetano Guadagni (1725-1792)
Gasparo Pacchierotti (1740-1821)
Girólamo Crescentini (1762-1848)
Giambattista Velluti (1781-1861)
Francesco Bernardi Sanesino (1685-1759)
Luigi Marchese (1754-1829)
Giovanni Cesari (1843-1904)

Finalmente esta caracteristica de los coros pontificios termina en teoría alrededor del año 1861, ya que la Iglesia dejará paulatinamente de solicitar castrati en sus coros sixtinos , y en 1902 el Papa león XIII prohíbe definitivamente que canten en el coro, que era realmente el último lugar en que se escuchaban tales voces.

INFO : Wikipedia; revista Kasbah, revista Kindsein

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- Castrados por amor al arte completo artículo




J. S.  BACH



Suite N° 1 para violoncelo solo en sol mayor BWV 1007
  

A veces se dan las circunstancias mas increíbles; que dan lugar, en este caso a un hecho de trascendental importancia; cosa que en principio no le pareció a Pau la relevancia que tendría   este hallazgo.

Es que a los 13 años, a él solo le interesaba jugar y estudiar su querido violoncelo y de vez en cuando recorrer las viejas tiendas de música de Barcelona de 1890, en donde le gustaba  hurgar ; entre tantos viejos papeles.



En uno de esos acostumbrados y excitantes viajes en que se sumergía en antiguas partituras, divisó y llamó su atención que en un inaccesible rincón, se encontraba un legajo  lleno del polvo acumulado producto de los años.

Pablo sacude el polvo y lee, “ Seis suites para violoncelo solo, de Johann Sebastián Bach" ;  una extraña sensación le recorrió el cuerpo, le vino a la memoria las conversaciones  que tenía,en lo que a música se refería con su maestro y por mas que trataba de encontrar ese título en su memoria no aparecía; concluyó entonces que nunca le habló de esas suites.

Una vez repuesto de su sorpresa decidió que esas partituras debían ser suyas, corrió hacia casa para convencer a su padre  que le compre dichas partituras.  Después de unos momentos le convence y la adquieren por una modesta suma de dinero.

El pequeño Pablo y el señor Casals, su padre,salen de la tienda sin imaginar jamas que con los años este mismo niño sería un destacado violoncelista de fama mundial y quien después de un acucioso estudio interpretara las 6 suites en público por primera vez, mostrándola al mundo para su consagración definitiva.


De esta singular manera salieron  a la luz las  "Seis  suites para violoncelo solo" que creara el grandioso Johann Sebastian Bach, compuestas aproximadamente entre 1717 y 1723 cuando Bach era Maestro de Capilla en Cöthen.


En los videos siguientes la Suite N° 1 para violoncello solo BWV 1007 en sol mayor, interpretado por Mischa Maisky
Preludio



En cuanto a  las 6 Suites, según los entendidos musicólogos;  opinan que  gracias a una sofisticada escritura melódica y a un hábil manejo de los recursos del violocelo, Bach logra establecer la sensación de una textura polifónica y sugerir claramente una progresión armónica sin necesidad de emplear un instrumento acompañante.
Allemagne



Desde el punto de vista estructural, las Suites corresponden a la forma de suite de danzas, en esta se recogen danzas originarias de diversos países (Allemagne de Alemania, Courante de Francia e Italia, Sarabande o Zarabanda, danza Española proveniente de América, Minuet de Francia y Gigue de Inglaterra) y se adaptan al lenguaje instrumental.

Courante



En el caso de las Suites para violoncelo, los movimientos correspondientes a las danzas siempre están precedidos de un preludio que en opinión de Karl Geiringer - compositor y musicólogo -, se constituye en el movimiento mas importante de la serie.
Sarabande



Menuet



Gigue



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