Gloria de Vivaldi




Gloria de Vivaldi 


Esta obra Llamada Gloria en Re Mayor RV 589, mas conocida como el Gloria de Vivaldi, (fechada en 1713) es una obra sinfónico-coral y está basada en el texto litúrgico del Gloria - que forma parte del ordinario de la misa - , Vivaldi tomó el texto con magistral y singular teatralidad, dándole a cada verso su importancia; utilizando para ello todos los efectos necesarios.  Alternando solistas y coro, y utilizando la fuerza de la orquesta para crear un constante contraste de claroscuro entre soli y tutti , es decir entre uno o varios solistas y la orquesta.
 

 Agradecimientos a Canal de  Untrecserv - youtube


Hay numerosas versiones impresas para el Gloria de vivaldi; tres de las mas conocidas son las de Casella editada por Ricordi, la de Malipiero editada también por Ricordi y la de Everett editada por Oxford. Las versiones de Malipiero y Everett son bastante similares que se diferencian principalmente por la reducción del piano en el acompañamiento. Pero, también hay una versión mas reciente, la de Waltons music editado por Martens Mason.

Pero el Cura rojo, como le decían por lo colorin de su pelo, cuya creatividad musical era notable - compuso  mas de 500 concierto, 70 sonatas,45 óperas, además de una extensa cantidad de composiciones de música religiosa - consiguió   sorprendernos gratamente al descubrirse parte de su obra, que había permanecido extraviada.

El primer repertorio coral de Antonio Vivaldi (Venecia 1678-Viena 1741) fue descubierto hace relativo poco tiempo, entre los años 1926 y 1930, y salieron a la luz pública, con el nombre que hoy usualmente se le conoce: “Los manuscritos de Turín”, y contenían mas de 300 obras del “Prete Rosso”.

Una parte de estos documentos se encontraba en un convento de clausura, y el resto estaba en manos de un particular. El material encontrado estaba repartido en dos lugares distintos, por razones hereditarias. 

Esto problema se resolvió gracias al aporte económico de un banquero de la familia Foa. Así se solucionó la cesión del material residente en el convento, pero se necesitaron muchas gestiones, e incluso la intervención de la iglesia para que el poseedor del resto del material, un miembro de la nobleza descendiente de los Giordano, aceptara la cesión o venta a la Biblioteca Nacional de Turín , lugar en donde se haya en la actualidad.

Por todos los trámites que hubo de hacerse para reunir  este material se le conoce como la colección Foa-Giordano, para distinguir del resto de su obra, parte publicada en vida y parte descubierta con anterioridad al siglo XX.


Gloria,      RV    589, 

Gloria en Re Mayor RV 589 para solistas (soprano, alto), coro, cuerdas, oboe, trompeta y continuo

1.- Gloria in excelsis Deo            Allegro         Coro
2.- Et in terra pax                      Andante       Coro
3.- Laudamus te                         Allegro           Soprano 1/2
4.- Gratias agimus tibi                Adagio          Coro
5.- Propter magnan gloriam      Allegro         Coro
6.-Domine Deus                       Largo            Soprano
7.- Domine fili unigenite            Allegro           Coro
8.- Domine Deus, agnus Dei    Adagio        Contralto y coro
9.- Qui tollis peccata mundi         Adagio           Coro
10.-Qui sedes ad dexteram        Allegro            Contralto
11.-Quonian tu solus sanctus     Allegro            Coro
12.-Cum sancto spiritu             Allegro           Coro

Fueron largos 200 años que estuvo perdido,este Gloria RV  589 siendo reestrenado en el Festival de Sienna el año 1939 y desde esa fecha ha pasado a ser un icono entre las obras de Antonio Vivaldi, demostrando cada vez que se ejecuta la vitalidad y fuerza musical que ha hecho perdurar merecidamente la obra de este gran músico barroco.



Páginas de Interés

 

Sancta Mariae, en Náhuatl



SANCTA MARIAE. 
en Náhuatl.



A través del tiempo se ha podido encontrar y recopilar antiguas piezas musicales de los tiempos del Barroco, en América.

Algunas mas importantes que otras, originadas por la enseñanza de los sacerdotes españoles que llegaron hasta este continente y muchas de ellas son el fiel ejemplo de una notable y hermoso sincretismo traducido en música por los primeros habitantes de este lugar.

Un ejemplo de ello se encuentra en Perú; se trata de una hermosa pieza musical llamada “Hanacpachap Cussicuinin”, escrita en Quechua, pero se debe destacar que en México, también se haya una de estas joyas musicales, se trata de una plegaria a la virgen. Su nombre “ Sancta Mariae “ escrita en Náhuatl.

Lamentablemente no se conoce claramente quien fue su autor, pero se le atribuye al maestro de capilla Hernando Franco, quien fue  el primer compositor conocido en la historia de la música mexicana.

Como decía antes, esta pieza  “Sancta Mariae” escrita en Náhuatl, fechada en 1599 y tomada del Códice Valdés - manuscrito encontrado en el pueblo de Cacalomacan, en el estado de México - ha representado un problema para conocer su autor y clasificar la forma musical de esta obra.

En 1934 El doctor Gabriel Saldivar y Silva publicó “Historia de la música en México” y entre las obra que corresponden al Virreinato se publica este texto en Náhuatl , Sancta Mariae, que Saldivar atribuye la autoría a Hernando Franco, quién fue maestro de capilla de la Catedral de México desde mayo de 1575 hasta el día de su muerte el 28 de noviembre de 1585

 Agradecimientos a : Canal de JuanVelita - youtube


El texto dice:

Santa mariae
in ilhuícac Cihuapille, tinantzin Dios,
in titotepantlahtocatzin,
ma huel tehuatzin topan ximotlahtolti
in titlahtaconhuanine.

Santa maria, celestial señora, madre de Dios,
abogada nuestra,
ruega por nosotros
los pecadores.

Robert Stevenson en: " Música en México" clasifica la pieza como un himno y se lo atribuiye a Franco, diciendo que este pequeño trabajo merece poca atención , dentro de la extensa obra de este mismo compositor (Stevenson 1952:119)

En una publicación posterior "Música en los territorios Azteca e Inca", Stevensón afirmó que el Santa Mariae, era una canción azteca , "Azteca Chanzoneta" cuyo compositor fue Don Hernando de Franco, un líder indígena que seguramente era ahijado del maestro de capilla; que a modo de homenaje a Franco fue compuesta a nombre del padrino, signando en el papel el título de "Don", título honorífico usado por los nobles indígenas y españoles aristócratas o peninsulares o con el rango de jueces (Stevenson 1972).

En el primer capítulo de “Música de México”, Stevenson aborda el tema de nuevo, ahora llamada “Sancta María” un motete y diciendo que don Hernando es el presunto autor (Stevenson 1986). Sin embargo siempre queda la incertidumbre frente a  la autoría de este ¿ Himno, Motete o Chanzoneta? y ante  esta duda surgen antecedentes que podría permitir esclarecer este dilema.

Según David Brading: “Cortés reunió a más de 1000 niños de nobles indígenas, instruyendo a los Franciscanos para su educación” (Brading 1993: 122), así los nobles indígenas fueron educados por los misioneros quienes pronto lograron transcribir los fonemas del náhuatl al latín escrito.

Brading habla también de como los archivos municipales dan fe de la rapidez con que los nobles adquirieron y aplicaron el arte de leer y escribir en su propio idioma.

Unos años mas tarde, después de la caída de Tenochtitlan en 1521, el padre Pedro de Gante fundó una escuela para estudiantes indígenas, en donde además de otras cosas que enseñaban música en la tradición europea, es decir, el canto llano y la música polifónica. Los indios aprendieron rápidamente y tan bien que poco después Pedro de Gante declaró que sus estudiantes estaban al nivel de los cantantes profesionales de la capilla musical de Carlos V (Herrera).

Razón por la cual los estudiosos  piensan que  es muy probable que hayan existido compositores indígenas de origen noble, educados por los misioneros y que fueron capaces de escribir una obra como el Sancta Mariae.

Así registró el hermano Toribio de Benavente, Motolinia en su “Hisoria de los indios de la Nueva España”:
El tercer año se les enseñaba canto, algunos se reían y bromeaban sobre él, porque parecía sordo, porque parecía tener voces débiles […]Un indio entre estos cantantes, un vecino de la ciudad de Tlaxcala, había compuesto una pieza completa, destacada por el ingenio y aprobada por los mejores cantantes en Castilla (Motolinia 1995: 169-171).

Nos queda la duda de quién fue realmente su autor, pero de lo que podemos estar seguros es, quien haya sido, nos dejó esta hermosa pieza polifónica, como muchas otras del Barroco Americano y que han sido redescubiertas, estudiadas y transmitidas a nuestra época, para el placer de todos aquellos que vibramos con el Barroco. 


Páginas de interés 
- Partitura  
-Cinco nuevos libros en la Catedral metropolitana de México
-Las  obras en Náhuatl  atribuídas a Dn. Hernando franco

Cantata N° 29 - Bach



Cantata N° 29
"Wir danken dir, Gott wir danken dir"
Te damos gracias oh Dios


 Johann Sebastian Bach

Compuesta para el servicio religioso celebrado con motivo de la instalación del consejo de Leipzig el 27 de agosto de 1731, esta es, quizás una de las mas notables cantatas para órgano de Bach.

El cantor debió considerarla mucho ya que la presentó en 1739 y 1749, utilizando también el coro en su misa en si menor, donde encontramos los siguientes versos: primero en el "Gratias agimus tibi", del gloria y luego en el "Dona nobis pacem", del final.

En la cantata Bach aprovecha la ocasión para expresar un poderoso sentimiento de comunidad extrayendo de un texto algo superficial, su significado mas profundo. las numerosas alusiones bíblicas del texto debieron estimular su creatividad.

La Cantata 29 se inicia como una suntuosa sinfonía, arreglo del preludio de la partita en Mi, para violín solo, que Bach había compuesto hace diez años atrás. y que ahora había transferido un trozo del concierto para órgano, o mas exactamente como anota Alfred Dür, en un solo de órgano con acompañamiento de orquesta.

Enseguida viene el mencionado coro que el cantor utilizará mas tarde en la gran misa latina y que emplea el siguiente texto: "Aleluya, fuerza poderosa", canto de expresión casi guerrera.

Luego de un recitativo para bajo, surge una conmovedora aria para soprano, en ritmo de siciliana, enriquecido con un  recitativo para contralto, que el coro interrumpe con un expresivo amén, que conduce sin solución de continuidad al penúltimo movimiento.

El coral de agradecimiento con que concluye la obra esta basado en una estrofa del himno "Alaba ahora mi alma al señor", que Johann Graumann escribió en 1548 y que Bach  completaría con la correspondiente melodía.

Historicamente Bach compuso 5 ciclos completos de cantatas, destinadas a celebrar 50 domingos y nueve fiestas, por un año un total de 300 cantatas. Des estas se conservan 200, la mayoría son cantatas religiosas destinadas al culto luterano.

Los textos están en Alemán, y están basados en los versículos de la bíblia y en algunas frases de los himnos que se interpretaban en la Alemania de la reforma.

Generalmente las cantatas de Bach estaban compuestas de cuatro o cinco partes donde se combinaban varias formas musicales. Una de ellas la coral, donde se utilizan    melodías litúrgicas protestantes  populares, así como recitativos y arias que interpretan solistas vocales, con acompañamiento de orquesta o solistas instrumentales. En cuanto a su numeración no guarda en absoluto algún orden cronológico.

Además la interpretación refleja la festiva ocasión para la que fue escrita. 
La pieza esta compuesta por ocho movimientos.



Agradecimientos a : Canal de stefanussen - youtube



TE DAMOS GRACIAS, DIOS BWV. 29

Wir danken dir, Gott, wir danken dir

Música de Johann Sebastian Bach
Texto de Johann Graumann y Salmos (75,2; 122,7; 85,

1. Sinfonía

2. Coro

Te damos gracias, Dios, te damos gracias
y proclamamos tus promesas

3. Aria (Tenor)

¡Aleluya, fuerza y poder
sean dedicados al nombre del Altísimo!
Sión es su ciudad,
allí tiene su morada,
allí se acuerda de nuestros descendientes
en la unión del Padre.

4. Recitativo (Bajo)

¡Gracias a Dios, somos dichosos!
Dios es nuestra esperanza.
Su protección, consuelo y luz
protegen la ciudad y los palacios.
Sus alas mantienen las murallas sólidas.
Él nos bendice en todo lugar,
la fidelidad que trae la paz,
deberá unirse
a la justicia.
¿Dónde hay un pueblo como el nuestro,
con un Dios tan cercano y clemente?

5. Aria (Soprano)

¡Que tu amor se acuerde de nosotros,
acógenos en tu compasión!
¡Bendice a los que nos gobiernan,
nos dirigen, nos protegen, nos conducen,
bendice a los obedientes!

6. Recitativo (Contralto, Coro)

No demores manifestarnos
la bondad con tu propia mano.
De esta forma,
nuestra ciudad y nuestro país,
alabarán tu entera gloria
con sacrificios y acciones de gracias,
y todo el pueblo dirá:
¡Amén!

7. Aria (Contralto)

¡Aleluya, fuerza y poder
sean dedicados al nombre del Altísimo!

8. Coral

¡Alabanza y loor con gloria,
Dios Padre, Hijo y Espíritu Santo!
Él desea aumentarnos
lo que nos prometió con misericordia:
que confiemos en él firmemente,
que nos abandonemos completamente a Él,
que de corazón vayamos hacia Él,
que nuestro corazón, cuerpo y mente
se entreguen sin reserva a Él.
Por todo esto cantemos ahora:
Amén, lo cumpliremos,
nuestro corazón así lo cree firmemente.



Páginas de Interés









Polonesa Op. 53 - Chopin




Polonesa Op. 53 de Chopin




La polonesa opus 53 en la bemol mayor, mas conocida como “Polonesa Heroica”, fue escrita por Fryderyk Chopin en 1842 para piano solo, con una dedicación especial a August Léo, su asesor financiero e intermediario en varias ocaciones con editores ingleses y alemanes.

La palabra polonesa significa “Polaco”, término que para Chopin era sumamente importante dado su profundo amor a su patria , materia de sus principales composiciones, tratando siempre de representar en ellas la grandeza de Polonia.

La polonesa heroica fue compuesta en el año 1842, período en que Chopin se encontraba muy enfermo de tuberculosis que lo obligaban a permanecer en cama a veces, durante semanas; en estas circunstancias nació esta bella obra, contando el autor a esa fecha con 32 años de edad y casi siete años antes de su muerte.

La pieza en si es una de las mas conocida cuya ejecución requiere y exige grandes habilidades y virtuosismo.

A pesar de su nombre “Polonesa”, tiene poco del típico estilo de ella. Se presenta dos secciones con el ritmo característico de las polonesas, pero solo el ritmo, se dice que la “Polonesa heroica” esta muy influenciada con la Polonesa Militar Op. 40 en la mayor, cosa que avalaría la introducción de la “Polonesa heroica”, notándose claramente la influencia de la primera.

Como se trata de una obra para piano solo, el autor quiso extremar las dificultades técnicas de la pieza, y, así por ejemplo podemos nombrar algunas: escalas dobles; trinos; rápidas y fuertes octavas; amplios acordes que exigen abrir mucho las manos y el uso (como se puede escuchar) de casi todo el teclado, 82 de las 88 teclas del piano.

Resumiendo podemos decir que fue compuesta por un hombre excepcional, para ejecutantes de una expertis a toda prueba.




Agradecimientos a : Canal de Luis Guilherme Olbertz - youtube


ANALISIS DE LA OBRA.

El tempo de la pieza es Alla polacca e maestoso, es decir, como una polonesa y majestuoso. Presenta una forma ternaria A-B-A con una introducción de unos treinta segundos.
 En la imponente introducción tiene una rápida ascensión cromática en las dos manos y presenta el aire y el tono de la pieza, muestra el lado heroico de la música de Chopin.
La primera de las partes es un tema escrito en La bemol mayor con una forma de danza. Es la parte más conocida de la Polonesa heroica.
En esta parte, la mano izquierda se mueve en octavas fortes. El tema principal se repite una escala más aguda con trinos adicionales que completan y rellenan los posibles huecos. Después hay un breve interludio con progresiones de acordes que llevan a la típica melodía de las polonesas, siendo la mano izquierda, en el acompañamiento, la que se ocupa del ritmo de la polonesa. Entonces se repite una vez más el tema principal de la primera parte de la Heroica antes de pasar a la segunda parte.
La parte B se abre con seis fuertes acordes arpegiados antes de cambiar a un piano grave ostinato de octavas descendentes, primero en la tonalidad de Mi mayor y después en la tonalidad de Re sostenido mayor. las octavas descendentes son seguidas por por una melodía que tiene un aire de marcha militar, algo que ocurre dos veces.
La sección B termina con un largo interludio con progresiones de acordes armónicos y constantes modulaciones. La mano derecha hace semicorcheas y hay un ligero acompañamiento de corcheas. Esta parte termina con una frase descendente antes de volver a la parte A de la pieza. Se vuelve a tocar el tema principal con mayor fuerza y dramatismo y se termina con una coda que incluye variaciones del tema principal.

Fuente análisis: Wikipedia 


Páginas de Interés 

Vangelis - China



VANGELIS



CHINA


Evangelos Odysseas Papathanassiou nacido el 29 de marzo de 1943. Este músico griego mas conocido solamente como Vangelis  es uno de los grandes compositores de nuestra época, con una gran cantidad de álbumes a su haber, ha impactado en el mundo de la música por su calidad en cuanto a composición se refiere, así como también a su ejecución. 

Vangelis tiene varios discos de los que se pueden llamar conceptuales, entre ellos se puede mencionar: China, 1492-Conquest of Paradise, El Greco, Earth e Ignacio por mencionar algunos. Pero del que me preocuparé en esta ocasión será del álbum llamado “China”.

 Este es un álbum conceptual  del año 1979 grabado en la casa discográfica Polydor,  destacando que para esta grabación y a  pesar que Vángelis nunca había estado en China, empleó instrumentos musicales chinos así como también empleó el estilo  chino de composición. 

En este álbum de 9 tracks o pistas nos presenta los siguientes temas basados en hecho políticos o culturales, asi como de antiguos poemas . 

1) Chung Kuo 
2) The Long March 
3) The Dragon 
4 )The plum blossom 
5) The Tao of love 
6) La Fete Little 
7) Yin y Yang 
8) Himalaya
9) Summit

 En ellos Vangelis toca variados  sintetizadores, cajas de ritmos y piano eléctrico como en “The Tao of love”, o en "Le long march" - "La flor del ciruelo" e "Himalaya" , y varias flautas chinas e instrumentos de cuerda pulsada. 


Son artistas destacados en este disco: Michel Ripoche, en "La flor del ciruelo" -  Yeung Hak Fun y Koon Fook Man, narrador en "Le fete Little".


Este álbum fue compuesto durante un período muy productivo en la carrera discográfica de Vangelis, durante el cual exploró las variadas posibilidades de composición acústica. Empleando para ello  un conjunto de  sintetizadores  para la generación de efectos de sonidos, como la locomotora de vapor en "Chung Kuo" y varios sonidos de timbres característicos  chinos que suenan en las pistas.


 Los conceptos utilizados en este disco van desde la poesía clásica china (“La fete Little”), que es un poema del siglo octavo Li Po,  a la histórica revolución de la República Popular China (“La larga marcha”). 


En general hay un brillo tenue en la música tratando de representar lo que la mayoría de los extranjeros creen que es la personalidad e idiosincrasia del  pueblo Chino; momentos  serenidad y pastoral actitud como el Zen, pero también el álbum se expresa de manera algo ruidosa, transmitiendo quizás el sonido de lo urbano e industrial que es la imagen de la China moderna. 


La portada del álbum, fue diseñada por Vangelis bajo la atenta asesoría de Jo Mirowski, y no muestra  una figura humana difusa, flotando en un trozo de océano azul, algo así como una metáfora de la humanidad flotando en la naturaleza misma, expresando además el equilibrio del hombre, la máquina y el medio ambiente. 


 1.- Chung Kuo : Es el nombre que los chinos dieron a su patria. La llamaron Zhong-Guo (Chung-Kuo). El primer carácter o ideograma – Zhong – un rectángulo dividido por una línea vertical, que significa “central” o “medio”.
El segundo ideograma - Kuo - es más complejo; dentro de un espacio rectangular,  la línea del confín, encontramos el signo de una lanza, una fuerza armada que garantiza la seguridad, y un cuadrado debajo que, según algunos intérpretes podría significar cara o bocas. - Kuo - es por lo tanto el territorio circundado con una población (las bocas) cuya existencia está garantizada por la lanza.  Complementando el concepto de estos ideogramas hay que agregar que a todo chino desde que aprendían a hablar se le inculcaba la idea de que su tierra era “El reino del medio” o “El país del centro”;es decir, el punto central del universo. 


A partir del siglo XVI ya se le conoce como China, palabra que deriva de la dinastía Chin, que bajo el primer emperador Qin Shi Huang Ti, unificó al país en el año 221 A.C. 


Agradecimientos a : Canal de Fobidium - youtube


2.- The long march : Alude a una gran e histórica marcha de 10.000 kilómetros que los comunistas chinos hicieron, y que dio lugar a la reubicación de la base revolucionaria comunista del sudeste hasta el noroeste de China y en el surgimiento de Mao Zedong como el indiscutible líder del partido y su  lucha contra los nacionalistas chinos, comandados bajo Chiang Kai Shek. 
En todo el recorrido las tropas comunistas cruzan 18 cordilleras y 24 rios para llegar a la planicie noroccidental de Shaanki. Este heroísmo atribuido a la gran marcha, incentivó a muchos jóvenes chinos a unirse al partido comunista de China durante la década de 1930 y principios de 1940 


3.- The dracón : Animal mitológico que aparece en diversas formas en varias culturas de todo el mundo, pero hablando particularmente de China; este dragón está compuesto por nueve animales: los ojos de langosta, cuernos de ciervo, morro de buey, nariz de perro, bigotes de bagre, melena de león, cola de serpiente, escamas de pez y garras de águila. 


4.- The Plum blossom : (La flor del ciruelo), es el símbolo básico de la belleza y la perfección en la cultura China. la flor del ciruelo es un recurso literario casi un cliché instalado en la poesía china 


 5.- The Tao of love : (El Tao del amor), El tao traducido literalmente significa camino, pero es un concepto que solo puede ser aprendido por la intuición. El Tao no es un camino físico, es espiritual y se identifica con el absoluto que por división genera los opuestos complementarios; el Yin y el Yang. 

Agradecimientos a : Canal de mapkos2009 - youtube

6.- La Fete Little

Bebiendo solo a la luz de la luna

Entre las flores, un tazón de vino
bebo solo, ningún amigo está cerca.
Levanto mi copa, invito a la Luna
y a mi sombra, y ahora somos tres.
Mas la Luna nada sabe de bebidas
y mi sombra se limita a imitarme,
pero así y todo, Luna y sombra serán mi compañía.
La primavera es época propicia para el goce.
Canto y la Luna prolonga su presencia, 
bailo y mi sombra se enreda.
Mientras me mantengo sobrio, somos alegres juntos,
cuando me embriago, cada uno marcha por su lado
jurando encontrarnos en el Río de Plata de los Cielos.

Versión de: Luis Enrique Délano  




7.- Yin Yang: Son dos conceptos del taoísmo que exponen la dualidad de todo lo existente en el universo.El yin es el principio femenino, la tierra, la oscuridad, la pasividad. El Yang es el principio masculino, el cielo, la luz, la actividad y la penetración. 


8.- Himalaya: Es la cordillera mas alta de la tierra, lugar en que se encuentra el monte Everest de 8848 mts. sobre nivel del mar. Himalaya se encuentra en el continente asiático entre Bután, China, Nepal e India. 

Agradecimientos a : Canal de Scifimaster92 - youtube

9.- Summit :(cumbre) 


Páginas de Interés

- Poetas Chinos
 - Página Vangelis  información
 - Página links información Vangelis (En)


 

Bach - Concierto para clavecín nº1 re menor BWV 1052



Johann Sebastian Bach
Concierto Nº 1 en re menor BWV 1052


“Un nuevo clave, como aquí nadie ha escuchado nunca”



Decía la propaganda del Collegium Musicum; ese fundado por Telemann en el año 1704 y dirigida por J.S.Bach en 1729, que invitaba a esos conciertos que se hacían cada semana dentro del transcurso del año.

Esta nueva presentación tenía especial significación para Bach, puesto que el clavecín, este nuevo instrumento, habría tentado a Johann Sebastian para componer el Concierto en re menor, catalogado hoy en día como Concierto Nº 1 en re menor BWV 1052.
Se dice de este concierto que: fue adaptado de un original que era para violín usando para ello también fragmentos de las cantatas BWV 146 y 1088 que Bach compuso durante su estadía en Köthen.

Este es el primer concierto para clavecín de seis de un documento manuscrito autógrafo fechado en 1738, que se encuentra actualmente en la Deutsche Staatsbibliothek de Berlín.

El concierto consta de tres movimientos :

I.-Allegro

II.-Adagio

III.- Allegro


Agradecimientos a : Canal de ThomasGross27 - youtube

Los instrumentos: Clavecín, violín I-II, viola, bajo continuo (violoncello, violón)

Análisis de la obra


La transcripción para clave se realizó mediante la trasferencia de las partes de la cuerda del ripieno sin alteraciones y aumenta notablemente la parte del clave solista que comparativamente es mas virtuosa que la obra original, también añadió acordes para completar la armonía y desarrollos figurativos en la mano izquierda.

Esto es particularmente notable en los movimientos uno y tres, en el segundo movimiento sin embargo, la mano izquierda casi duplica exactamente la parte del ripieno continuo, y la mano derecha toca una melodía que, probablemente es tomada directamente de la parte original del violín.

Los movimientos primero y tercero, comparten una estructura armónica similar basada en que los movimientos pueden ser divididos en cuatro secciones.

La sección de apertura de ambos movimientos presenta el tema en la tónica (re menor), seguido de un desarrollo del tema en lo relativo principal mayor, Fa mayor.

La segunda sección modula a la dominante (la menor) y el correspondiente relativo mayor, Do mayor.

La tercera sección modula a la subdominante (sol menor) y su relativo mayor(si b mayor).

Finalmente en la cuarta sección se ofrece una recapitulación del tema en la tónica, sin ningún desarrollo posterior.
Info: Wikipedia.org









Antonio Salieri



Al rescate de ANTONIO SALIERI


Compositor italiano de música sacra, de ópera y director de orquesta, nació en Legnano un 18 de agosto de 1750, pero pasó gran parte de su vida en la corte imperial de Viena de la cual fue compositor y maestro de capilla.
Fue un gran músico, con mucho talento, que también se dedico a la enseñanza, teniendo incluso alumnos tan importantes, famosos y reconocidos hoy en día como Ludwig van Beethoven, Frank Schubert, Frank Liszt o C. Czerny.
Siendo muy joven estudió violín con Giuseppe Tartini, pero después de la muerte de sus padres se trasladó a la ciudad de Padua y luego a Venecia en donde aprendió en la escuela de Giovanni Pescetti, el arte del contra punto.Ya, en Venecia, le ocurriría el suceso mas importante en su carrera; allí conoció a Leopoldo Gassmann que en esos momentos era Kapellmeister en Viena, en la corte de José II de Habsburgo, a la cual le infiltró.


Al morir Gassman , Antonio Salieri asume el cargo de compositor de la corte (1774), que lo llevará a convertirse finalmente en el nuevo Kapellmeister (Maestro de Capilla) en la corte de los Habsburgo. Pero fue en el año 1768 que compuso su primera ópera que no tuvo éxito, asimismo se puede considerar entre sus primeras óperas “Le Donee Letterate” (Las mujeres letradas), 1770; de calidad tal que impresionó a su nuevo amigo Gluck. Y luego “Armida” (1771), obras encargadas por la emperatriz Maria Teresa de Austria; todas ellas recibieron además un gran reconocimiento en los círculos musicales vieneses.

El estigma que Salieri sobrellevó durante mucho tiempo pareciera ser, su enconada rivalidad con otro famoso; Wolfgang Amadeus Mozart, quién lo acusara de plagio, además, de boicotear el estreno de su obra “Las bodas de fígaro”, que para ese evento fue mal recibida por el emperador y público en general, recibiendo una crítica muy pobre; pero, transformándose con el transcurso del tiempo en una de las mas conocidas y famosas del compositor.

Pero a decir verdad en torno a los acontecimientos de dicho estreno; Salieri se encontraba en Francia ocupado en la representación de su ópera "Les Horaces", por lo que es casi imposible que haya podido manipular una situación a esa distancia en ésa época.




Agradecimientos a : Canal de yotrshki - youtube


A la edad de sesenta y tres años alternaba su trabajo, dando clases con su puesto en la orquesta de Viena. Allí el 8 de diciembre de 1813 ocurrió un acontecimiento notable; en un concierto de caridad para los soldados heridos en la batalla de Hanau, se reunieron gran cantidad de famosos músicos como Hummel, Meyerbeer, Spohr, Dragonetti y entre ellos también se encontraba Ludwig van Beethoven, que figuraba en el programa con su Séptima sinfonía y algunas otras del insigne compositor.Los últimos años de su vida Salieri acabó ciego y con su salud muy desmejorada al punto que debió terminar internado en el hospital.
Pero la historia hizo conocido inmerecidamente a Salieri más que todo por su rivalidad con Mozart, al punto que algunos escritores y músicos aprovecharon esta situación como inspiración. Entre ellos Nikolai Rimski-Korsakov que escribió en 1898 la ópera “Mozart et Salieri”, y el escritor Peter Shaffer en 1979 escribió la obra de teatro “Amadeus”, que posteriormente se convertiría en la película (1984) con el director Milos Forman,la cual ganó un Oscar.

Este compositor internacional escribió en tres idiomas; ayudó al desarrollo y compartió muchas características del vocabulario de la composición operática. Antonio Salieri fue inhumado en el Zentralfriedhot (cementerio central) de Viena el 7 de mayo de 1825.




Paginas de interés

-Biografía y obra de Antonio Salieri
-Partitura de Tarare
-Partitura de Armida








Witches Brew - Miles Davis



WITCHES BREW



MILES  DAVIS


Una de las etapas que mas influencia ejerció en la música de jazz, es indudable esta, en la cual Miles Davis, da un giro a esa música suya, virando a lo que sería un nuevo género; El jazz- fusión. 

Tenía ya, un antecedente, cuya creación databa de un año antes, había sido otra obra prima llamada “In a silent way” del año 1969.

Este nuevo sonido expresado en esta obra maestra “Witches Brew” llevaría a sus contemporáneos a encontrarse frente a algo genuinamente nuevo y que haría de muchos melómanos y por supuesto músicos a embarcarse en este nuevo género.

La singularidad de este disco (que fue un álbum doble), era el tiempo de duración de cada surco o track. Todos ellos duraban más de 10 minutos, lo que era extraño pero sobre todo poco comercial para la época; solo uno de los surcos escapó a esta constante llamado John McLauglin, que duró 4 minutos 23’’. 




Los temas que se grabaron en este álbum doble:

Disco 1

- Lado A: "Pharoah's Dance" (Zawinul) 20:07
- Lado B: "Bitches Brew" (Davis) 27:00

Disco 2 

- Lado C: "Spanish Key" (Davis) 17:30
                "John McLauglin" (Davis) 4:23
- Lado D: "Miles runs the voodoo down" (Davis) 14:03
                "Sanctuary" (Shorter) 10:54




 Agradecimientos a : Canal de RedAmithaba - youtube

Todos los temas son esencialmente improvisaciones, sobre una base que Miles, le entregó al principio de la sesión a cada músico indicándoles que tocaran como cada uno mejor lo sintiera, y que no se coartaran; solo que lo siguieran, pero según su criterio. 

Hay que decir que Davis, se rodeo de muy buenos músicos de excipiente fama y que aún no habían conseguido renombre, como: Chick Corea, Wayne Shorter, Joe Zawinul, John McLauglin, Dave Holland o Leny White, entre otros y que el día de hoy son destacados representantes y maestros del Jazz y del Rock. 

Pero para hacer justicia en cuanto a la creación misma del disco hay que mencionar la exitosa intervención de Teo Macero en el estudio de grabación, sobre los controles de una fría mesa de mezclas de la que surgió Bitches Brew. 

Una obra medida y calculada, prácticamente esculpida pero siempre bajo la perspicaz mirada del productor y compositor Macero, quién utilizando un nuevo método experimental de cortar y pegar de la producción puso a este, Macero-productor, casi al mismo nivel de artista con los otros músicos en la creación de esta excelente obra “Witches Brew”. 

Efectivamente Bitches Brew es un álbum de amplísima capacidad sonora que sigue sonando hoy tan audaz y moderno como lo fue en su primer día. 


Páginas de interés:

- Bitches Brew (En)
- Biografía de: Wayne Shorter 
                        :  Chick Corea
                        : John McLauglin 
                        : Dave Holland 

- Miles Davis: La musa que lo cambió (En.)
- Bitches Brew (álbum completo - 1:46:01)




Música en la “Chiquitania”  
y las reducciones jesuíticas




Llanos de Chiquitos y mas moderadamente chiquitania, son topónimos que derivan del nombre; que por un error dieron los españoles; a una de las étnias pampidas; que habitaba esa región; en efecto a inicios del siglo XVI los conquistadores españoles encontraron varias aldeas de chozas abandonadas, les llamó la atención que las chozas poseyeran puertas de poco mas de medio metro de altura, esto hizo que los europeos creyeran; pigmeos o “chiquitos” a sus habitantes. lo cierto es que los aborígenes chiquitos ( como es común entre los pampidos) eran de elevada talla (mas elevada que la mayoría de los europeos; de esa época) y que la existencia de habitaciones tan pequeñas obedecía a dos motivos: una forma de mantener la temperatura interna de las chozas en relación ;al clima del exterior y la otra para presentar dificultad al posible ingreso de jaguares o pumas.

Pero haciendo un poco de historia de; los lugares geográficos en donde se hizo una muy; bella música; se puede decir que hacia el año 1561 se produce el primer encuentro entre españoles y nativos de las provincias de Chiquitos (territorio en que se fundó Santa cruz de la Sierra).

Posteriormente; en 1691 el gobernador de Santa cruz decide entregar los territorios chiquitanos; a la compañía de Jesús, es a finales del siglo XVII cuando comienza; la creación de las misiones jesuitas en lo que es; actualmente el territorio boliviano; esencialmente en las regiones de Chiquitos, al norte del departamento de Santa Cruz de la Sierra, y en Moxos, ubicado en el territorio del departamento del Beni.



Primero se fundó la Misión de San Francisco Xavier en 1691, por el jesuita José de Arce. Seguidamente se creó la Misión de San Rafael en 1696, por los jesuitas Zea y Herbas. Posteriormente, en 1698 el jesuita Felipe Suárez fundó la Misión de San José. La Misión de San Juan Bautista data de 1699, y la Misión de Concepción de 1709. La Misión San Ignacio de Zamucos fue creada en 1724, siendo abandonada en 1745.

Iglesia de Concepción

Posteriormente se fundaron la Misión de San Ignacio en 1748, la Misión de Santiago en 1754, y finalmente las últimas en fundarse fueron las Misión de Santa Ana en 1755 y la Misión de Santo Corazón en 1760. 

Pero ocurrió un hecho determinante que influiría notablemente la existencia de estas las misiones. En 1767, la Compañía de Jesús fue expulsada de España y por supuesto también de América, quedando su labor inconclusa y abandonada.

Lamentablemente en Argentina, Paraguay y Brasil el trabajo que se había hecho se diluyó sustancialmente; sin embargo en Bolivia la obra se mantuvo y se desarrolló durante varias generaciones hasta la actualidad. 

Existen muchos manuscritos en dichas misiones y en cuanto a ellos, se puede decir que los que  se encuentran ahora en Concepción, se hallaron en dos de estas iglesias misionales. Santa Ana y San Rafael. 

No obstante el hallazgo de los manuscritos en dichos lugares no significa necesariamente que hayan estado allí siempre. Duda razonable puesto que ninguna de las dos iglesias muestra música manuscrita en los inventarios de muebles encontrados en el tiempo de la ejecución de los decretos de expulsión en 1767. En cambio, el mismo inventario presenta la existencia de una petaca con partituras entre los bienes pertenecientes al coro de la reducción de San Javier.


Hay que precisar que las reducciones de Chiquitos eran poblados exclusivamente por indígenas, en los que los jesuitas se dedicaron a la evangelización y a la enseñanza de artes y oficios europeos.

Las características de estas reducciones eran similares a las que habían sido creadas en la región de los Moxos (actualmente, Beni) distinguiéndose en su estructura “urbanística” una plaza, un colegio, una capilla, el huerto y el cementerio.

La capilla estaba destinada al velatorio de los muertos, pues además existían templos para oficios religiosos. La singularidad de estas construcciones es que fueron construidos con materiales propios de la zona, así pues las características de estas edificaciones se ajustaban perfectamente al clima del lugar. 

Y así como ocurrió en Cusco en que se empleó la pintura como vehículo para evangelizar , aquí los misioneros encontraron en la música el medio ideal para la evangelización de estos nativos, formando así, coros y orquestas. Pero, no sólo se interesaron en la ejecución del arte sonoro, sino que también surgieron los compositores y los constructores de instrumentos musicales como órganos y violines, de manera que al cabo de un tiempo cada reducción contaba con una orquesta y un coro. 

Agradecimientos a Canal de: Belarmo - youtube

La música renacentista y barroca de centro y Sudamérica está siendo considerada hoy en día como el último descubrimiento con trascendencia de carácter histórico-musicológico, por la cantidad y calidad de las piezas encontradas en los viejos archivos.


Se debe destacar además que la música en la américa colonial estuvo siempre muy presente a través de los continuos viajes que muchos europeos hacían a este continente americano, trayendo las últimas novedades musicales desde el viejo mundo.

Las obras musicales que se encuentran en los repertorios de las catedrales y de las misiones jesuítica de la américa-hispana, se constituyen en un referente esencial en los acertados intentos por sincretizar la cultura europea y americana. 

Por otra parte, los jesuitas dieron impulso a la enseñanza de la artesanía, orientando a los indígenas en la especialidad de carpintería, alfarería, pintura, talabartería, escultura y otros oficios que concurrieron a construcciones de viviendas y otras necesidades de la región. Y, como decía antes toda esa labor de los misioneros se vio interrumpida en el año 1767 con la expulsión de la Compañía de Jesús, quedando los pueblos aislados hasta el momento del mestizaje ocurrido en el siglo XIX; sin embargo la provincia de Chiquitos conservó el espíritu artístico y artesanal llegando a ser fundamental para la cultura de Santa Cruz.

Las misiones de Chiquitos (depto. del beni Santa cruz, Bolivia) fueron declaradas por la UNESCO patrimonio cultural de la humanidad. 




 
Hay que destacar que desde el 1996 y cada dos años la Asociación Pro Arte y Cultura - APAC - realiza un festival que está considerado el evento cultural mas importante de Bolivia y el mas grande del mundo en su género. El próximo se realizará entre abril y mayo del 2014.

Cada festival está acompañado por exposiciones de arte, presentaciones de libros y Cds, presentaciones de danzas, ferias de comidas y artesanías, además de un Simposio internacional de musicología, en el cual historiadores, investigadores y musicólogos discuten sobre algún tema sobre la música antigua. Las ponencias presentadas se publican y se difunden a través del Fondo Editorial APAC.



Opera: San Francisco Xavier~ Anónimo - Indios Chiquitanos





  Agradecimientos a : Canal de hotkikee - youtube



Páginas de interés
Sonatas Chiquitanas 
- Grupo de música antigua"Dulce memoria" - Barroco  misional de Chiquitos y Moxos
APAC asociación cultural - Música medieval y barroca americana


Fuentes:
- Wikipedia



Web Site Counter
Ski Poles