Bárbara Strozzi






BARBARA STROZZI
Venecia 6 agosto 1619 – Padua 11 noviembre 1677





El rol de la mujer siempre ha sido determinante en todo sociedad, a pesar que hay épocas en las que se les dio poca importancia y menor relevancia que las que pudiesen tener. Sin embargo hubieron quienes se destacaron durante el periodo del renacimiento y el barroco algunas, como compositoras y otras como cantantes.

Así, encontramos a Magdalena Casulana (1544 1590); Vittoria Aleotti (1575 1646); Francesca Caccini (1587 1640): Bárbara Strozzi (1619 1677); Isabella Leonarda (1620 1700).
Pero a quien destaco de este significativo grupo, es a ; Barbara Strozzi. Nacida en Italia el 6 de agosto de 1619, según el registro de la iglesia de Santa Sofía en Venecia, su madre fue Isabella Garzoni (apodada la Griegha) y padre desconocido. Fue adoptada por el pestigioso poeta Giulio Strozzi del cual se cree fue su hija ilegítima.

Pero gracias a las inquietudes artísticas que éste tenía y, a que se aseguró que ella tuviera una educación, algo comúnmente rechazado para las mujeres en ese entonces, influyó para que Bárbara pronto alcanzara fama como compositora y cantante.

La verdad es que Bárbara cerca de los 17 años comenzó a hacerse ya un nombre por si misma en el ámbito de la música.




Agradecimientos a : Canal de HellOphanin - youtube

Su obra se concentra en la música profana, madrigales, arias y cantatas.De estas últimas son la mayoría de sus trabajos especialmente para soprano solista y bajo continuo, razón por la que se cree fueron escritas especialmente para ser interpretadas por ella misma.

Cantó en la sala de conciertos de Giulio Strozzi, acompañándose de alguno de los múltiples instrumentos que sabia tocar.

Los textos de sus canciones casi siempre eran de su padre adoptivo y en cuanto a su música está profundamente enraizada en la técnica llamada “segunda práctica” cuyo principal ejemplo es la obra de Claudio Monteverdi, sin embargo sus trabajos presentan mayor énfasis lírico basados posiblemente en la extensión de su propia voz.

En 1644, bárbara publicó su primera obra…… “El primer trabajo que como mujer saco y entrego todo muy osadamente a la luz del día".

Los textos son otra vez de Giulio Strozzi y en el prólogo ella nombra como su profesor a Francesco Cavalli, que además de Claudio Monteverde fue en ese entonces el primer compositor de ópera.

Un lapso de siete años le siguen. Aparecen entonces antiguos trabajos. Este período obedece indudablemente a que en el mismo año de 1644 nació su hija mayor y le siguieron tres niños. El padre de los niños no está registrado, al parecer Strozzi crió a sus hijos sola.

En los años siguientes publicó una significativa cantidad de trabajos, incluyendo nada mas y nada menos que seis volúmenes de cantatas, destacándose precisamente en este género mas que cualquier compositor de esa época. Y, después de 1664 no se escuchó hablar mas de ella hasta su muerte registrada en 1677 en Padua.

En 1737 apareció un libro con el título “ Reuniones de la tarde de los caballeros de la Academia dei Unisoni”; reuniones que eran sostenidas en Venecia en casa de Giulio Strozzi. y dedicado a a la distinguida y renombrada signora Bárbara Strozzi.


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Mwandishi - Herbie Hancock


Mwandis
hi
de:
Herbie Hancock


Este álbum de Hancock , es para mi gusto uno de los mejores , haciéndole avanzar a otra etapa en su larga y exitosa carrera artística e iniciando un nuevo estilo musical.


En el año 1968 luego de grabar “In a silent way” abandona la banda de Miles Davis y al año siguiente lanzaría “Fat Albert Rotunda”, que era un disco de jazz funk eléctrico, con el propósito de ser la banda de sonido del show de “Fat Albert” de Bill Cosby.


Un año mas tarde con un gran sexteto nos mostraría “Mwandishi”; álbum, que además del jazz funk, tiene también otros elementos que mezcla con la música avant-garde y free jazz, emergiendo allí esa música hecha anteriormente con Miles Davis.



You’ ll know when you get there


En este disco, Hancock usa con lúdica actitud los dispositivos de efectos electrónicos, las unidades de reverberación y el trémolo estéreo, consiguiendo despegar en un eléctrico viaje hacia el espacio, tanto interior como exterior.


Este, es el noveno álbum de jazz de Herbie Hancock contiene solo tres pistas y fue grabado en los estudios Van Gelder en Englewood Cliffs, New Jersey; entre el 4 de octubre y el 8 de diciembre y en los estudios de Wally Heider, San Francisco California el 31 de diciembre de 1969.


La primera pista, “Ostinato (Suite for Angela)”, decididamente afro-funk eléctrico, de compás 15/4. Luego el curioso “You’ll know when you get there, en donde Hancock se expresa de forma casi etérea; y el camino silencioso del trombonista Julian Priester influencia sobre “Wandering spirit song” quien finalmente se sumerge en una agitada forma libre.


Eddie Henderson surge aquí como el mejor solista en trompeta, explorando, golpeando, monologando.Bennie Maupin viene del grupo de Lee Morgan para añadir un gimiente clarinete bajo y una reflexiva flauta alto; pero además; el bajo de Buster Williams y Billy Hart con los flexibles tambores impulsan la sección rítmica.
José Chepito Areas (de Santana) se suma también como refuerzo percusivo funky en "Ostinato" junto con el guitarrista Ron Montrose


La empatía colectiva del grupo es notable, y eso que solo había comenzado a sondear el límite exterior de esta extraordinaria música.


Mwandishi es el nombre Swahili de Hancock adoptado a finales de los años 60 y principios de los 70, pero curiosamente los demás miembros del sexteto también adoptaron uno Swahili; fue así como se llamaron:


Buster Williams –al bajo, como: Mchezaji

Billy Hart –a la batería, como:Jabalí

Eddie Henderson – a la trompeta y fiscorno, como: Mganga


Bennie Maupin – al clarinete bajo, flauta y piccolo, como: Mwile

Julian Priest – al trombón tenor, trombón bajo, como: Pepo Mtoto



Además tocaron en este disco


León Chander – a la batería y percusión, como: Ndugu

- Ronnie Montrosa – a la guitarra en “Ostinato (Suite for Angela)



- Chepito, José Areas – con las congas y timbales en “Ostinato (Suite forAngela)






Las pistas



1 “Ostinato (Suite for Angel) – 13:10

2 “You’ ll know when you get there – 10:22

3 “Wandering spirit song”




Wandering spirit song


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- Jazz and electroacustic music, early encounters : The Mwandishi band
- Mwandishi (1970) flac .- Descarga de Vooxi.com



Info: Wikipedia - All the jazz






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MIssae breves - Bach



Missae Breves





Johann Sebastian Bach, es el compositor de grandes obras, como también otras de pequeño formato pero no menos interesante y hermosas. Obras grandiosas como: La pasión según San Mateo o la pasión según San Juan; la Misa en Si menor; los motetes; el clave bien temperado; los seis conciertos brandeburgueses y además pequeños preludios, fantasías para clave y……sus cuatro “Missae brevis” (del latín - misas breves).

La misa en si menor es una de las obras mas conocidas de Bach, sin embargo escribió otras cuatro misas breves, conocidas como breves o misas luteranas; parece ser que estas obras no fueron bien consideradas, ya que Bach recicló por decirlo de alguna manera algunas de sus antiguas obras, para darles forma a estas cuatro hermosas “missae brevis”; sin embargo no era nada extraordinario en ese tiempo, puesto que la copia era un ejercicio común en el renacimiento.

No obstante, la información disponible de estas misas las describe usualmente como “parodias” y al leer esto nos inclinamos a pensar inmediatamente de la palabra parodia, en términos de comedia; pero el uso original de la palabra en música no tenía tales connotaciones. En efecto, parodia fue una técnica común que tenía forma de alabanza.

Las cuatro misas

- Misa en Fa Mayor BWV 233
- Misa en La Mayor BWV 234
- Misa en Sol menor BWV 235
- Misa en Sol Mayor BWV 236

En cuanto a la denominación de, Misas Luteranas; se debería por la utilización del Kyrie y Gloria que fueron usadas muy frecuentemente en la liturgia Luterana, ya que el ritual luterano conserva solo del católico precisamente el “kyrie” y el “gloria”, supliendo las partes restantes con “Gratias”; “Domini filli”; “Domine Deus”; “Qui tollis”; “Quoniam tu solus” o “Cum sancto spiritu”.

Pero ¿porqué?, siendo Bach un ferviente devoto luterano, trabajando en una ciudad luterana para una iglesia luterana y un piadoso compositor de la música sagrada en alemán.…¿porqué estaba escribiendo Misas en latín?.

Se cree que estas misas podrían haber sido compuestas alrededor de 1738-1739 y posiblemente fueron escritas por encargo del Conde Franz Anton von Sporck, un alto comisionado de Bohemia. Se piensa que éstas estaban destinadas para el uso litúrgico, pero no precisamente en Leipzig cuyo uso sería totalmente inadecuado. Estas misas fueron interpretadas al parecer en Lissa, lugar donde el Conde viviera durante mucho tiempo.

En estas cuatro misas que se conservan intactas; cada misa tiene 6 movimientos, el Kyrie un movimiento coral en tres secciones, el Gloria en cinco movimientos. El primero y el último movimiento del Gloria es también coral, ideando tres arias para diferentes tipos de voz.

La música esta basada principalmente en copias de los movimientos de la cantata – obras predilectas de Bach y expresión máxima del protestantismo - Bach cambió ligeramente la música para ajustar las palabras al latín, pero mantuvo la instrumentación original. La apertura del coro de “Es warter alles auf dich”, BWV 187, llegó a ser el movimiento final de la Misa en Sol menor, en “Cum sancto spiritu” ocasionalmente él cambió la parte de una voz y usó un tenor en el “Quoniam” de esa misa, que era una parodia del aria; en este caso de la soprano “Halt ich nur fes tan ihm”, de esa cantata.


Misa en Sol menor
Agradecimientos a : Canal de bachconsort - youtube



El “Kyrie” procede de la cantata BWV 179, el movimiento de la obertura del “Gloria”, viene de la cantata BWV 79; El “Gratias agimus tibi” deriva de la cantata BWV 138 continuando en el “Gloria”, el movimiento “Domine Deus”, también viene de la cantata BWV 79.“Quoniam tu solus sanctus”, como el “Kyrie” de la cantata BWV 179 y el movimiento final del “Gloria”, “Cum sancto spiritu” de la cantata BWV 17


La belleza y la profunda espiritualidad de cada una de sus cuatro misas han confirmado su genialidad como compositor, escribió más de 200 cantatas para la liturgia, muchas de ellas en Leipzig. En 1724 compuso un Sanctus para navidad, el cual integró mas tarde a la Misa en Si menor, compuso una versión del Magníficat en 1723, e hizo una significativa revisión en 1733. En ese mismo año creó una versión del “Kyrie” y “Gloria” para la corte de Dresden, las cuales formarían mas tarde la primera parte de su Misa en Si menor. Además usó tres movimientos del Gloria para componer su cantata “Gloria in excelsis Deo”, BWV 191, posiblemente para una presentación en 1745.


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- Missa brevis
- Misa en sol mayor
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Beethoven, Ludwig, un sordo genial

LUDWIG, UN SORDO GENIAL





Para cualquier persona que pierda la capacidad de oír es un desastre, mas aun si se trata de un músico, por eso parece increíble que parte importante de la hermosa obra de Beethoven fuera compuesta cuando éste ya se encontraba sordo.

Eran tiempos de un Beethoven apesadumbrad
o que confiando en amigos que vivían geográficamente lejos de él, les confesaba su trágica enfermedad.

“…Debes saber que mi facultad mas alta, mi oído, se ha visto grandemente deteriorada…”

carta a Karl Amenda -07/1801.

Y, con cierto grado de conformidad se lamenta de perder su vida social y otras cosas importantes de su vida cotidiana.

“…Por dos años, he evitado casi toda reunión social, porque me es imposible decirle a la gente “hable mas fuerte, estoy sordo”…Si yo perteneciera a cualquier otra profesión esto sería mas fácil, pero en la mía el hecho es algo aterrador…”


carta a Franz Gerhard Wegeler 06/1801.

Sin embargo luego de un período de depresión en la que evalúa quitarse la vida, surge aquel que estaba destinado a mostrarnos esa maravillosa obra, cavilando y determinándose en sacar todo su arte, que sabía se encontraba en él.

“…Por supuesto que estoy resuelto a elevarme por sobre cualquier obstáculo, pero ¿como será eso posible?...”

carta a Kart Amenda -07/1801

No obstante con legítima desconfianza y temor, le hace una advertencia a su amigo diciéndole:

“…Te suplico que mantengas un profundo secreto acerca del asunto de mi sordera, no lo confíes a nadie, no importa a quien…”

carta a Kart Amenda -07/1801

En principio, alrededor de 1801,escondió esta cruel enfermedad que iniciaría una larga y penosa carga en su vida. Pero con el tiempo hubo de aceptar esta condición y adaptarse a ella, comunicándose finalmente por medio de sus conocidos “Cuadernos de conversación”.





Diversos audífonos usados por Beethoven


Hay poca certeza acerca de la clasificación médica de su enfermedad al oído; desgraciadamente la autopsia que se le practicó el 27 de marzo de 1827 posterior a su muerte no es concluyente para determinarla, debido al escaso conocimiento y falta de especialistas existentes en esa época.

El 13 de octubre a pedido de la dirección de los “Amigos de la música de Viena”, fueron examinados sus restos comprobando que faltaban ambos huesos temporales, ratificando que el doctor John Wagner en la autopsia había removido parte
del cráneo de Beethoven.

Hay varios estudios posteriores hechos por diferentes médicos que teorizan sobre la enfermedad. Uno de ellos el Doctor Marage que llevó el estudio a una conferencia de la Academia Francesa de ciencia en enero de 1928 y diciembre de 1929. Marage pensaba que la sordera se debía a una labyrinthitis, de origen interno, es decir que tenía una lesión en el oído interno, todo ello apoyado
en las mencionadas cartas que Beethoven envió a amigos y en las cuales describía los síntomas que sentía.

En realidad la enfermedad se inició alrededor de 1796 con sonidos de zumbidos y otro tipo de sonidos, apareciendo la sordera en 1798 y cree el doctor Marage que en 1801 ya había perdido el 60% de su capacidad auditiva y para 1816 ya se encontraba completamente sordo.

Posteriormente el profesor Porot y el Dr. Miermot publican un estudio sobre la sordera de Beethoven en 1986 “Beethoven et les Malentendus”.

Los autores afirman…. nunca sabremos realmente el estado de su osciles pero según lo escrito por Beethoven, las fecha y los síntoma que describe, se pueden hacer las siguientes observaciones: Se trata del comienzo de la sordera en un hombre joven, sin previa inflamación del oído, sin problemas de audición heredados en la familia, una progresiva pérdida de audición más allá de los distintos tratamientos a los que se sometió.

Ambos autores suponen – o bien neuro labyrinthitis, u otospongiose.

Se ha especulado mucho acerca del origen de su enfermedad como, envenenamiento por plomo o a causa de una sífilis. En estudios al cabello se ha encontrado rastros de plomo; no así algún tratamiento que se hubiese hecho para la sífilis, de tal manera que se ha descartado esta última.

El efecto que podría haber tenido la sordera sobre su música es un poco especulativa, pero de algo estoy cierto, me parece que no fue nada normal o corriente puesto que el legado de la genialidad de su obra
, así lo confirma.

Por otra parte es interesante saber cual era la opinión que de él tenían sus contemporáneos;
Y aquí, recurrimos a los “Konversationshefte” - cuadernos de conversaciones, vol. 9, p.290/291; en que su sobrino Karl le expresa lo siguiente:
"Precisamente debido a tu sordera eres famoso. Todos están atónitos, no solo que puedas componer tan bien, sino particularmente que puedas hacerlo a pesar de esa aflicción, si tu me preguntas, yo creo que eso ha contribuido a la originalidad de tus composiciones".

Lamentablemente los cuadernos que eran usados por Beethoven para formular preguntas, usualmente no consignaba las respuestas…pero Karl continúa:
"Sin embargo, yo creo que aún los grandes genios, cuando escuchan algunas composiciones, subconscientemente copian ideas. En tu caso esto no sucede, porque tú tienes que crearlo todo desde tu interior mismo".

Pero a pesar de la convicción de su sobrino Karl sobre cómo elaboraba el maestro su música, hay que pensar también que Beethoven leyó a Handel, Palestrina, Bach y otros, pudiendo perfectamente influenciarse por este medio, debido al conocimiento del valor y sonido de cada nota en el pentagrama, las que podía prácticamente reproducir mentalmente cualquier partitura.

Algunas de las mas conocidas obras fueron compuestas en ese período, La sonata para piano Nro 8, mas conocida como La patética”, o la sonata para piano Nro 14, su famoso “Claro de Luna”, como también la tercera sinfonía, “La heroica”, estrenada en 1805.
Hay que destacar otras composiciones de ese período como: La quinta sinfonía, la obertura Coriolano y en 1814 terminó la séptima y octava sinfonías, y la novena sinfonía fue terminada en 1823 siendo estrenada el 7 de mayo de 1824, con un éxito total.

Ha pasado muchísimos años en que un hombre superando las limitaciones propias de una agobiante y desgastante enfermedad, supo resurgir desde lo mas profundo de su ser con el convencimiento que debía entregar aún toda aquella bellísima música que hasta el día de hoy continua emocionando los espíritus.

En su Testamento de Heiligenstadt, escrito en el pueblito del mismo nombre en el año 1802, Beethoven vuelca toda su verdad y sentimiento acerca de su estado dándose a conocer como el era realmente y no como muchos le percibían.



Copying Beethoven por anaelmasri



TESTAMENTO DE HEILIGENSTADT


Para mis hermanos Carl y ……(Johann) van Beethoven:

¡Oh, hombres que me juzgáis malevolente, testarudo o misántropo! ¡Cuan equivocados estáis! Desde mi infancia, mi corazón y mi mente estuvieron inclinados hacia el tierno sentimiento de bondad, inclusive me encontré voluntarioso para realizar acciones generosas, pero, reflexionad que hace ya seis años en los que me he visto atacado por una dolencia incurable, agravada por médicos insensatos, estafado año tras año con la esperanza de una recuperación, y finalmente obligado a enfrentar el futuro una enfermedad crónica (cuya cura llevará años, o tal vez sea imposible); nacido con un temperamento ardiente y vivo, hasta inclusive susceptible a las distracciones de la sociedad, fui obligado temprano a aislarme, a vivir en soledad, cuando en algún momento traté de olvidares, oh, cuan duramente fui forzado a reconocer la entonces doblemente realidad de mi sordera, y a un entonces, era para mi, decirles a los hombres, habla mas fuerte!, grita! porque estoy sordo.

¡Ah! Como era posible que yo admitiera tal franqueza en un sentido que en mi debiera ser mas perfecto que en otros, un sentido que una vez poseí en la mas alta perfección, una perfección tal como pocos en mi profesión disfrutan o han disfrutado – Oh, no puedo hacerlo, entonces perdonarme cuando me veáis retirarme cuando yo me mezclaría con vosotros con agrado, mi desgracia es doblemente dolorosa porque forzosamente ocasiona que sea incomprendido, para mi no puede existir la alegría de la compañía humana, ni los refinados diálogos, ni las mutuas confidencias, solo me puedo mezclar con la sociedad un poco cuando las mas grandes necesidades me obligan a hacerlo.

Debo vivir como un exiliado, si me acerco a la gente un ardiente terror se apodera de mi, un miedo de que puedo estar en peligro de que mi condición sea descubierta – así ha sido durante el año pasado que pasé en el campo, ordenado por mi inteligente médico a descansar mi oído tanto como fuera posible, en esto coincidiendo por mi natural disposición, aunque algunas veces quebré la regla, movido por mi instinto sociable, pero que humillación, cuando alguien se paraba a mi lado y escuchaba una flauta a la distancia, y yo no escuchaba nada, o alguien escuchaba cantar a un pastor, y yo otra vez no escuchaba nada, estos incidentes me llevaron al borde de la desesperación, un poco mas y hubiera puesto fin a mi vida – solo el arte me sostuvo, ah, parecía imposible dejar el mundo hasta haber producido todo lo que yo sentía que estaba llamado a producir, y entonces soporté esta existencia miserable – verdaderamente miserable, una naturaleza corporal hipersensible a la que un cambio inesperado puede lanzar del mejor al peor estado – Paciencia – Esta dicho que ahora debo elegirla para que me guíe, así lo he hecho, espero que mi determinación permanecerá firme para soportar hasta que a las inexorables parcas les plazca cortar el hilo, tal vez mejoraré, tal vez no, estoy preparado.

Forzado ya a mis 28 años a volverme un filósofo, oh, no es fácil, y menos fácil para el artista que para otros – Ser Divino, Tú que miráis dentro de lo profundo de mi alma, Tú sabes, Tú sabes que el amor al prójimo y el deseo de hacer el bien, habitan allí. Oh, hombres, cuando algún día leáis estas palabras, pensad que habéis sido injustos conmigo, y dejad que se consuele el desventurado al descubrir que hubo alguien semejante a él, que a pesar de todos los obstáculos de la naturaleza, igualmente hizo todo lo que estuvo en sus manos para ser aceptado en la superior categoría de los artistas y los hombres dignos.

Ustedes, mis hermanos Carl y ….,tan pronto cuando este muerto, si el Dr. Schmidt aun vive, pídanle en mi nombre que describa mi enfermedad y guarden este documento con la historia de mi enfermedad de modo que en la medida de lo posible, a menos el mundo se reconcilie conmigo después de mi muerte.

Al mismo tiempo los declaro a los dos, como herederos de mi pequeña fortuna (si puede ser llamada de esa forma), divídanla justamente, acéptense y ayúdense uno al otro, cualquier mal que me hayáis hecho, lo sabéis, hace tiempo que fue olvidada. A ti, hermano Carl te doy especialmente las gracias por el afecto que me has demostrado últimamente. Es mi deseo que vuestras vidas sean mejores y mas libres de preocupación que la mía, recomendad la virtud a vuestros hijos, esta solo puede dar felicidad, no el dinero, hablo por experiencia, solo fue la virtud que me sostuvo en el dolor, a esta y a mi arte solamente debo el hecho de no haber acabado mi vida con el suicidio – Adiós, y quiéranse uno al otro – Agradezco a todos mis amigos, particularmente al príncipe Lichnowsky y al profesor Schmidt – Deseo que los instrumentos del Príncipe L, sean conservados por uno de ustedes, pero que no resulte una pelea de este hecho, si pueden serviros de mejor fin, véndanlos, me sentiré contento si puedo seros de ayuda desde la tumba – con alegría me acerco hacia la muerte – si esta llega antes de que tenga la oportunidad artísticas, habrá llegado demasiado temprano, no obstante mi duro destino y probablemente desearé que hubiera llegado mas tarde – pero aun así estaré satisfecho, no me liberará entonces de mi interminable sufrimiento? Vengas cuando vengas, te recibiré con valor – Adiós y no me olvidéis completamente cuando este muerto, merezco ese de ustedes, habiendo yo pensado en mi vida tantas veces acerca de cómo haceros felices, sedlo –

Ludwig san Beethoven
Octubre 6,1802


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Thick as a brick


THICK AS A BRICK




Conocido en castellano como “Grueso como ladrillo”; es un álbum de rock progresivo que se destaca musicalmente entre toda la obra de Ian Anderson, creador y líder del grupo “Jethro Tull”.


Este álbum es bastante singular en el sentido que no está constituido por varias canciones o temas o tracks, pues es un solo tema dividido en las dos caras del formato Long Play., el disco en si es una excelente mezcla de rock, jazz y folk, engalanado con un toque de música medieval inglesa lo que lo hace una maciza pieza musical, pareciéndome que se ajusta perfectamente el título del álbum; “Thick as a brick”.

Este, es de aquellos discos que hace una admirable combinación de instrumentos acústicos y eléctricos, afiatados y ejecutados de tal manera que capturan la atención de principio a fin, sorprendiendo al auditor en cada frase musical que presenta, logrando mantener la atención por 40 minutos aproximadamente, tiempo que dura la obra.


Agradecimientos a : Canal de Nudlaug - youtube

Los músicos que participaron e hicieron posible este magnífico LP (Chrysalis record) del año 1972, fueron:
Ian Anderson en flauta traversa, voz, guitarra acústica, violín, saxofón y trompeta.
Martin Barre en la guitarra eléctrica y laud;
John Evan al piano, órgano Hammond y clave;
Jeffrey Hammond al bajo y acompañamiento vocal;
Barriemore Barlow en percusión y tímpanos

“ Thick as a brick” está basado en un poema que escribiera un niño ficticio llamado Gerald Bostock; figura que aparece en la portada del álbum que esta diseñada como si fuese el periódico de algún pueblo de habla inglesa. No obstante es importante mencionar que el poema aludido, realmente fue escrito por Ian Anderson a pesar que Anderson comparte su autoría en el reverso del disco como:

Written by Ian Anderson & Gerald Bostock.

Este famoso grupo llamado Jethro Tull tiene un largo recorrido en el ambiente musical, iniciado desde el año 1967 debe su nombre a un agrónomo e inventor inglés del siglo XVIII que inventó una máquina para sembrar.

Musicalmente, con el transcurso del tiempo “Jethro Tull” tuvo diferentes integrantes permaneciendo Anderson desde el principio,
cuya magistral ejecución en la flauta traversa le otorga la identidad, pero también lo que define el sonido del grupo son los aportes de John Evan al teclado, David Palmer en los arreglos y Barriemore Barlow en la percusión.

“This was”, “Aqualung”, “A passión play” y por supuesto “Thick as a brick”, así como muchos otros éxitos de esta famosa banda de origen escocés, que desde su inicio ha vendido mas de 80 millon
es de copias de sus mas de 30 álbumes se ha destacado por ser uno de los grupos con mayores ventas de la historia del rock.

Sin embargo debo enfatizar que “Grueso como ladrillo” ha sido y será
la creación más hermosa que haya compuesto Ian Anderson.


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-Jethro Tull
- Coleccionando a Jethro
- Lista letras temas Jethro (inglés)






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Frank Zappa






Si algo se llama originalidad en música, debería llamarse Frank Zappa, pero claro, como todo en la vida siempre las influencias son importantes y en este caso no podía estar ajena.



Agradecimientos a : Canal de vv0422- youtubehttp://www.youtube.com/user/vv0422?feature=watch

Grandes músicos como: Stockhausen, Varese, así como también el famoso Igor Stravinsky fueron los referentes que marcarían a este multifacético músico; compositor, guitarrista, productor de discos y también director de cine. Que en una trunca carrera que duró 30 años compuso música de variados estilos como rock, jazz, música clásica y música concreta construyendo un nuevo género musical debido a la inexistencia o precedencia de algo similar, constituyéndose en originales melodías apreciadas solo por algunos en su época.


Fue un compositor autodidacta, con solo un pequeño curso de armonía; pero en general su desconocimiento o mejor dicho su informal formación musical fue quizás lo que le permitió su genial originalidad.




“Como no tuve ningún tipo de formación, para mi no había ninguna diferencia entre escuchar Lightnin`Slim, o un grupo vocal llamado Jewels…, o Webern o Varese, o Stravinsky. Para mi todo era buena música”


Norteamericano, nacido en Baltimore en 1940, fue un músico prolífico, con más de 60 discos editados por el mismo, revelando una música y letra poco común para esos años, manteniendo durante un tiempo una temática de crítica mordaz y satírica hacia lo político y religioso; erigiéndose como un defensor de la libertad de expresión y contra la censura.




Agradecimientos a : Canal de Gazamatazable - youtube

Frank Vicent Zappa se asomó a la música a través de la batería, instrumento que dejaría tiempo después para dedicarse y consolidarse en la guitarra.
En 1964 formó su primer grupo llamado “Mothers of inventions”, fueron los primeros tiempos de ácida crítica y música experimental, disolviéndose hacia 1970, e iniciando su carrera como solista, trabajando con músicos tan diversos como Jean Luc Ponty, captain Beefheart, Johnny “guitar” Watson y Steve Vai.

El éxito en el aspecto comercial le llegará a principios de los 70 con discos de Jazz-rock llenos de virtuosismo y sarcasmo como “Hot Rats”; en 1971, en una visita al Reino Unido, toca junto a Ringo Starr y Keith Moon, poco después, actúa en directo junto a John Lennon y Yoko Ono en Nueva York.En 1974 sobresale con el álbum “Aphostrophe.

Después del año 79 su producción es variada abarca desde el Jazz-Rock hasta las composiciones de corte clásico. De estas últimas, la primera fue un concierto con la filarmónica de Los Ángeles, dirigida por Zubin Mehta, e interpretando 200 Motels.La música de 200 motels fue compuesta por Zappa en el lapso de cinco años usualmente en habitaciones de moteles entre medio de las giras., título que sería también el de su película.
Y en los 80 paralelamente con su carrera en el jazz-rock y clásico, Zappa comenzaría a experimentar con el Synclavier; sacando los mejores sonidos de uno de los primeros sintetizadores incorporados a la música.

Pero hay que enfatizar que el elemento rítmico de su música que le acompañó durante toda su carrera se originó cuando tenía trece años, momento en que descubrió a Edgard Várese leyendo un artículo sobre “Ionización”.

En 1984 haciendo dudar a sus fans de si no se había vuelto un compositor completamente clásico, Zappa presentó “A perfect stranger”, un disco que contiene tres temas dirigidos por Pierre Boulez al frente de "la Ensemble Intercontemporain" del IRCAM francés. Es el momento de su tercera nominación a los Grammy en la categoría de: “Mejor nueva composición clásica”.

En el año 1993,la Ensembre modern dirigida por Peter Rundel, realizó una gira por las salas de concierto europeas, acompañada solo en algunas ocasiones por Zappa, puesto que se encontraba en la etapa terminal de cáncer a la próstata.
Los conciertos con audiencias que alcanzaban las 2.000 personas fueron todo un éxito. Frank Zappa estaba muy satisfecho y contento afirmando que era la interpretación mas exacta y fiel que de su música se había hecho.

Lamentablemente moriría unos pocos meses después en diciembre de 1993 los 52 años, siendo sepultado en el Westwood Village Memorial Park Cemetery, en Westwood California.



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- Biografia de Frank Zappa
- Anexo discografia de Frank Zappa
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John Patitucci, One more angel



John Patitucci


 One More Angel

De todos los discos que Patitucci ha grabado, hay uno que tiene especial interés para mí. El álbum " One More Angel " y de éste, tres  entre los 10 tracks del disco. Ellos son:  Arrival; On The Hudson y San Michel.

1.- Arrival

2.- On the Hudson

 3.- San Michel


Esto, porque tienen mucho del espíritu y sabor de la música clásica, con esto no quiero decir de ninguna manera que el resto sea malo, solo que no puedo dejar de destacar estas hermosas piezas.
Los temas del disco son todos compuestos por John Patitucci, excepto el tack número 5 "San Michel", que es una bellísima melodía compuesta por Alan Pascua.
El disco fue lanzado el 27 de mayo de 1997, del sello discográfico Concorde Jazz.

 Los Músicos:

- Paul Motian : Batería- Alan Pascua : Piano
- Chris Potter : Saxo (tenor)
- Steve Tavaglione : Saxo (soprano)
- Thomas Patitucci : Guitarra acústica
- John Beasley : Sintetizador, piano
- Michael Brecker : saxo (tenor)
- John Patitucci : Productor, guitarra, bajo, pícolo, bajo acúst.
- Sachi Patitucci : Cello





Los Tracks:

01.- Quasimodo
02.- Arrival
03.- On The Hudson
04.- Sachi's  eyes
05.- San Michel
06.- One More Angel
07.- Romance
08.- Snowbound
09.- Notre Dame (Cathedral)
10.- Beloved


Y, como siempre Patitucci muestra claramente las habilidades propias de un maestro del bajo, ejecutando el instrumento con la necesaria energía, pero diluyéndola hasta convertirla en un sutíl sonido cuando la fuerza interna que le conduce, le dicta ese magnífico sonido.
Pero su biografía habla mejor de su recorrido por la escena jazzistica  y sus éxitos.


Nacido en 1959 en Nueva York, John Patitucci empezó tocando el bajo eléctrico a los 10 años, empezando a componer y actuar poco tiempo después. Amplió sus habilidades al bajo acústico en mitad de su adolescencia, aprendiendo también piano. Habiendo estudiado bajo clásico en universidades de California, trabajó como músico de estudio y artista de jazz por la zona de Los Ángeles durante los 80, grabando y actuando con grandes artistas tan diversos como B. B. King, Dizzy Gillespie, Bon Jovi, Stan Getz, Sting y Astrud Gilberto, y trabajando también para reconocidos compositores cinematográficos como Jerry Goldsmith y John Williams.
La unión con la Elektric and Akoustic Bands de Chick Corea en 1985 le pusieron a la vanguardia del mundo del jazz. Sus aclamados discos solistas y grabaciones con Corea le permitieron ganar dos premios Grammy y tener hasta ocho nominaciones. Su primer álbum, titulado sencillamente: "John Patitucci", alcanzó los primeros puestos de las listas Billboard Jazz. Los años 90 fueron particularmente ricos en premios, siendo votado como el mejor bajista de jazz durante cuatro años seguidos, desde el 93 al 96, por la revista Bass Player. John mantiene también estrechos lazos con la enseñanza, incluyendo su relación con el Thelonious Monk Institute of Jazz y como director artístico del Bass Collective, una escuela para bajistas en Nueva York, donde John se desplazó en 1996.
Aparte de las regulares giras con su grupo, John Patitucci Quartet, se dedica a componer para muchos medios fuera de los convencionales formatos de grupo. En 1994, por ejemplo, fue comisionado para escribir una pieza de bajo eléctrico de seis cuerdas con la orquesta de cámara italiana Suono e Oltre, un trabajo que realizó también después con la New Japan Philharmonic Orchestra en Tokio. Recientemente se ha visto a Patitucci trabajar de nuevo con el legendario Wayne Shorter, así como recorriendo los Estados Unidos como parte de un quinteto de estrellas liderado por Herbie Hancock y contando entre sus miembros con Michael Brecker. Apoloybaco tuvo la fortuna de escuchar a John Patitucci en el año 2000 con motivo del II Seminario de Jazz y Flamenco junto a Gerardo Núñez y Danilo Pérez.






Franz Xaver Richter




FRANZ XAVER RICHTER


Richter, es quizás uno de los buenos músicos que ha sido algo olvidado por los estudiosos de nuestra època.

Franz xaver Richter, tambien llamado en Francia como Francois Xavier Richter, nació un primero de diciembre de 1709 en Holesov, Moravia (hoy día República Checa).

Este músico, cantante, violinista, compositor, director y teórico musical pasó la primera parte de su vida en Austria y después en Mannheim y Strasburgo, donde fue director musical de la catedral hasta el día de su muerte, el 12 de septiembre de 1789.

En abril de 1740, él fue nombrado vice-maestro de capilla por el príncipe-abad Anselm von Reichlin-Meldegg en la ciudad de Kempten, donde trabajó probablemente en los próximos cinco o seis años.

En 1747, se unió a la orquesta de la corte liderada por Johann Stamitz, como violinista, pero su principal obligación era cantar y componer música para la catedral situándose entre los músicos de la corte del Elector Palatino, Carl Theodor en Mannheim.

Pero también logró cierto reconocimiento en Mannheim como compositor de música sacra. En 1748 fue invitado por el Elector para componer un oratorio para el viernes santo. Oratorio llamado “La deposizione Della croce”.

Además Richter se desempeñó como profesor y entre 1761 y 1767. Escribió un método de composición, el cual fue dedicado a Carl Theodor. Este método estaba basado en técnicas de contrapunto escrito por Johann Fux en 1725 “Gradus ad Parnassum.”

Fue un hombre de un período de transición y sus sinfonías en cierta forma constituyen el lazo perdido entre la generación de Bach y Handel y la Viena clásica.

Muchos de los primeros trabajos de Richter, fueron publicados en Londres, incluyendo las sinfonías rococó que incluyen bajo continuo, en los inicios de 1740.

Fue uno de los pocos compositores, como Carl Phillips Emmanuel Bach, cuyo estilo abarca tres diferentes e importantes etapas de la música del siglo XVIII: Barroco, Rococó y Clásico.

De la obra de Richter he seleccionado el concierto para trompeta, cuerdas y bajo continuo en re mayor.

Con sus movimientos
- Allegro
- Andante
- Allegro


Agradecimientos a : Canal de Landereseuss Tonadas  - Youtube




Página de interés

- Biografía de Franz Xaver Richter (Inglés)







Info: Wikipedia.org Classical composers database Biografias y vidas

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Jean Luc Ponty - The Atacama experience



The Atacama Experience



Jean Luc Ponty


Yo diría que hay pocos músicos de la talla de Jean Luc Ponty, que hayan dedicado la portada y el nombre de un álbum de su autoría a una región de nuestro país (Chile) y que lo ubica como un excelente trabajo musical en la escena jazzística mundial.
Se trata del disco; “The Atacama experience” del famoso violinista francés, Jean Luc Ponty.

La historia del álbum es bastante singular y se inicia con la venida a Chile de Ponty al Festival de Jazz de Providencia (en Santiago) en enero de 2006, y cuya presentación fue un éxito.

Después del show, J.L.Ponty, visitó el desierto de Atacama, ante cuya inmensidad y belleza, quedó maravillado, inspirándolo de tal manera que le llevó a crear este álbum.




Paralelo a esta nueva obra que ya había comenzado, siguió viajando por diferentes partes del mundo recorriendo entre los meses de enero de 2006 y febrero de 2007, desde Sudamérica a Europa, Rusia a Venezuela y desde U.S.A. a India, regresando al proyecto del álbum con una actitud fresca, renovada y con nuevas ideas adquiridas en el transcurso de ese tiempo.

Resumiendo se puede decir que “The Atacama Experience”, corresponde a todas las vivencias que Ponty tuvo en sus viajes, concebido así como un viaje musical cuyo comienzo está ambientado en las calles de París (introducción), seguido del resto de las canciones, llevándonos a diferentes lugares, por medio de una variedad de impresiones y emociones, a través del pasado y del presente.





"Los colores de los sonidos evocan perfectamente la mayoría de los cañones del desierto de Atacama en el norte de Chile, que visité después de un show en Santiago".
Jean Luc Ponty


The Atacama Experience




01.- Intro
02.- Parisian thoroughfare
03.- Premonition
04.- Point of no return
05.- Back in the 60’s
06.- Without regrets
07.- Celtic stops
08.- Desert crossing
09.- Last memories of her
10.- The Atacama Experience
11.- On my way to Bombay
12.- Still in love
13.- Euphoria
14.- To end fro



04. Point of No Return by MarioEnriqueL

Los Músicos

  • Jean Luc Ponty : Violín - Teclados
  • William Lacomte : Piano - Teclados
  • Guy N'Sangué : Bajo eléctrico
  • Thierry Arpino : Batería
  • Moustapha Cisse : Percusión

Músicos Invitados

-Allan Holdsworth : Guitarra en "Point of no return"
-Philip Catherine : Guitarra en "Parisian throughfare" y " Still in love"


Páginas de Interés :

- Jean Luc Ponty, Biografía
- Jean Luc Ponty - Sitio oficial
- Bajar "The Atacama Experience"







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