Telemann - Concierto para trompeta en Re mayor



TELEMANN Georg Philipp 
Concierto para trompeta en re mayor, 
TWV 51:D7


Georg Philipp Telemann


Este concierto para trompeta, dos violines y bajo continuo tiene los tradicionales cuatro movimientos basado en la forma de sonata barroca de iglesia, un movimiento lento que conduce a uno rápido, seguido de un movimiento lento adicional y un movimiento final rápido.

LOS MOVIMIENTOS

 Adagio
II  Allegro
III Grave
IV Allegro

En el primer movimiento la melodía se confía a la trompeta, distribuyendo de manera equitativa parte del material melódico en el segundo y cuarto movimiento.


Agradecimientos a Canal de: GulianoSommerhalder - youtube





COMENTARIO

Concierto para trompeta, cuerdas y continuo en Re mayor; Twv 51:D7  -  AllMusic 
por: Blair Johnstar

Compuesto en algún momento entre 1710 y 1720 ciertamente antes de que el compositor se cambiara a Hamburgo en 1721 para asumir los deberes de director musical de las cinco iglesias más grandes de ésta última ciudad, el único concierto para trompeta de Georg Philipp Telemann, el concierto en re mayor para trompeta, violines y bajo continuo, es una pieza brillante de siete u ocho minutos. 
Es uno de los primeros conciertos de trompeta para solista por un compositor alemán; de hechos algunos estudiosos creen que incluso puede ser el primer trabajo de este tipo.
La sonata da Chiesa, con su plan de cuatro movimientos, lento-rápido-lento-rápido, es el modelo que Telemann usa para el concierto. 
En comparación con parte de  la música escrita para trompeta solista hoy en día, el concierto de Telemann puede no parecer particularmente exigente o llamativo; pero se debe tener en cuenta que el instrumento solista de Telemann no era la fácil trompeta de válvula moderna, sino más bien la trompeta barroca sin válvula y  más larga, un instrumento con una selección comparativamente limitada de los tonos listos (esencialmente la serie armónica) . 
Entonces, si bien la trompeta realmente ocupa un lugar central en el Adagio de apertura, ni siquiera permite que los violines tomen algo ni siguiera remotamente parecido a una melodía, se ve obligada a hacer pausas frecuentes durante el siguiente Allegro, en el que la música crece más rápido y más agotadora (felizmente, estas pausas encajan bien  con la forma ritornello general del movimiento); los violines aprovechan estas oportunidades para captar el tema. 
El tercer movimiento, un grave en si menor, es solo para los violines y el bajo continuo. Después de descansar un movimiento la trompeta regresa, brillante y alegre, en el final del Allegro.

Fuente: AllMusic



BIOGRAFIA:
Georg Philipp Telemann
Klassic Heute

14.03.1681 Magdeburgo
26.06.1767 Hamburgo

El 25 de junio, hace 250 años, un “gran maestro” de la música alemana murió con Georg Philipp Telemann. Durante su vida, fue considerado no solo en Alemania, sino en toda Europa como “el” maestro por excelencia. 

El hijo de un pastor nació el 14 de marzo de 1681 en Magdeburgo e inicialmente estudio derecho y filosofía en Leipzig. En Halle, conoció a Handel, de 16 años e hizo amistad de por vida con él. Pronto Telemann dio forma a la vida musical de la ciudad: fundó una orquesta amateur estudiantil, el “ Collegium Musicum”, con la que dio conciertos públicos y no solo dirigió actuaciones de la ópera, sino que también fue el principal compositor. 

En 1704 se convirtió en director musical en la Neukirche, la entonces iglesia universitaria de la ciudad. El mismo año se hizo cargo de la Hofkapellmeisterstelle en Sorau. Se mudó a Eisenach en 1708 y fue a Frankfurt/M. como director musical de la ciudad en 1712. 

En 1721 finalmente ingreso a Hamburgo como cantor y director de música de la iglesia de las cinco iglesias principales. Rechazó una llamada al director del coro, pero el ayuntamiento tuvo que “aguantar a Johann Sebastian Bach”. 
Telemann también era amigo de Bach, el hijo de Bach Carl Philipp Emanuel, era incluso el ahijado de Telemann. 

En Hamburgo, Telemann fue el primero en lanzar conciertos públicos regulares que fueron bien recibidos desde el principio. Su productividad incluso supera las de Bach y Handel: como él mismo dijo con humor, “tiene una melodía bastante deteriorada” de alrededor de 700 arias y 600 conciertos para cualquier instrumentación, más de 40 óperas y 46 pasiones. 

Todos los géneros de música instrumental están representados en su extensa obra, así como cantatas, oratorios y óperas. Solo hay alrededor de 1000 suites orquestales y más de 23 cantatas. Además, grabó una gran cantidad de sus obras en peltre con su propia mano y las  editó el mismo. 

Con todo el éxito no se libró  de los golpes del destino personal. Su primera esposa murió dos años después del matrimonio después del parto, su segunda esposa, con quien tuvo nueve hijos, lo llevó al juego secreto al borde de la bancarrota. Sin embargo, Telemann siempre mantuvo su forma social amable: donde actuaba, se paraba en el centro, era músico, compositor y organizador todo en uno. 

Después de su muerte, Telemann fue considerado durante mucho tiempo  como “el escritor  prolífico” y compositor de uso típico. El renacimiento de Telemann en el siglo XX devolvió a la vida una gran cantidad de sus obras y demostró que era un vínculo importante entre el alto barroco y el estilo “galante” que preparó la transición a la música clásica. 

Desde 1944 se ha publicado una edición completa de Telemann.

Fuente: Klassic Heute




PÁGINAS de INTERÉS




Arvo Pärt - De Profundis



De Profundis
Arvo Pärt

Desde lo más profundo, te invoco Señor


La música sacra,  probable  para varios no tenga más significado que cualquier otro tipo de música. En el caso personal debo decir que he sentido por ella una tracción importante a lo largo de mi vida en mi calidad de aficionado. Y, en este sentido he buscado dicho género a través de la historia; y con agrado he encontrado una gran vastedad que aún  no logró conocer y creo no conseguiré hacerlo completamente.

Por ejemplo muchos de los más renombrados autores como J.S. Bach –uno de mis favoritos- o Vivaldi; tienen en su repertorio una infinidad de obras de este género. Sin embargo he descubierto hace algunos años a un compositor contemporáneo estonio, que muestra en su música  sacra una profundidad espiritual poco común en estos días.

Me refiero al maestro  Arvo Pärt, este ya famoso músico que nos ha sorprendido trayendo de vuelta el antiguo estilo del canto  gregoriano  con su característica y ortodoxia simpleza, en su estilo muy personal denominado Tintinnabuli , del latín Tintinnabulum – campana o grupo de campanas.

Con anterioridad he subido algunos post de su música para orquesta, pero en esta oportunidad  mostraré una obra de música coral cuyo nombre es “De profundis”. Basado en el salmo N° 130.

Esta composición coral escrita en latín en el año 1980 es para un coro de hombres para 4 voces (TTBB) con acompañamiento de percusión y órgano. Fue interpretada por primera vez en la Martinskirche, en Kassel el 25 de abril de 1981. Fue publicado  por Universal Edition. Y, en el año 2008 Pärt lo arregló para orquesta de cámara.


Agradecimientos a Canal de: Jean-Louis Gosselin - youtube




De Profundis 
Salmo 130 (129)

1 Canto de peregrinación
Desde lo más profundo te invoco, Señor,
2. ¡Señor, oye mi voz!
Estén tus oídos atentos
Al clamor de mi plegaria.
3. Si tienes en cuenta la culpas, Señor,
¿quién podrá subsistir?
4. Pero en ti se encuentra el perdón,
Para que seas temido
5. Mi alma espera en el Señor,
Y yo confío en su palabra.
6. Mi alma espera al Señor,
Más que el centinela la aurora.
Como el centinela espera  la aurora,
7. espera Israel al Señor,
Porque en él se encuentra la misericordia
Y la redención en abundancia:
8. él redimirá a Israel
De todos sus pecados.
COMENTARIOS

De Profundis (Pärt) - All Music.
Comentario de: Glenn Swan

Una cita del compositor abre las notas
La voz humana es el instrumento más perfecto de todos
Escritas solo para coro en el estilo de su invención Tintinannbuli. La estructura principal proviene de las tríadas tonales que mantienen sus posiciones y modulan, de una manera no muy diferente a la música medieval. En consecuencia este trabajo tiene un significado histórico desde el siglo IV.
“De Profundis” salmo 129 se construye con un retumbar de voces masculinas que asciende piadosamente con el apoyo adicional de Christopher Bowers-Broadbent en el órgano, y Dan Kennedy en la percusión.

Arvo Pärt - Musicolog
Comentario de: Mark Stryker

El compositor estonio De Profundis, Arvo Pärt, durante mucho tiempo un favorito de culto, está encontrando rápidamente una gran popularidad. Es fácil escuchar por su   profundidad espiritual, las tríadas simples y el minimalismo estético de su música coral arroja un salvavidas a las almas que se ahogan en medio del ritmo frenético y el comercialismo de la vida moderna. Cualquier persona emocionada por los monjes que encabezan las listas cantando cantos gregorianos o por la “tercera sinfonía” más vendida de Henrik Goreki debería probar esta nueva encuesta de las obras sagradas meticulosamente elaboradas de Pärt. Los sonidos y actuaciones son espectaculares.
Si encuentro que la repetición y los matices místicos de la música son menos apasionados y reconfortantes que simplemente tediosos, bueno, todos tienen derecho a elegir su propio salvador.





Página de Iinterés.



6 Suites Francesas de J.S.Bach




BACH 
6 Suites Francesas


Suites Francesas  
BWV  812/817


Estas suites desde la BWV 812 a la BWV 817 son un grupo de seis suites para clavecín de Juan Sebastian Bach  compuestas entre 1722 y 1725.
Historia.
Recibieron el nombre de “francesas” mucho después de ser compuestas. El primero que las llamó así (registrado documentalmente ) fue Friedrich fue Wilheim en 1762 como una forma de distinguirlas de las “Suites Inglesas”, también llamadas así con posterioridad.
Se dice que la denominación de “Suites Francesas”  fue divulgada por el biógrafo de Bach, Johann Nicolaus Forkel., quien escribió en su biografía en 1802:
“Uno las llama -Suites Francesas- porque están escritas a la manera francesa”.
Sin embargo esta opinión no es acertada, considerando el resto de las suites compuestas por Bach que siguen básicamente la convención italiana en su construcción.
Lamentablemente no ha sobrevivido ningún manuscrito original que pueda considerarse fidedigno de estas suites; la diferencia que presentan entre ellas varía en la ornamentación tanto en tipo como grado.

Fuente: wikipedia

Suites francesas BWV 812 - 817
Agradecimientos a Canal de: anthony223youtube




ANALISIS de cada una: (Link)

- SUITE n° 1  en re menor BWV 812 
1. Allemande 
2. Courante
3. Sarabande
4. Minueto I y II 
5. Gigue

- SUITE n° 2 en do menor BWV 813 
1. Allemande
2. Courante
3. Sarabande
4. Aire
5. Minueto 
6. Minueto-trio (en BWV 812a)
7. Gigue

- SUITE n° 3 en si menor BWV 814
1. Allemande
2. Courante
3 Sarabande 
4. Angloise 
5. Minueto-trio 
6. Gigue

- SUITE n° 4 en  mi bemol mayor BWV 815
1. Preludio (en BWV 815a) 
2. Allemande
3. Courante
4. Sarabande
5. Gavota 
6. Aire
7. Gavota I
8. Gavota II (en BWV 815a)
9. Minueto

- SUITE n° 5 en sol mayor BWV 816
1. Allemande
2. Courante
3. Sarabande 
4. Gavota 
5. Bourrée 
6. Loure
7. Gigue

- SUITE n° 6  en mi mayor BWV 817
1. Allemande
2. Courante
3. Sarabande
4. Gavota
5. Polonesa
6. Bourrée
7. Minueto
8. Gigue






Suite Francesa N° 1. BWV 812
Agradecimientos a Canal de: harpsichordVal - youtube


Comentario:

Comentario para Suite francesa, para clavecín N° 1 en Re menor BWV 812 
By: Blair Johnston

Las 6 “Suites Francesas” de J.S. Bach para clave, BWV 812 - 817 no son en verdad, más francesas en diseño que sus “Suites Inglesas”, BWV 806 -811. Si bien existe la posibilidad de que una asociación extra-musical haya influido para la adopción de ese título.

El nombre probablemente sea una particularidad en la historia de la música. En realidad las formas de estas suites son bastante alemanas en su conjunto, y no muestran más influencia internacional, sea esta: francesa, italiana o de otro tipo, que la mayor parte de la música cosmopolita de clavecín de Bach.

La primera de ellas, la suite francesa N° 1 en Re menor, BWV 812, se encontraba ubicado inicialmente junto a cuatro de las otras suites francesas en el Clavierbüchlei  (1722)   del compositor, para Anna Magdalena Bach.

El BWV 812 es una pieza en seis movimientos, cada uno de los cuales comienzan y terminan en la trama de clave de Re menor. El trio de apertura habitual de allemande/courante/sarabande está presente.

El allemande es el ensayo habitual, serio y estable en dos mitades; El courante es del tipo francés en lugar del italiano más rápido como lo indica la elección de 3/2 en lugar de ¾ de metro (se podría señalar que el uso de Bach de las especies del courante francés no es en absoluto exclusivo de la suite francesas); y el sarabande es un ejemplo particularmente denso, y sin los adornos de su clase, en comparación con las de la suites N° 2,3 y 5: Un par de minuetos, muy posiblemente destinados a ser tocado como un solo movimiento da capo de tres partes, lleva la serie cuatro y cinco llenando un espacio y una fugal gigue en tres voces compensa la sencillez del sarabande al ser la más ornamentada de todas las gigues de la suite francesa. Aquí uno debe ciertamente  percibir que Bach estuviera emulando modelos franceses de gigue.

Fuente: AllMusic
 

Páginas de interés:





De "Simple acoustic trio" a la consolidación de "Marcin Wasilewski trio".




Marcin Wasilewski Trio

El trio es una de las más brillantes estrellas de la escena del jazz polaco; reconocido por su talento único mezclando la tradición  con el sonido contemporáneo.


Marcin Wasilewski trio se compone de.

- Slawomir Kurkiewicz    (nacido 1975)  al bajo
- Mical Miskiewicz          (nacido 1977)   a la batería
- Marcin Wasilewski        (nacido 1975)   al piano



Agradecimientos a Canal de: Magda Turowska - youtube



Wasilewski
Es una de las formaciones de jazz más destacadas del género jazzístico polaco, tanto en su país como en el mundo entero.
En el año 2019 la banda celebrará 25 años siendo un equipo poco común por su inquebrantable cohesión, puesto que han permanecido juntos durante mucho tiempo.

Se iniciaron en el año 1990 como estudiantes en una escuela secundaria de música en Koszalin, bajo el nombre de  “Simple Acoustic trio”.
Su primer disco “Komeda”, salió en 1995 editado por el sello Gowi Records de Cracovia,  que fue un homenaje a la obra de Krzyztof Komeda    (1931-1960), álbum basado en las composiciones de este destacado pianista de jazz polaco.

En una oportunidad Tomasz Stanko se refirió a ellos  como:

“En la historia del Jazz polaco no había un grupo como este”

Stanko y el grupo iniciaron una relación que los llevó a grabar 3 álbumes con el sello ECM.

- Soul of things (2002)
- Suspended night (2004)
- Lontano (2006)

Y, como grupo independiente grabaron

- El álbum trio (2005)
- Enero (2008)
- Faithfull (2011)


 Kurkiewicz

Los tres por el mismo sello ECM, siendo los dos últimos un gran suceso artístico.
Desde sus inicios ha estado construyendo su posición con numerosos premios. Entre ellos, varios premios “Frydeck” de la Academia Polaca de Música. En 2010, Marcin Wasilewski trio ganó la encuesta anual de lectores de la revista especializada “Jazz Forum”, a la mejor formación acústica en Polonia.

Durante los 20 años de su actividad en la escena musical Marcín Wasilewski trio ha participado junto a muchos músicos internacionales, ya sea como trío o Wasilewski personalmente. Siendo indudablemente uno de los mejores exponentes del jazz contemporáneo.
Opiniones:
Miskiewicz

“ Marcin Wasilewski no piensa como otros pianistas de jazz, su base de improvisación, su sentido del espacio musical y sus imágenes auditivas son tan frescas que en principio son misteriosas y luego se vuelven más. Lo mismo se puede decir de su trio junto al bajista Slowomir Kurkiewicz y al baterista Michal Miskiewicz… se necesita valor para que un joven trio cree música con tanta quietud, tanta paciencia. El hecho es que los tres han tocado juntos desde su adolescencia. Es inaudible en la forma en que confían en las epifanías colectivamente”.
Thomas Conrad - Jazz Times





Agradecimientos a canal de: ECM Records - youtube




PAGINAS DE INTERÉS

Le Temple de la Paix - LULLY




Jean Baptiste Lully


Le Temple de la Paix.
Ópera-Ballet 

Hay periodos en la historia de la música que  se destacan más,  sobre otros. A mi parecer y por mi gusto personal, diría que el barroco es uno de ellos.

El período barroco nos entregó músicos tan importantes como Bach, Vivaldi, Händel, Charpentier, Rameau o Lully.

Jean Baptiste Lully
Jean Baptiste  Lully es uno de los más destacados dentro del barroco francés. Nacido en Florencia Italia un 28 de noviembre de 1632,como Giovanni Battista Lulli se trasladó a Francia con solo 10 años. A los 20 años entró al servicio de Luis XIV, como bailarín de ballet y violinista. Posteriormente se convirtió en director de una de las orquestas reales y en 1662 director musical de la familia real.

Compuso varios ballets, en que algunas veces el mismo interpretaba ante el rey. 

A partir de 1664, trabajó regularmente con Molière, con quién creó un nuevo género, la comedia ballet, todo esto sin renunciar al ballet cortesano de manera definitiva.

En cuanto a sus óperas, hay que destacar que éstas revisten un grado de solemnidad y majestuosidad impresionantes, con un énfasis especial en la claridad del texto, hecho que contrasta con el estilo italiano de la ópera de esa época, donde se daba preferencia al lucimiento del cantante: Perseo (1682), Amadís de Gaula (1684) y Acis y Galatea (1686).

En su trayectoria musical, Lully llegó prácticamente a controlar  las artes musicales en Francia,  demostrando la grandeza y teatralidad de la corte de Luis XIV.

Durante 1672 consiguió el puesto de director de la Académie Royale de Musique. Obtuvo también  un título de nobleza y numerosas propiedades en París y sus alrededores.

Sus óperas se basaban en las tragedias clásicas de sus contemporáneos los dramaturgos franceses como : Pierre Corneille y Jean Baptiste Racine. 
Entre sus óperas más destacadas: Cadmo y Hermione (1672), Alcestes (1674); Perseo (1683) y Armida (1686).

Finalmente este destacadísimo integrante del barroco falleció el 22 de marzo de 1687  en la ciudad de París.

Resumiendo, en la obra de Lully predomina los ballets y la música escénica, aunque también escribió obras vocales y música religiosa.

Sin embargo las obras para ballets fueron las favoritas de Lully y ocuparon la mayor parte de su vida artística, desde los 22 años cuando compuso el “Ballet du Temps” en 1654 hasta su último Ballet “Le Temple de la Paix” en 1685, dos años antes de su muerte.


Le temple de la Paix.


Esta Opera-ballet, (LWV 69) tiene seis entradas, con un libreto de Philippe Quinault, fue representada en Fontainebleau delante del Rey el 12 de septiembre de 1685, para celebrar la paz establecida por el tratado de Regensburg, en agosto de 1684, 

En cuanto a la representación misma, muchos de los papeles fueron desempeñados por los nobles de la corte, así como en la primera entrada lo hace la princesa de Conti y en la segunda el conde de Brionne y la duquesa de Bourbon, en la tercera el príncipe d’Enriquemont, en la cuarta la duquesa de Bourbon  y el conde de Brionne, en la quinta la princesa de Conti  y el conde de Brionne, en la sexta la duquesa de Bourbon y la princesa de Conti.

Debido a  una buena recepción, fue representada varias veces el mismo año, especialmente en Fontainebleau y Versailles, y luego en la Academia Real de la música el 20 de octubre de 1685. No hubo representación después, excepto en Lyon en 1685 en la sala Place Bellecour.


Contexto histórico de la obra:

Conviene visualizar  el contexto histórico en que se da la presentación de la obra y decir que Luis XIV  en el deseo de unificar y armonizar la religión de sus súbditos, revocó el Edicto de Nantes el 18 de octubre de 1685, dos días antes de la primera presentación del “Templo de la paz”

Presente durante esta larga estancia, el delfín tomo una parte no insignificante  en el orden de esta obra. Asistió a los ensayos con gran interés y prohibió el acceso a cualquier otra persona. Al igual que su padre, mostró cierto gusto por la música, particularmente con su presencia en los estrenos de Armide y de Arcis y Galatée.


La Escenografía

Jean Bérain estaba a cargo del vestuario y de la escenografía.
El teatro representa un templo rodeado de un paisaje de tierras de cultivos y prados. Las ninfas de este bosque han levantado este templo y celebrarán una fiesta para dedicarla solemnemente a la paz.

 Agradecimientos a Canal de: Le Grand Siècle - youtube



Las  Entradas 

- Primera entrada
Ninfas, pastores y pastoras bailan juntos. Este baile está acompañado por una canción cantada por Amyntas y Menalque.

- Segunda entrada
Una nueva compañía de ninfas y pastores y pastoras vienen bailando en el templo de la paz. Las dos tropas unen sus voces y bailan juntas.
Las ninfas y los pastores y las pastoras se colocan en asientos de hierba alrededor del templo de la Paz y esperan a la gente que debe venir a la fiesta. Daphnis y Silvandre conversando bajo, conversación que involucra una respuesta que les hace levantar la voz. Philene sale del lugar en que se encuentra y viene a escuchar a Silvandre y Daphnis. Las ninfas, los pastores y las pastoras se dividen en dos partes, uno de los cuales proviene del sentimiento de Daphnis (“infeliz un amante fiel”) y el otro de la opinión de Silvander (“Feliz un amante fiel”)
Philene exhorta a las dos partes a encontrar la paz.  Las dos parte están de acuerdo y repiten juntos la palabra que Philene cantó: “El exceso de amor hace un corazón miserable / Un poco de amor es suficiente para ser feliz”.

- Tercera entrada
Los vascos están por delante de los otros pueblos que deben venir al Templo de la Paz, llegan allí bailando a la manera de su país. Sylvie se levanta con preocupación desde el asiento de hierba donde esta sentada, ella se hace a un lado y soñará bajo un follaje espeso. Daphnis esta viendo que Sylvie se aleja de los compañeros de las pastoras y la sigue para contarle sobre el  amor que tiene por ella.  Las ninfas, los pastores y pastoras están interesados en la felicidad de Daphnis y Sylvie, y repiten los versos que este pastor y esta pastora han cantado.

- Cuarta entrada
Un grupo de Pastores y Pastoras vienen a participar en el festival que se realiza frente al templo de la paz. Estos pueblos muestran su alegría bailando y hacen una canción que acompaña su baile, que se proponen evitar los problemas del amor y preservar  siempre la tranquilidad que disfrutan. Silvandre, enamorada de Climene, quiere acercarse a ella para hablarle: Climene huye ansiosamente y parecie enojada contra este pastor; El se sorprende aún más al pensar que fue amado por esta pastora. Las ninfas, los pastores y las pastoras que han sido testigos de la reconciliación entre Silvandre y Climène repiten lo que Silvandre, Climene y Sulvie han cantado juntos.

- Quinta entrada
Los salvajes de las provincias de América que dependen de Francia acuden al Templo de la paz y dan a conocer por sus canciones y bailes el placer que tienen de estar bajo el imperio de un rey potente y glorioso que les hace disfrutar de una feliz tranquilidad.
Lycidas ama a Amaryllis, y aún no se ha atrvido a declararle su amor. Ve con inquietud que Alcippe se sienta cerca de este pastor; el se aparta de otros pastores para soñar en libertad. Y suspirar en secreto. Amaryllis, que ha hecho un dibujo para huir del amor y de preservar siempre  su libertad y su descanso, se aleja de alcipo, que quiere hablar con ella  sobre el amor que él tiene  para ella y se encuentra sin pensar en él, donde se encuentra Lycidas. Los dos pretendientes renuncian a la pastora: “dejemos de amar a una persona insensible”. Los tres personajes finalmente cantan juntos: “Oh, bendita paz, descanza en mi corazó, paz. Oh bendita paz, nunca nos dejes”.

- Secta entrada.
Los pueblos de Africa que recuerdan aún las desgracias que les causó la guerra, acuden al templo de la paz para dar testimonio de la alegría que sienten al experimentar la clemencia del ganador. Y disfrutar del descanso que les dio. Los pueblos de Africa están bailando, y todos los coros se reúnen para cantar la gloria del Rey victorioso, que ha dado paz a tantas naciones diferentes. 




Penderecki - La pasión según Sn. Lucas.



Krzysztof

PENDERECKI
La pasión según San Lucas
Passio et mors domini nostri Jesu Christi secundum Lucam.



El músico polaco Krzysztof Penderecki (1933), compositor y director de orquesta es poseedor de un vasto repertorio de composiciones musicales (link).

Entre las más destacadas se podrían destacar: “Treno a las víctimas de Hiroshima”; “Requiem Polaco” y “La pasión según San Lucas”. 

Es  precisamente esta última obra, materia de nuestro interés en éste post.

Para comenzar, diré que ésta Pasión fue un encargo de la radio de Alemania Occidental (Westdeutschen Rundfunk Orchestra) en el año 1964 como una obra coral, para conmemorar los setecientos años de la consagración de la Catedral de Müster - Alemania.

Fue Pendercki el seleccionado para este proyecto y tituló su obra en latín. Passio et Mors Domini Nostri Jesu Christi Secundum Lucam.

La obra, es un oratorio para coro y una gran orquesta, pero que  excluye  oboe y clarinete, pero incluye saxos, y una gran sección de percusiones.
Este oratorio es casi totalmente atonal  en el cual utiliza técnicas musicales vanguardistas, combinando serialismo, aleatoriedad, polifonía renacentista, canto gregoriano incluyendo técnicas muy poco frecuentes como gritos, risas, silbidos.

Al evangelista lo asume como narrador y se mezclan los dramáticos clamores de Cristo con el grito fanático de la turba, secciones líricas de solistas y contemplativos coros a capella. Resultando en consecuencia  una obra ecléctica.

K. Penderecki
En relación a esta obra,  Penderecki expresó la siguiente: 

“No me importa como la crítica calificará la pasión, si es tradicional o vanguardista. Para mí, es simplemente auténtica. Y eso me basta






DISTRIBUCIÓN

. Un narrador (el evangelista)
. Una solista - soprano (varios papeles)
. Un solista - barítono (Cristo)
. Tres coros mixtos
. Un coro de niños
. Un órgano
. Una gran orquesta







La obra se divide en dos partes:

Parte 1

00:00 : I        “O Crux ave” (Hymn “Vexilla Regis prodeunt”)
05:04 : II       “Et egressus” (St Luke)
06:52 : III      “Deus meus” (PSam 21)
10:44 : IV      “Domine, quis habitabit” (Psalm 14,4 & 15)
15:12 : V       “Adhuc eo loquente” (st. Luke)
17:20 : VI      “Ierusalem” (Lamentation of Jeremiah)
18:45 : VII     “Ut quid, Domine” (Psalm 9)
20:02 : VIII    “Comprehendentes autem eum” (St. Luke)
22:00 : IX       “Iudica me, Deus” (Psalm 42)
23:10 : X        “Et viri, qui tenebant illum” (St Luke)
25:21 : XI       “Ierusalem” (Lamentation of Jeremiah)
26:43 : XII      “Miserere mei, Deus” (Psalm 55)
30:48 : XIII     “Et surgens omnis” (St Luke)

Parte 2

35:12 : XIV    “Et in pulverem” (Psalm 21)
35:53 : XV     “Et baiulans sibi crucem (St. Luke)
36:06 : XVI    “Popule meus” (Improperia)
43:53 : XVII   “Ibi crucifixerunt eum” (St. Luke)
45:39 : XVIII  “Crux fidelis” (Antiphons from “Pange lingua”
50:40 : XIX     “Dividentes vero” (St. Luke)
51:52 : XX      “…in pulverem mortis” (Psalm 21)
57:31 : XXI     “Et stabat populus” (St. Luke)
59:02 : XXII    “Unus autem” (St. Luke)
01:01:06 : XXIII   “Stabant autem luxta crucem” (St. John)
01:02:07 : XXIV   “Stabat mater” (Sequence)
01:09:45 : XXV    “Erat autem fere hora sexta” (St. Luke, St. John)
01:11:11 : XXVI   Alla breve
01:12:16 :XXVII  “In pulverem mortis…In te, Domine, speravi” (Psalm 30)


XII Estación: Cristo muere en la cruz
Autor: Jerzy Duda Gracz